Wer von Hamburg und elektronischer Musik spricht, der kommt um den Namen Smallville nicht herum. Gerade jetzt, da Hamburg mit nordischer Lässigkeit die House-Szene in Deutschland neu aufleben lässt, wird der liebevoll geführte Plattenladen in einer gemütlichen Nebenstraße in St. Pauli zur Anlaufstelle von DJs, Produzenten und Musikliebhaber gleichermaßen. Gegründet 2005 von den drei Freunden Peter Kersten (aka Lawrence, der auch hinter dem Hamburger Vorzeigelabel Dial steckt), Stella und Julius Steinhoff, entwickelte sich der Shop rasant zu einem der wichtigsten DJ-Drehkreuze in Norddeutschland. Oft genannt in einem Atemzug mit dem Berliner Hardwax-Laden, dem Frankfurter Freebase oder auch dem Kompakt-Store in Köln, legte der Laden von Beginn an besonderen Schwerpunkt auf ausgewählten House, Detroit- und Minimal Techno, ohne dadurch aber die Facetten geschmackvoller Gitarrenmusik, Indierock und nicht zwingend tanzflächenorientierter Elektronika vermissen zu lassen.

Immer mit dem Finger am Puls der Zeit, ist der Laden aber nicht nur eine Fundgrube für Musikliebhaber, sondern hat sich zuletzt auch mit einer eigenen innovativen Partyreihe im Hamburger Übel&Gefährlich, sowie einer Dependance in Paris außerhalb der vier Wände des Plattenladens etabliert. International bekannt geworden ist Smallvile außerdem vor allem durch den deepen Trademarksound des eigenen Inhouse-Labels, auf dem unter anderen die Freunde Move D und Benjamin Brunn, Sten, Sven Tasnadi, Jacek Sienkiewicz, Steinhoff & Hammouda und DJ Swap releast haben.

Wir hatten die Gelegenheit, Julius Steinhoff zu treffen, und erkundigten uns nach dem Stand der Dinge und der Geschichte des Laden und Labels.

Für was steht der Name “Smallville”? Eine Referenz zu den Superman-Comics?

Nein, der Name Smallville ist von uns eher in Anlehnung an die Compilation Smallville von Tobias Thomas auf Kompakt gewählt worden. Als wir den Plattenladen geplant haben, lief die CD sehr oft, und was Tobias damals in der De:Bug über die Rolle der Kleinstadt gesagt hat, hat uns gut gefallen und war auf unser Viertel übertragbar. St. Pauli funktioniert ja auch immer wieder so, natürlich positiv gemeint. Alles ist sehr nah und familiär vertraut.

Wie kam es zu eurer künstlerischen Zusammenarbeit mit Stefan Marx bei der Laden und Plattengestaltung , und verratet ihr welche Idee hinter eurem visuellen Konzept steht?

Stefan ist ein sehr guter Freund von uns und hat von Beginn an die komplette Gestaltung übernommen - das sind Plattencover und Logo, die tollen Flyer für die Smallville Parties, unser bemaltes Ladenfenster und alles andere. Immer natürlich in Absprache mit uns, aber wir lassen ihm da auch gerne und viel freie Hand. Wir sind sehr glücklich damit!

Für viele Plattenläden, wie z.B. Phonica/Smallfish in London, Hardwax in Berlin und auch Kompakt in Köln scheint es logische Konsequenz zu sein, aus dem Laden heraus dann auch einfach eine Label zu starten. Wie kam das bei euch und warum?

Das war eigentlich auch bei uns von Anfang an geplant und liegt auch tatsächlich nahe; als Plattenladen hat man selber die schöne Möglichkeit, das eigene Vinyl am meisten selber zu verkaufen. Zudem haben wir tolle Musiker um uns, und stehen mit vielen Weiteren in regem Austausch. Da liegt es Nahe, auch selber zu veröffentlichen. Ein weiterer Punkt ist, dass das Label sehr dabei hilft, dass unser Laden Aufmerksamkeit bekommt, da nicht nur wir Platten von anderen Labels verkaufen, sondern auch andere Läden unsere Smallville Platten.

Was kann man zu eurer Label-Philosophie erzählen? Was sind eure Schwerpunkte?

Es gibt eigentlich keine ausformulierte Philosophie. Wir mögen alle wirklich verschiedene Spielarten der elektronischen Musik , und auch darüber hinaus. Auf Smallville kann daher nach einer sehr deepen Houseplatte als nächste Katalognummer durchaus Detroit Techno Hood’scher Stilistik rauskommen. Alles, was wir selber gerne auflegen würden, ist möglich - da sind wir wirklich nicht festgelegt. Deepness zieht sich allerdings durch alle Releases, das ist uns schon wichtig.

Euer engerer Freundeskreis hat offensichtlich große Schnittmengen mit Dial. Wie kann man euch dennoch musikalisch von Dial Records abgrenzen?

