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16th Stage heißt der Opener, der mit einem luftig-lockeren Groove und elegischen Streichern und Glockenspielen schon mal die Stimmung des Albums anklingen lässt, auch wenn man sich nicht zu früh auf eine Schublade verlassen sollte. Mehr zur Sache geht es dann mit Downtown und Evenmore, und spätestens hier merkt man, wo Osbornes Einflüsse liegen, denn selten hört man einen Track, der so offensichtlich dem alten Detroit- und Chicago-Housesound Tribut zollt. Es sind diese nostalgischen Piano- und Streichereinlagen, die das ganze Album durchziehen, und das, obwohl Osborne sich von Track zu Track in eine andere Richtung bewegt, und es den Anschein hat, als kommen 1000 Ideen auf einmal zusammen. Das Faszinierende ist: es funktioniert, denn nie hat man das Gefühl, dass hier irgendetwas nicht an seinem Platz ist, und selbst das etwas bizarre, aber aufheiternde Definition of a Breakdown wirkt ebenso wenig außer Kontext wie das verspielte Interlude Suffer, das ein wenig klingt wie Luke Viberts frühere Acid-Produktionen, oder das von Tribal-Drums und afrikanischen Gesängen angetriebene Afrika.

Die Stärken liegen jedoch ganz klar bei den Techno- und Housetracks. Gerade L8 ist ein fantastisches Stück Detroit-Nostalgie, dessen staubtrockene Snares und HiHats, ebenso wie bei Junk Food mit einer ordentlichen Brise Acid abgeschmeckt sind, und dabei klingen wie Warehouse Rave zu seinen besten Zeiten. Als Gegenpol wirken da Tracks wie Ruling oder das letztjährige Outta Sight, zwei astreine Housetracks, wobei gerade ersteres mit einem eingängigen, fast poppigen Vocalsample wunderbar nach Frühling klingt. Gerade in der zweiten Hälfte des Albums wird Osbornes eigener Stil immer mehr deutlich, bei dem pumpende Technosmasher á la Air Pistol den verträumten Synthlines von Detuned und den flirrenden Streichern von Fresh gegenüber stehen, als wäre es das natürlichste auf der Welt.

Osbornes Debütalbum ist ebenso nostalgisch wie frisch, melancholisch und hedonistisch zugleich, es springt zwischen Genregrenzen und klingt dabei trotzdem wie aus einem Guss, es ist ein Tribut an Detroit, an Chicago, an Acid und Vocalhouse, bei dem man sich wünscht, die Nacht würde nie zu Ende gehen. Ein Kompliment, an eines der besten Alben des laufenden Jahres! Hätte ich das Album vor einigen Wochen bei Osbornes Gig in der Berliner Panoramabar schon gehört, vielleicht wäre ich mit anderen Augen (und vor allem Ohren) an die Sache herangegangen.

# Spectral Sound
# Preview @ Ghostly

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Doch neben der nachdenklichen Seite hat Been Through auch luftig-lockere Momente anzubieten, wie beispielsweise das B-Boy Discobreak in Breakin, die Riddims von Scorcha bei Complain, oder die stark gefilterten Gitarren-Loops bei Miles and More. Ein durchweg angenehmes Album, das klassische Dubelemente auf erfrischend neue, nie aufdringliche, aber stets interessante Weise einzusetzen weiß, zwischendurch immer wieder subtile Elektronika-Elemente durchschimmern lässt, und mit A Try sogar einen kleinen, unscheinbaren Hit landet. Eine schöne Angelegenheit.

Für A Try gibt es ebenfalls ein Video, das zwar nicht sehr spannend ist, wir als kleinen Teaser aber auch nicht vorenthalten wollen:

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Wie auch schon die früheren Produktionen von Anja Schneider, wiegen sich auch die Tracks auf Beyond the Valley in reichlich Echo, wirken stets fokussiert treibend, nie nervös, nie überproduziert, und immer mit einem Auge in Richtung Dancefloor schielend, wobei die Tracks meiner Meinung nach schon immer mehr für die früheren Stunden als die Peaktime abgesehen waren. Daran ändert sich auch weiterhin nichts. Wer Tracks wie Addicted mochte, wird an diesem Album seinen Spaß haben.

Doch leider tappt Anja Schneider etwas in die Falle der Albumlänge, denn die Spannungskurve hält sich nicht ganz bis zum Ende. Dafür gibt es zwischendurch doch einige Tracks, bei denen man in zu gewöhnliche Pattern abdriftet, in denen die Tracks ineinander verwischen, was nichts daran ändert, dass man dieses Album ohne Probleme durchhören kann, nur fragt man sich bei einigen Tracks anschließend wie genau sie eigentlich geklungen haben. Wer das zu ignorieren weiß, wird diesen verheißungsvollen Ort jenseits des Tals vielleicht früher als erwartet entdecken.

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# Fabric 39 @ Amazon

(aus De:Bug 122)

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Lediglich acht Stücke finden sich auf Metanarrative, aber die 40 Minuten zeugen nicht von Mangel an Material, sondern unterstreichen vielmehr die Konsequenz, mit der Mark Stewart seine Musik behandelt. Schon die warmen, weichen Synths, die sich im Opener Operation gepaart mit analogen Retrosounds erheben, weisen darauf hin, dass es wieder eine sehr deepe Angelegenheit werden wird. Das erste Ausrufezeichen setzt kurz darauf Harsh Reality, ein herrlich melancholisches Kleinod des Techno-Writertums, das behaglich im Midtempo vor sich hingroovt, während Glockenspiel und subtile Chords sich wie eine wärmende Decke darüberlegen. Ähnliches gilt auch für Innocence, dessen Titel nicht passender sein könnte; zwischen tiefem Bass und reichlich Echo erheben sich schwelgerische, geradezu herzerwärmende, aber doch unschuldige Chords, so dass man vermutlich zwei mal nachschauen, oder eher hinhören muss ob es sich hier wirklich um Claro Intelecto handelt. Diese Melancholie hat schon immer bei seinen Produktionen durchgeschimmert, wird aber in der ersten Hälfte von Metanarrative um einiges offener präsentiert.

Spätestens die zweite Hälfte des Albums lässt dann aber keine Fragen mehr offen; Gone to the Dogs erinnert wohl am ehesten an die Warehouse Sessions, und baut sich langsam zu einem treibenden, vielleicht auch etwas unterkühlten Technoschieber auf. Das vorab als 12″ veröffentlichte Dependant ist Claro Intelecto in Reinkultur, das mit glasklarer, filigraner Percussion, reichlich Echo und hallenden Vocalsamples hypnotisch kreisend zwischen Manchester Warehouse und Berlin Dubtechno fliegt. Zum Schluss folgt mit Beautiful Death ein liebevolles, gänzlich beatloses Goodbye, bis die im Herzschlag pulsierende Bassline letztendlich auch verstummt bevor die Nacht zu Ende ist.

Was bleibt sind 40 Minuten fokussierter, mit Dub und subtiler Melancholie gespickter Techno, der zwar zum einen sehr Retro klingt, auf der anderen Seite aber auch kaum besser den Sound von Modern Love auffangen könnte. Die zwei Seiten von Metanarrative ergänzen sich letztendlich blendend, auch wenn ich persönlich die erste Hälfte etwas interessanter finde. Ein Listening-Album und ein Grower, ohne Frage.