Eigentlich ist es nicht unbedingt nötig, uns abzugrenzen. Dial ist einfach ein anderes Label, das auch andere Leute machen - musikalische Überschneidungen sind möglich und überhaupt nicht schlimm, vielleicht auch ganz normal. Wir tauschen uns natürlich alle miteinander aus und letztendlich haben alle Sachen dann ihren Platz. Was eben nicht heisst, dass etwas auf Smallville musikalisch nicht auch auf Dial passen würde oder umgekehrt. Das sind mehr so Bruder und Schwester, die haben eigene Geschmäcker aber mögen auch oft das Selbe, da sie beide mit tollen Dingen in gleicher Art in Berührung kommen.

Eure Nächte im Hamburger Übel&Gefährlich sind bereits legendär. Worauf legt ihr bei den Sausen besonders wert, was ist eure Grundidee?

Es ist immer sehr familiär bei den Smallville Parties, das gefällt uns selber immer sehr gut. Eine Party kann definitiv von ihrem Publikum abhängen, auch wenn andere Gesichtspunkte mit reinspielen. Aber auch wenn es voll wird, bleibt eine feine Stimmung bei uns. Viele kennen sich, alle Anderen lernen sich kennen. Irgendjemand hat mir mal erzählt, dass er Smallville Parties immer am Besten findet, denn „da knutschen am Schluss immer alle miteinander”. Weiß gar nicht, ob das nun immer so ist, aber das trifft es trotzdem ganz gut… (lacht).

Mit Gastkünstlern wie Sascha Dive, Redshape, Omar S, Cassy und Jus-Ed seit ihr mittlerweile eindeutig auf Detroit-inspirierten und deep housigen Pfaden unterwegs. Bleibt Ihr dabei? Was sind eure weiteren Pläne mit der Reihe?

Das soll von der musikalischen Ausrichtung schon so sein, ist aber auch nicht zementiert in bestimmten Musikstilen. Wir machen einfach, worauf wir Lust haben und mit dem Übel&Gefährlich in groß und dem Golden Pudel Club in klein haben wir auch gute Möglichkeiten. Es ist ausserdem schön, dass wir in der Vergangenheit oft Künstler zum ersten Mal nach Hamburg eingeladen haben und Premieren gefeiert haben - das war so zum Beispiel mit Omar S, Patrice Scott, Sleeparchive, Redshape, Sascha Dive, Shinedoe, Andy Stott, MyMy und Matt John der Fall.

Hamburg war im Laufe des letzten Jahres oft im Blickpunkt. Woher kommt dieser neue Schwung in der Hamburger House- und Technoszene?

Vielleicht von der Seebrise… ansonsten weiss ich das auch gar nicht so genau. Es ist einfach gerade was los hier, einige musikbegeisterte Menschen in Hamburg, das macht Spaß. Es klappt auch eigentlich ganz gut, dass alle an einem Strang ziehen, damit es eine Szene gibt und diese sich formen kann und nicht alle gegeneinander arbeiten. Trotzdem sehe ich das vielleicht gar nicht so stadtgebunden, denn es passiert allgemein viel in letzter Zeit - ob die Städte nun Hamburg, Leipzig, Mannheim oder Frankfurt heißen, spielt gar nicht die große Rolle. Gerne Grenzen überschreiten und einreißen, egal wo!

2007 habt ihr den zweiten Smallville Store in Paris gegründet. Wie kam es zu dieser mutigen Idee? Was hat euch dazu motiviert? Welche Leute sind enger in dieses Projekt involviert?

Der Smallville Laden in Paris ist kein ganz eigener Laden, sondern dort teilen sich zwei Läden ein Geschäft - Smallville Paris und Ground Zero. Elektronische Musik auf der Smallville Seite, Indie Rock und schöne Gitarrendinge bei Ground Zero. Den Smallville-Teil macht Jacques, er hat das Projekt auch mit Hendrik (Pantha du Prince, er wohnt in Paris) 2007 ins Leben gerufen. Inzwischen wohnt Jacques zwar in Hamburg, ist aber trotzdem regelmässig in Paris und kümmert sich auch von hier aus um Bestellungen und alles andere. Im Laden vor Ort ist ausserdem eine freundliche Dame, die den Verkauf übernimmt. Die Auswahl in Paris ist nicht ganz so gross, wie in Hamburg - aber doch sehr fein. Es gibt in Paris kaum die Möglichkeit, diese Platten zu kaufen - daher waren wir von der Idee eines Ladens dort von Anfang an sehr angetan.

Gab es schon erzählenswerte franco-allemanische Aha-Erlebnisse und Begegnungen im Laden?

Ehrlich gesagt war ich vor kurzem zum ersten mal im neuen Laden in Paris, allerdings auch weil sie nach einem Umzug erst seit diesem Jahr im neuen Laden sind. Ich habe mir dort einige tolle Gitarrenplatten gekauft.

Wie sind eure Pariser Clubabende bisher angekommen? Gibt es bemerkenswerte Unterschiede im Feierverhalten des Publikums im Vergleich mit Hamburg?

Auch die Clubabende in Paris funktionieren gut und sind immer sehr schön gewesen. In Paris hilft eine Präsenz im Nachtleben und als Partyveranstalter sicherlich auch der Bekanntheit des Plattenladens. Insgesamt ist es vielleicht etwas schwerer, in Paris Fuß zu fassen, da es leider kaum gute Clubs und eine nur eine kleine Szene für diese Art von Musik gibt. Ebenso wenige Veranstalter bzw Clubbesitzer veranstalten Parties aus Liebe zur Musik und nicht zum Geldscheffeln. Und es ist in Paris vielleicht auch ein wenig schwerer, etwas Neues zu positionieren - Musik die noch nicht so viel in der Öffentlichkeit stattfindet oder DJs einladen, die eher unbekannt sind, dafür aber für etwas stehen. Daher war es toll, als wir gerade eine Party mit Jus-Ed im Rex machen konnten. Das war dann auch wirklich wunderbar - obwohl es trotz freiem Eintritt an einem Donnerstag tatsächlich nicht komplett voll wurde, wenn auch gut gefüllt. Aber da muss man die Damen und Herren manchmal doch noch ein wenig zu ihrem Glück zwingen…

# Smallville Records
# Übel & Gefährlich

Damián Schwartz hat gut lachen. Neben seinem stetig größer werdenden Terminplan und DJ Gigs in ganz Europa, hat er nach gut einem Dutzend Singles in den letzten beiden Jahren gerade sein erstes Album fertiggestellt. Nebenbei ist er zudem einer der Gründer des inzwischen auch über die Landesgrenzen heraus bekannten Net28-Kollektivs, das im Verlauf der letzten Jahre die europäische Clublandschaft ordentlich durchgerüttelt hat, und fast schon im Vorübergehen dem ewigen Rivalen, nicht nur in Sachen Fußball, Barcelona die Krone in Sachen Techno zu entreißen scheint. Denn während in Katalonien der Erfolg des Sonar Festival inzwischen eine geradezu unüberschaubare Masse an DJs innerhalb einer Woche in die Stadt und durch die Clubs treibt, so dass Anwohnern bald die Geduld, und Partygängern schlichtweg die Puste ausgeht, blickt man in Madrid um einiges relaxter in die südländische Sonne.

Wieso auch nicht? Net28 hat sich mit seinen Sublabels Apnea, CMYK, Cyclical Tracks und eben Múpa, dem Label von Damián Schwartz, einen internationalen Namen gemacht, und hat mit Tadeo und Alex Under noch zwei weitere ausgezeichnete Producer der neuen spanischen Technowelle im Boot sitzen. Als Booking-Agentur und Flaggschiff hält dieses Netzwerk die Fäden zusammen, und mit dieser gebündelten Kraft erscheint nun auch mit Party Lovers das Debütalbum von Damián Schwartz, der mit guten Connections zum Frankfurter Label Oslo und Auftritten auf einigen renommierten Mix-CDs des vergangenen Jahres (darunter Steve Bugs Bugnology 3 und Ellen Allien Boogy Bytes Mix) nun endgültig durchstartet.

Party Lovers ist ein interessantes Album, gar nicht mal typisch für den Minimal-Sound des Labels, es pendelt vielmehr gleichermaßen zwischen Dancefloor-Tauglichkeit und subtilen Jazz-Einflüssen, durchbricht enge, treibende Grooves immer wieder mit überraschenden Strukturen und zollt ebenso Chicago- und Vocalhouse wie jenem Minimalismus Tribut, der auch die früheren Produktionen schon immer durchzog. Ein guter Zeitpunkt also, dem dynamischen Spanier einige Fragen zu stellen.

Hallo Damián, du hast in den letzten Jahren einige Singles veröffentlicht, aber kommst erst jetzt zu deinem ersten Album. Wann hast du dich dafür entschieden, nun ein Album zu machen?

Ich habe schon lange darüber nachgedacht, konnte die Ideen aber nie so wirklich umsetzen, der richtige Moment war einfach nicht da. Letzten Sommer habe ich dann damit angefangen, fertig war es schließlich im Februar diesen Jahres. Es hat eine Weile gedauert, aber es sollte auch etwas besonderes sein.

Was heißt besonders? Spricht der Titel „Party Lovers“ für sich, d.h. ist es ein Album für Partys, für den Dancefloor, oder zeigt es vielleicht eine andere Seite von dir als Producer?

Trotz des Titels ist das Album eigentlich gar nicht nur für den Club gedacht, sondern spiegelt meine Gefühle zur elektronischen Musik insgesamt wieder. Angefangen habe ich letzten Sommer, fertig war es dann im Februar, und es enthält sicherlich einige Tracks, die als Single nicht funktionieren würden. Das Album war einfach notwendig, um die Ideen der letzten Jahren zusammenzufassen.