# Modern Love
# Claro Intelecto
# Metanarrative @ Boomkat

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Das ursprünglich als Instrumental EP gedachte Jay Loves Japan, das schon 2006 als Promo durchs Netz kursierte, ist nur ein weiterer Beweis des Könnens von J Dilla. Es enthält sicherlich nicht die besten Tracks von Dilla, keine Hits und auch keine Stand-Outs, zeigt aber in seinen acht Songs eine gute Mischung aus Instrumentals und Vocaltracks, sowie die auf den Punkt genaue Produktion von Dilla: Kaum ein Track überschreitet die 3-Minuten Grenze, der Großteil pendelt sich bei knapp über 2 Minuten ein. Mehr braucht es auch gar nicht, denn die Tracks sind gerade aufgrund ihrer Prägnanz so eindringlich. Es ist gritty, grimey, die tiefen Basslines und die emphatischen Samples sind bewusst immer etwas holprig zusammengesetzt. Wenn sich zum Ende hin dann bei Feel the Beat die knisternden Lo-Fi Streicher über den rumpelnden Beat und das abgehackte Soul-Sample legen, ist es eigentlich zum weinen schön. Instrumental Hip Hop at its best.

Wer noch nicht mit dem Werk von J Dilla vertraut ist, dem empfehle ich das großartige Donuts Album, das drei Tage vor seinem Tod veröffentlich wurde.

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Label-Compilations neigen in der Regel dazu, neben den offensichtlichen Hits auch den einen oder anderen Filler einzubauen. Freerange braucht sich darum keine Gedanken zu machen, denn diese Compilation schafft spielend den Spagat zwischen elegant dahingroovenden Deephouse Tracks und fröhlichen Techhouse-Stompern, ohne dabei Einheitsbrei anzurühren.

Bemerkenswert ist, wie hier die Trackist zusammengestellt wurde, denn selten findet man bei Compilations eine solche Spannungskurve. Mit Manuel Turs Acurado beginnt es geradezu langsam, steigert sich dann aber über Jimpsters absolut fantastischem Dangly Panther und den verspielt hüpfenden Housegrooves von Brett Johnson, dessen Cuckoo im Remix der Frankfurter Motorcitysoul vermutlich einer der fröhlichsten Housetunes des letzten Jahres war, hin zum treibenden Techhouse von Shik Stylkos Minion.
“What is house music?” wird hier geradezu schelmisch gefragt, und angesichts des darauffolgenden Cycles von Milton Jackson, einer aussschweifenden Ode auf den Dancefloor-Hedonismus und dem emotionalen Höhepunkt der CD, wird klar, dass hier Freerange vielleicht nicht House neu erfinden, aber zumindestens wieder ganz nach oben bringen. Nach diesem Hoch wird es mit Marcel Waves 27 Holton wieder etwas ruhiger, und das letzte Viertel der CD driftet mit etwas unbekannteren Namen wieder in leichtere Deephouse-Sphären ab, ohne dabei qualitativ nachzulassen.

Ich bin nicht der größte Fan von Compilations, aber diese hat es mir angetan. All Killer, no Filler. Glückwunsch zum 100sten, Freerange!

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Sprache wird auf Words Are Missing auf eine Weise dekonstruiert, die Jacques Derrida glücklich gemacht hätte. Statt Wörter als übergeordnete Entität zu nehmen, greift AGF auf kleinere Bausteine zurück, baut ihre Stücke um einzelne gesprochene und gesungene Buchstaben, um Atem- und Jubelgeräusche herum, was eine neue Form intensiv-fragmentalischer Lyrik eröffnet. Statt Texte als bloßen Aufhänger zu wählen, werden hier Ton und Sprache auf ein gleiches Level gebracht, Sprache gezielt als Instrument benutzt. Diese Idee ist zwar nicht neu, wird hier aber von AGF mit Hilfe experimenteller Kompositionen auf eine eigene Weise verarbeitet.