Wo wir bei den Ideen sind: manche Tracks scheinen sich sowohl an der alten Chicago-House-Schule zu orientieren, andere wirken in ihren Strukturen dagegen freier, fast schon jazzig…

Das stimmt beides. Gerade Jazz überschreitet ständig die Grenzen von Genres, es ist weniger eine bloße Stilrichtung für mich, als vielmehr ein mentales Konzept. Es ist nicht leicht, diese Jazz-Idee auf elektronische Musik anzuwenden, aber das ist genau das, was mir immer wieder die Augen öffnet. Was ich beim Produzieren im Kopf behalte, sind keine längeren Grooves, sondern kleine Elemente wie Bass Riffs, Melodien oder Pianochords, mit denen ich dann weiterarbeite und improvisiere. Daneben ist natürlich Chicago-House ebenso ein Einfluss wie Salsa, Herbie Hancock oder experimentelle Sachen von Vladislav Delay und Thomas Brinkmann.

Wie auch schon bei Alex Under, sind die meisten deiner Tracktitel in Spanisch. Ein bewusstes Tribut an deine Heimat oder einfach nur Zufall?

Naja, Spanisch ist eben meine Muttersprache, und deswegen fällt es mir einfacher, passende Tracktitel auf Spanisch zu finden. Ich benutze auch manchmal englische Titel, wenn es denn passt. Aber mit Tribut hat das nichts zu tun.

Du bist einer der Gründer von Net28 und hast dort fast alle deiner Platten veröffentlicht. Wie wichtig ist dieses Netzwerk für dich als Produzent?

Sehr wichtig! Wir haben schon vor langer Zeit mit Net28 angefangen, aber erst seit ca. zwei Jahren versuchen wir es auch als Marke und Booking-Agentur zu pushen. Net28 ist das Mutterlabel, es ist der Name, mit dem uns die Leute assoziieren. Dieser Kollektiv-Gedanke ist unglaublich wichtig für mich, er wirkt als Katalysator and Antrieb für meine Ideen und lebt vom ständigen Austausch von Freunden untereinander. Es ist toll, wenn man seine Sachen mit Leuten teilen kann, die man mag und schätzt, wenn man Teil eines größeren Ganzen ist und damit auch wachsen kann.

Hat sich dadurch auch die allgemeine Rezeption von Techno in Spanien in den letzten Jahren verändert?

Ja, ich denke schon. Wir haben den Leuten gezeigt, dass es möglich ist, auch hier etwas aufzubauen, was sich um elektronische Musik dreht und eben nicht nur um den Mainstream. Dass man dadurch auch international wahr genommen werden kann. Natürlich waren wir nicht die ersten Techno-Produzenten aus Spanien, die über die Landesgrenzen heraus einen Eindruck gemacht haben, aber ich glaube, dass wir das erste wirklich geschlossene Kollektiv aus Spanien sind, das sich international einen Namen gemacht hat.

Net28 besteht aus vielen kleineren Labels, die jeder von euch zusätzlich für sich betreibt. Wo liegen da die Unterschiede?

Das ist ja gerade das interessante, dass so viele kreative Köpfe zusammenkommen, aber trotzdem jeder seine eigene Idee verfolgt, sein eigenes Konzept hat, das er dann auf seinem Label selbst und mit anderen Künstlern auslebt. Ich denke schon, dass es da gewisse Unterschiede in Sachen Artists und auch Sound gibt, wobei natürlich alles auch irgendwie zu Net28 passen sollte. Ich sehe mein Múpa-Label nicht nur als kreativen Output, sondern auch als A&R. Zusammengehalten wird das alles von Jose, dem Antreiber von Net28, der die Fäden spinnt und auch das Booking übernimmt. So kann ich mich auf Múpa und andere Projekte konzentrieren, ohne dass das Netzwerk als solches vernachlässigt wird.

Apropos Projekte, wie schauen nun deine weiteren aus, nachdem das Album draußen ist?

Es geht genau dort weiter, wo ich aufgehört habe. Ich habe mir einige Sachen für nächstes Jahr vorgenommen. Zum einen natürlich einige Singles auf unseren Labels, dann noch eine EP auf Oslo, die im Dezember erscheinen wird. Außerdem versuche ich ein Projekt mit meinem Bruder und seiner Band anzutreiben, eine Art Disco meets Funk Instrumental Projekt, aber das ist noch am Anfang. Die Zeit ist wie immer das größte Problem…

Muchas Gracias!

# Net28
# Múpa
# Damián Schwartz

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Twine sind so etwas wie die Prototypen einer Generation von Filesharing-Produzenten. Dank FTP und Instant Messaging produzieren Greg Malcolm und Chad Mossholder zwischen ihren Heimatorten Boulder, Colorado und Baltimore seit fast einem Jahrzehnt sphärische Soundscapes. Trotz Releases auf renommierten Labels wie BiP_HOp oder Hefty folgte der Durchbruch des Duos jedoch erst 2003 mit der Veröffentlichung des selbstbetitelten Albums auf Ghostly International, dass u.a. auch die Homebase von Matthew Dear und Dabrye ist. Fünf lange Jahre sind seitdem ins Land gegangen, doch jetzt melden sich Twine eindrucksvoll mit ihrem sechsten Album zurück.