Musikalisch ist Words Are Missing womöglich das bis dato kompletteste und vielseitigste Werk von AGF: Kalte, maschinenartige Drones vermischen mit breiten Ambient-Soundscapes (Words are Useless), dazwischen immer wieder hallende Echos, knisternde Statik zwischen vereinsamten Drums (Mohr und die Raben von London) und subtilen Fieldrecordings, immer an der Grenze von Disharmonie und Melodie. Das gesprochene Alphabet entwickelt sich bei Cognitive Modules Party II in einen hypnotisierenden, fast tanzbaren Groove, bei Letters Make No Meaning dagegen paaren sie sich in rapider Sukzession mit harscher Percussion. Dread in Strangers Eyes wiederum klingt nach Avantgarde-Elektronika aus den 40er Jahren, während Stücke wie Under Water sich so leise fortbewegen, das man glaubt die Platte steht still.

Auch wenn die Grundstimmung des Albums eher düster ist (man höre sich das akustische Albtraum-Szenario von Presswehen an), so wirkt es insgesamt doch sehr organisch. Statt in unterkühlte Laptop-Electronica zu verfallen, behält sich AGF immer etwas menschliches vor, was natürlich das Konzept des Albums nur bestätigt. Das ist nicht immer leicht zu verarbeiten, und braucht etwas Zeit um sich entfalten zu können, aber in Sachen Detail- und Ideenreichtum muss sich Words are Missing sicherlich nicht verstecken. Als Bonus gibt es ein 20-seitiges Booklet, das mit Kalligraphien und Fotographien das Kompositons-Konzept auch abseits der eigentlichen Musik weiter ausbaut.

AGF, Words are Missing, ist auf AGF Producktion erschienen.

# AGF Offizell
# Kaufen @ Amazon.de

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Wie bereits im Vorraus angekündigt, und auf der Throttle Promoter EP zu hören, verfolgt Turning Dragon, vielleicht nicht von ungefähr in Clarks neuer Heimat Berlin produziert, diesen Weg noch ein Stücken weiter. Kurz gesagt: Turning Dragon ist ein ziemliches Ungeheuer von einem Album, das man erstmal bändigen muss. Schon die beiden Opener New Year Storm und Vulcan Veins stampfen mit 4/4 Kickdrum in unerwartetes Terrain, das durch Clarks kompromissloses analoges Soundprocessing ordentlich umgekrempelt wird: Zwischen abgehackten Vocals aus vergessenen Rave-Zeiten, schmutzigen Breakbeats und einer ordentlichen Portion Noise, legt Clark mit seinem Industrial-Rave Ansatz den Dancefloor in Schutt und Asche. Das muss man erstmal verdauen.

Wer jedoch denkt, Clark zieht diesen Mindfuck über das ganze Album durch, der irrt. Es ist war unverkennbar, dass Clark die Schnittstelle zwischen seinen energetischen Livesets und den detaillierten Kompositionen sucht, doch die totale Ravekeule zu schwingen wäre wohl zu offensichtlich. Tracks wie BEG, Ache of the North und Mercy Sines offenbaren eher einen unterschwelligeren Techno-Ansatz mit Acid-Elementen, der durch klaustrophobische Arrangements, stetig zuckende, kaum greifbare Samples, Sounds und Rauschen und auf ein höhere Level gehoben wird; Clark stellt dem minimalistischen Ansatz eine kompromisslose Schärfe entgegen, die jedoch, wie bei For Wolves Crew, auch immer wieder überraschend Platz zum Atmen lässt. Gaskarth zum Beispiel könnte vom reduzierten Grundprinzip aus reduzierter Kickdrum und hallender Ambience her auch einer alten Sähkö Platte entsprungen sein, doch Clark verfällt nicht in das Repetitions-Pattern, und entwickelt langsam aber stetig einen treibenden Breakbeat daraus. Es ist diese Zusammenstellung, diese Vermischung aus scheinbar diskrepanten Elementen, aus kühlem Minimalismus und effektbeladenen Bombast, aus denen Turning Dragon seine Stärke gewinnt.