Violets ist der Titel, und es ist ein weiterer Ausflug in fesselnde Ambientsphären, die einmal mehr die Verwendung von Stimmen, Samples, Field Recodings und, fast typisch für Twine, Gitarrenloops als Grundlage haben. Trotzdem kann man dem Duo eine Entwicklung seit ihrem Debüt im Jahre 1999 zuschreiben; man hat die klassischen IDM-Strukturen hinter sich gelassen und scheint einen Platz zwischen Post-Rock und düsterem Ambient gefunden zu haben. Twine klang selten so fokussiert wie auf Violets, selten hatte die stets sehr dichte, düstere, aber doch immer wieder mit Augenblicken der Hoffnung bestückte Musik einen höheren Storycharakter. Violets ist Kopfkino, und wie uns Chad Mossholder verrät, ist es genau das, was Twine möchte.

Ein Gespräch über die Thematik des neuen Albums, Entwicklungen im Sound und die Antwort auf die Frage, warum es ganze fünf Jahre gedauert hat bis Violets erschienen ist.

Lasst uns zu Beginn ein wenig in die Geschichte abtauchen. Wir habt ihr euch eigentlich kennengelernt, und wie seid ihr in zwei verschiedenen Ecken der Staaten gelandet?

Chad: Greg und ich haben uns in der High School kennengelernt, vermutlich weil wir die gleichen Interessen hatten: Musik, Kunst und Skateboarden. Anschließend haben wir die gleiche Universität besucht, wo wir dann schließlich auch Twine gründeten. Danach habe ich allerdings einen Job in Colorado angenommen, wo ich Musik und Soundeffekte für Xbox Spiele produziere, während Greg zurückgeblieben ist. Zum Glück ist das Projekt daran nicht gescheitert, dem Filesharing und der guten alten Post sei dank.

Wo wir gerade dabei sind, wie sieht euer Produktionsprozess aus? Läuft das alles online ab, oder trefft ihr euch auch gelegentlich in persona?

Jeder von uns produziert eigentlich seine eigenen Sachen, Songs und Fragmente, die wir dann auf einem gemeinsamen Webserver abspeichern. Wir schauen regelmäßig dort nach ob der andere etwas neues hochgeladen hat, und bauen dann darauf unsere Ideen auf. Auf diese Weise entstehen teilweise ungemein interessante Sachen, da wir nie genau wissen was uns erwartet und wie wir das konstruktiv weiterentwickeln können. Bis jetzt hat das immer ganz gut geklappt.

Euer letztes Album kam 2003 heraus. Das ist eine recht lange Zeit. Warum hat es so lange gedauert bis Violets erschienen ist?

Eine gute Frage. Greg und ich haben eine Menge Zeit und Energie in das neue Material gesteckt, das man auf Violets hören kann. Wir haben auch wirklich darauf gepocht, diese Tracklist bei Ghostly durchzusetzen, und dabei eng mit dem Label zusammengearbeitet. Wir wollten etwas sehr spezielles veröffentlichen, ein Erlebnis für den Hörer bieten, das mehr an einen Film als ein Album erinnert, und gleichzeitig eine Geschichte erzählt, Storycharakter hat.

Etwas neues zu machen ist nie einfach. Gerade in einer Zeit, in der sich die Musikindustrie in einem Wandel befindet und neue Businessmodelle auf dem Vormarsch sind, aufgrund der mp3 Situation und der stetigen Konkurrenz mit anderen Formen von Entertainment wie Filmen oder Computerspielen. Kurzum: es ist schwierig momentan für Labels und Künstler etwas zu veröffentlichen. Ghostly hat das natürlich auch gespürt, und musste sich erst um einige wichtigere Dinge kümmern bevor sie unser Album veröffentlichen konnten. Zudem waren wir beide auch sehr beschäftigt mit unseren Nebenprojekten, und gerade mein Job als Sound Designer für Computerspiele nimmt sehr viel Zeit in Anspruch. Ironischerweise geht es der Spieleindustrie besser denn je, verglichen mit der Musikindustrie.

…also war es eine Entscheidung des Labels?

Ghostly war und ist ein großer Rückhalt. Selbst wenn es dem Label schlechter geht veröffentlichen sie weiterhin großartige Musik, die immer wieder in neue Gebiete stößt. Andere Labels hätten vermutlich gesagt dass unser Album ein Nischenprodukt ist, und wären das Risiko nicht eingegangen, aber Ghostly stand immer hinter uns, und auch wenn es etwas länger gedauert hat, sind wir jetzt glücklich dass Violets draußen ist.

Violets ist voller Stimmen, die scheinbar aus dem Nichts kommen. Woher kommt diese Faszination mit Stimmen?

Ich war schon immer von der menschlichen Stimme fasziniert; von den Rhythmen und Texturen, den Facetten, die sie erzeugen kann. Eine Stimme zu hören kann dir helfen in die Musik einzutauchen, und dann wird diese wiederum zu einem Film in deinem Kopf, wird zur Erzählung, die für jeden selbst entsteht. Dafür haben wir eine Menge an Stimmen und Samples gesammelt über die Jahre, haben aber auch selbst aufgenommen wann immer sich die Möglichkeit ergab. Viele dieser Aufnahmen sind auf dem Album zu hören.