Doch es gibt auch andere Momente, die sich eher auf bekannten Pfaden bewegen: Truncation Horn beispielsweise ist ein Ausflug in eine gewisse Cut ‘n’ Paste Funkyness, die etwas an Labelkollege Jackson erinnert, Penultimate Persian und Hot May Slides dagegen könnten auch den Maschinen eines Richard D. James entsprungen sein, mit harschen Breakbeat Sequenzen, die durch schwebende Melodien wieder aufgefangen werden, denn das Album ist trotz des Noise und der Vielschichtigkeit doch ein sehr lebhaftes, pulsierendes Album.

Nach dem ersten Hören mag Turning Dragon ziemlich wild erscheinen, denn erst bei genauem Hinhören wird man merken, dass Clark hier eine ganz eigene Idee von Clubmusik immer besser entfaltet. Für die Technoclubs in Berlin wird das immer noch zu nervös, zu aufbrausend und zu dreckig sein, doch wer es schafft durch die Wall-of-Sound zu hören, der wird überraschend viele Parallelen zu aktueller und klassischer Technoästhetik entdecken. Vielleicht die unterhaltsamste und fokussierteste Clark Platte.

# Warp Records

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Ganz ähnlich ist es mit Róisín Murphy als Solokünstlerin: Ruby Blue war ein sensationelles Debüt; im Soundkleid von Matthew Herbert war es ein verschrobenes Avantgarde Jazz/Popalbum, dass trotz einiger eingängiger Songs zwar nie wirklich charttauglich war, die Kritiker jedoch überzeugte. Overpowered geht von vorne herein in eine ganz andere Richtung. Statt sich auf einen Produzenten zu einigen, hat sich Róisín gleich mehrere ins Studio geholt, darunter auch Groove Armada und Bugz in the Attic. Overpowered ist eine Ode an House, an Disco, ja auch an Glamour, zu dem Róisín Murphy sicherlich schon immer eine besondere Beziehung hatte. Es ist eingänglicher, poppiger, und stellenweise auch etwas zu dick aufgetragen. Die upbeat Disconummern wie You Know Me Better und Let Me Know sind das Gegenteil zu Ruby Blue: Aufpoliert und glattgefeilt, fast schockierend für jemanden, der etwas im Stil des Vorgängers erwartet hätte, aber dabei ist es alles andere als schlecht oder gar billig produziert; zwar mit vielen Ideen gespickt, weniger konzeptuell, aber funktional.

Wer sich darauf einlässt, den ersten ‘Schock’ überwunden hat, wird nicht darum kommen mit dem Fuß zu wackeln, und wenn bei Let Me Know nach drei Minuten der Housebeat in die ekstatisch-befreiende Bridge übergeht, kann man sich kaum ein Lächeln verkneifen. Der Titeltrack übernimmt sogar die Bassline des Discoklassikers von La Bionda, und auch sonst scheut man sich nicht davor Referenzen zu Giorgio Moroder und co. durchscheinen zu lassen.

Doch wer das Album als reines Dancefloorfutter für Londoner Afterwork-Clubs vermutet, irrt. Es sind die ruhigeren Momente, die sich wirklich einprägen. Checkin’ On Me mit tollem Bläserarrangement zum Beispiel, oder die nachdenklicheren Songs wie Primitive, Tell Everybody oder Dear Miami (das übrigens den Klimawandel als Thematik aufgreift), dich sich mit wunderbar zerreißender Unterkühltheit unter reduzierten Streichern und zurückhaltenen Basslines um die Stimme legen, die selten besser geklungen hat. Hier ist vielleicht auch die Parallele zu Molokos Statues: Auch wenn einige der Songs massenkompatibel sind - als Gesamtkunstwerk behält sich Overpowered doch gewisse Kanten und Ecken vor.

Aber trotzdem: Wenn es jemand schafft dieses Album, diese Sammlung von Ideen und Sounds, auch wirklich so glaubhaft rüberzubringen, dann Róisín Murphy. Mal arrogant, mal verletzlich, mal augenzwinkernd, aber immer stilsicher, ‘classy’ eben. Da verzeiht man auch Fehlgriffe wie das Goldfrapp-inspirierte Movie Star, oder den pseudo-Industrialhouse Beat von Cry Baby.