Trotzdem habt ihr auch das erste Mal mit richtigen Sängern kollaboriert?

Ja, es ist das erste Mal für Twine dass wir wirklich Sänger/innen mit einbezogen haben. Das war eine wirklich interessante Erfahrung, die wir gerne wiederholen möchten in der Zukunft. Zudem ist Alison Shaw, Sängerin der Cranes, eine meiner Lieblingssängerinnen. Ihre Stimme ist fesselnd, wunderschön und einfach einzigartig. Sie passt perfekt in unsere Musik.

Das Cover von Violets scheint zwischen Zerfall und Hoffnung zu pendeln. Ähnlich scheint mir auch die Musik zu sein, denn immer wieder blitzen kleine hoffnungsvolle Momente auf. Ist das etwas, dass ihr gezielt mit eurer Musik erreichen wollt?

Ich versuche in der Regel unserer Musik keine Bedeutung aufzubürden. Violets klingt einfach so, wie du es erfährst. Das Artwork hat Ghostly für uns zusammengestellt und es ist wunderbar. Es passt genau zu unserem Sound, etwas sehr organisches, weniger elektronisches, genau das, was wir verkörpern.

Ihr habt öfters erwähnt dass ihr eure Alben gerne als Soundtracks zu Filmen seht. Wie würde so ein Film aussehen?

Ich bin großer Fan von David Lynch und Chris Marker. Ein toller Film wäre bestimmt, wenn Chris Marker an all die Orte reisen würde, an denen David Lynch war, und sich daraus dann die Story entwickelt. Das würden wir sofort vertonen!

Viele Künstler sprechen sehr kritisch von ihren früheren Werken. Wie steht ihr zu euren ersten Alben?

Ich mag die alten Sachen eigentlich noch sehr gerne, aber es stimmt schon, dass es eine andere Zeit war, zum einen für uns als Künstler, zum anderen natürlich auch in Sachen Technologie. Unser erstes Album wurde mit alten Keyboards und Hardware Samplern produziert. Heute dagegen benutze ich, abgesehen von meiner Gitarre und den Field Recordern, eigentlich gar keine Hardware mehr. Vielleicht bevorzuge ich daher auch die neueren Sachen, ganz einfach weil sie sich lebendiger und aktueller anhören, einfach mehr die momentane Zeit widerspiegeln.

Wie hat sich euer Sound im Laufe der letzten zehn Jahre verändert?

Ich denke, dass unsere Musik sich immer weiter weg von “IDM”, wenn man es denn so nennen kann, entwickelt hat. Stimmung und Struktur sind zwei wesentliche Elemente in unserer Musik, auf die wir auch sehr großen Wert legen, aber es sollte trotzdem immer ‘hörbar’ sein und nicht bloß Noise sein. Unsere Musik soll vielmehr eine Geschichte erzählen, eine Erzählung an sich darstellen, die aber jeder selbst schreiben muss. Wir geben nur den Anstoß.

Ihr scheint immer wieder zu diesen langsamen Gitarrenloops zurück zu kommen?

Ich war schon immer Gitarrist. Und ich war schon immer Fan von elektronischer Musik. So kam die Verbindung zustande. Meine ersten Sachen habe ich auf einem c64 SID Editor in den 80er Jahren geschrieben, und mein Gott, war das ein Spaß! Ich sollte mal schauen ob ich die Sachen noch habe, vielleicht können wir einiges für das nächste Twine Release verwenden. Wir sind beide Fans von My Bloody Valentine, Slow Dive, Cocteau Twins, diese Shoegazer Sachen eben, aber auch von den Cranes oder Joy Division. Wir haben auch keine Einschränkungen an unseren Sound; wenn wir einen “Doom Metal” Track machen wollen, so richtig im Black Sabbath Stil, dann machen wir das eben. Wir werden diesen dann aber “Twine-izen”, das ist klar. Es ist gut, dass keiner von uns erwartet immer das gleiche Album zu produzieren. Viele Bands rutschen in diese Falle, aber wir haben zum Glück die Freiheit genau das zu machen, was wir gerade mögen und hören.
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Was sieht die Zukunft von Twine aus, und an was arbeitet ihr momentan sonst noch?

Wir haben eine riesige Sammlung von unveröffentlichten Tracks, die wir gerne rausbringen möchten. Ich persönlich habe mich in orchestrale Kompositionen vertieft, was sehr viel Spaß gemacht hat. Zudem schreibe ich noch immer Musik für Videospiele, und momentan arbeite ich wieder mit Autor und Multimedia-Artist Mark Amerika zusammen, für dessen aktuellen Feature-Film ich den Soundtrack komponiere. Ich kann noch nicht zu viel verraten, außer dass es ein ziemlich großartiger Film ist. Marks Bildersprache ist einzigartig, sehr schön anzusehen, aber auch sehr provokativ. Der Soundtrack klingt ein wenig wie Twine, und das Gesamtergebnis ist ein halluzinatorisches audiovisuelle Erlebnis. Der Film wird voraussichtlich in Museen und auf Filmfestivals rund um den Globus gezeigt werden, und vermutlich auch auf DVD herauskommen. Greg und ich arbeiten zudem noch an neuem Material, das in eine etwas andere Richtung geht. Vielleicht veröffentlichen wir die nächste Platte als eine 5.1 Surround DVD, wenn es möglich ist.

Dauert es wieder fünf Jahre bis das nächste Album erscheint?

Hoffentlich nicht! Wir hatten auch nicht vor dieses Mal so lange zu warten, aber wie ich schon erwähnt habe, war es außerhalb unserer Möglichkeiten. Wenn man sieht wie viele Tracks wir bereits fertig haben, dann sollte es eigentlich keine fünf Jahre mehr dauern bis zum nächsten Album, aber garantieren können wir das leider nicht.

Wie schaut es aus mit ein wenig Twine-Action in Europa?

Wir würden gerne zurück nach Europa kommen! Europa ist Amerika um Längern voraus wenn es um moderne und innovative Ideen geht, und die Leute sind um einiges offener für unseren Sound, und für experimentellen Sound im Allgemeinen. Wir lieben Europa!!

Und Europa liebt Twine. Zumindest tun wir das, und wir hoffen natürlich, dass uns der Twinesound auch bald live verzücken wird. Bis dahin danken wir Chad Mossholder für das kleine Interview, und auch den netten Leuten drüben bei Stars & Heroes, die es überhaupt ermöglicht haben.

# Violets Review
# Preview Violets @ Amazon

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Die Schweden wieder! Erst erobern sie mit praktisch-preiswerten Möbeln die Wohnzimmer dieser Erde, und jetzt auch noch die Tanzflächen der Clubs. Über die pulsierende elektronische Musikszene im Land des Glögg und naturblonden Frauen muss man wohl kaum ein Wort mehr verlieren, über zwei Vertreter davon allerdings schon: Marcus Henriksson und Sebastian Mullaert, gemeinsam als durchschlagendes Duo meistens unter dem Namen Minilogue unterwegs, können sich nach dem Abtritt von James Brown vielleicht noch nicht ganz als “hardest working men in showbiz” bezeichnen, aber allemal als eines der produktivsten Techno-Projekte der letzten Jahre: 20 Singles zwischen 2006 und heute, auf renommierten Labels wie Wagon Repair, Traum oder Cocoon, sprechen eine deutliche Sprache.

Umso erstaunlicher, dass erst jetzt mit Animals das erste Album des Duos erscheint. Dabei geht die gemeinsame Zeit der beiden, die sich mittlerweile im beschaulichen Malmö niedergelassen haben, bis in die 90er Jahre zurück, als man noch unter dem Namen Son Kite als Trance-Act durchs Land gezogen ist. Überhaupt sprühen alle Releases von Minilogue nur so vor Ideen und unterschiedlichen Einflüssen, die zwischen sphärisch-dubbigen Downtempo Tracks, mäandernden Jamsessions und wuchtigen Dancefloor-Smashern variieren. Diese Vielfältigkeit spiegelt sich auch auf Animals wieder: ein Doppelalbum musste es werden, um neben der tanzbaren auch die zurückhaltende, introvertierte Seite von Minilogue präsentieren zu können. Trotzdem will man sich nicht ausruhen, sondern gerade jetzt erst so richtig durchstarten, wie uns Sebstain Mullaert verrät. Ein Gespräch über das aktuelle Album, die kommende DVD, Vergangenheit und Zukunft von Minilogue, und die Antwort auf die Frage warum es sich in Malmö so richtig gut arbeiten lässt.

Wenn man sich eure Veröffentlichungen in den letzten Jahren anschaut, dann kann man sagen, dass ihr einen recht hohen Output habt. Warum hat es trotzdem so lange gedauert bis euer Album fertig war?

Es gibt verschiedene Gründe warum wir so lange gewartet haben. Eine Sache, die wir über die Jahre gelernt haben, ist Geduld zu üben. Wenn sich etwas verzögert, dann hat das meistens einen Grund, und wir haben versucht, dieses Plus an Zeit positiv zu nutzen. Wir haben vor knapp drei einhalb Jahren mit den Arbeiten für das Album begonnen, und uns in der Zwischenzeit immer wieder Gedanken darüber gemacht wie es denn klingen soll. Es gibt immer Musik, die für den Augenblick gemacht ist, die einem ganz bestimmten Augenblick entspringt. Die haben wir zwischendurch als Singles veröffentlicht. Die Tracks auf Animals sind dagegen etwas sehr spezielles für uns, die sich über die Jahre herauskristallisiert haben, und wir hoffen, dass sie auch in einigen Jahren noch Bestand haben.

Das Album ist in zwei Seiten unterteilt – eine für den Club und eine Ambient-Seite. Wie kam es zu dem Entschluss ein Doppel-Album in dieser Form zu machen?