Wie sagt man doch so schön: Es wird mit jedem Mal besser.

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Steingarten Remixes schafft den Spagat, indem man nicht nur angesagte Remixer versammelt hat, sondern auch ein beachtliches Soundspektrum abdeckt: Shackleton und Peverelist schlagen beide in die Bresche zwischen Dubstep und Techno, mit tiefen Bässen, glasklarer, komplexer Percussion und durchdringenden Synths. Mike Huckabys Remix von Düsseldorf ist dagegen Dubtechno in Reinform, dass sich einiges von den letzten Deepchord Releases abgeschaut hat. Auf der beatorientierten Seite finden sich Remixe von Ghislain Poirier, der Winkelstreben in reichlich Echo einpackt, und dazu eine Bassline auspackt, bei der sich die Winkel nicht nicht nur streben sondern ordentlich verbiegen, und Deadbeat, dessen Remake von Sylvenstein dem ganzen einen Hauch Bhangra Percussion gibt, und ein ziemlich großartiges Off-Beat Monster ist.

Für die technoidere Seite sind The Mole und Dimbiman zuständig, wobei letzterer eher den Cut & Paste Approach wählt und fleißig klickende Samples einstreut, während The Moles Lost in the Woods Remix mehr Zeit zum atmen lässt, und sich tatsächlich irgendwo im Electrowald verloren zu haben scheint. Die positivste Überraschung ist vielleicht der Melchior Productions Remix von Pferd: Irgendwo im Midtempo steckenbleibend, groovt es sich dahin, fast plätschernd möchte man meinen, aber etwas hypnotisches steckt da in den Synths, was ich nicht so genau greifen kann. Gudrun Gut sagt in ihrem bedrohlich anmutenden ABC Remix Frauennamen vor sich hin, vergisst zwar das ‘X’, macht aber nichts. Einzige Enttäuschung ist vielleicht Frivolous’ Versuch an Achterbahn, dessen verzerrte und schräge Sounds mir doch ein wenig auf den Geist gehen.

Ansonsten bleibt eine abwechslungsreiche Remix CD. Highlights: Die Mixe von Shackleton, Deadbeat, Ghislain Poirier und Melchior Productions.

# Album Info @ ~Scape

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Angefangen mit Orange, Grape und Pistachio wird der Weg zunächst in Richtung Detroit abgesteckt. Das bleepige Orange und die peitschenden Snares von Pistachio sind wunderbare Ausflüge in den wohligen Oldschoolklang der 909, ohne dabei die Melodie außer Acht zu lassen. Grape A + B sind dubbiger angehaucht, schalten die Percussion auf das nötigste zurück, und überlassen den Synths die Bühne. Trotzdem ist mit Ausnahme von Blue B, der mit tiefem Subbass und verspulten Synths in Sähkö und Sleeparchive Sphären vordringt, keiner der Tracks so minimal wie man es von der 6×6 Series kennt. Die zuvor unveröffentlichten Opal Sessions sind berauschender Acid in Reinkultur, während man sich bei Cocoa plötzlich nach der durchtanzten Nacht im Ambienthimmel bei einer Tasse Kakao wiederfindet. Zum Schluss dann mit Mustard B noch einmal ein Highlight, ein toller Abschluss zwischen Bleeps und melancholischen Melodien, dass man glaubt es wäre wieder 1995 als man noch mit analogem Equipment gearbeitet hat.

Abgesehen davon dass gut zwei Drittel der eigentlichen Tracks fehlen, ist die Colorseries Compilation ein gelungener und abwechslungsreicher Überblick über die Serie. Wer das Komplettpaket möchte, wird allerdings um die Original 12″s nicht herumkommen, die es immer noch zu haben gibt.

# Colorseries @ Boomkat

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