Ziel war es von Anfang an, die vielen Gesichter von Minilogue zu zeigen. Wir wussten zu Beginn noch nicht wie das dann letztendlich klingen wird, aber wir wollten dem Hörer eine möglichst breite Palette an Sounds anbieten. Zunächst dachten wir, dass wir das auf einer CD hinbekommen, aber wir haben eigentlich recht schnell gemerkt, dass wir mehr Platz brauchen, so dass es nicht unnötig hektisch klingt. Also haben wir uns für zwei CDs entschieden, wobei jede eine ganz besondere Atmosphäre für unterschiedliche Momente besitzt, aber beide den gleichen deepen und leicht psychedelischen Sound von Minilogue verkörpern.

Spielt ihr auch Ambient-Elemente in euren Livesets?

Zur Zeit haben wir noch keine Ambient- oder Freestyle-Sets gespielt, aber wir arbeiten da gerade dran. Unser Liveset lebt schon von einer gewissen Improvisation, wir versuchen immer bestehende Elemente neu umzusetzen, und in Zukunft soll das noch verstärkt in Richtung Freestyle gehen, und dann werden vermutlich auch die Ambient-Parts Teil davon sein.

Was hat es mit den Minilogue-Animals auf sich, die ja nicht nur Namensgeber des Albums sind, sondern auch eure Cover schmücken?

Genau, diese mystischen Tiere sind Teil unseres Logos. Das hängt damit zusammen, dass wir sehr viel Wert auf die visuelle Komponente von Minilogue legen. Daher war der Albumtitel eigentlich schon lange klar. Die Cover-Animals sind auch symbolisch für unsere Philosophie, immer wieder etwas neues zu erschaffen, weil sie ja auch immer eine Neuschöpfung sind, etwas, dass es in dieser Form noch nicht gibt.

Wo wir gerade bei der visuelle Komponente sind. Nach dem Album wird auch noch eine DVD mit Animationen zur Musik von Animals folgen. Könnt ihr etwas über die Idee und die Künstler dahinter erzählen?

“Die Cover-Animals sind auch
symbolisch für unsere Philosophie
etwas neues zu erschaffen”

Die DVD ist fast schon so lange in Planung wie das Album selbst. Der Hauptkünstler dahinter ist ein Grafikdesigner aus Neuseeland namens Rob Zorhab von Hinge Design. Wir haben ihn beim japanischen Labyrinth-Festival kennengelernt, und uns entschlossen etwas zusammen zu machen. Die Idee war, beide Seiten des Albums zu nehmen und in einen 1,5 stündigen Animationsfilm zu packen, wobei jeder Track ein Kapitel darstellt. Rob hat den Großteil der Sachen animiert, aber es arbeiten noch mehr Künstler daran, u.a. Kristoffer Ström, der auch unser Hitchhiker’s Choice Video produziert hat, was auch auf der DVD zu finden sein wird. Kristoffer hat auch das Albumcover entworfen, basierend auf Ton-Modellen der Minilogue Animals, und er hat einen Track auf der Ambient Scheibe mitgeschrieben. Man kann also sagen dass er ziemlich wichtig war für die Entstehung des Albums und der DVD.

Du hast schon erwähnt, dass ihr euch für eine Vielzahl an unterschiedlichen Musikstilen interessiert. Könnt ihr euch vorstellen, in Zukunft auch mit einer Band zu spielen, oder experimenteller Musik zu machen?

Eine unserer gemeinsamen Interessen ist die Hingabe, fast Besessenheit, neue Musik zu entdecken. Das Beste was dir im Studio passieren kann ist, dass du plötzlich einen ganz seltsamen, neuen Sound gefunden hast. Das ist der erste Schritt in ein komplett neues Klanguniversum. Seine eigenen, bewährten Formeln und Pattern zu durchbrechen, und sich selbst neuen Situationen stellen ist ein ungemein wichtiger Teil im Produktionsprozess. Eine Möglichkeit, diese Punkt zu erreichen, ist mit anderen Leuten zu arbeiten. Das ist nicht immer einfach, aber wenn du jemanden gefunden hast, der dich fordert und fördert, dann ist das unschätzbar wertvoll. Uns ist das passiert als wir im letzten Jahr besuch von Ian und Philip aus Melbourne hatten, zwei ziemlich großartige Jazz-Musiker, die auch elektronische Musik mögen. Wir hatten eine zweiwöchige Session in unserem Studio, und haben dabei ein Album aufgenommen, dass jetzt bald auf Mule Electronics unter dem Namen IMPS erscheinen wird. Die ganze Sache war ungeheuer spannend, eine Mischung aus Jamsession und gleichzeitiger Postproduktion.

Also arbeitet ihr ja schon an dieser Band-Idee…

“Es geht darum, seine bewährten
Formeln zu durchbrechen”

Absolut! Wir haben zudem noch ein weiteres Projekt laufen, das dieses Konzept aus Live-Instrumentation, Jamming und elektronischer Produktion noch weiter führt. Eine unser Lieblingsbands aus Schweden, NOW!, kommt auch aus Malmö, und wir haben unser halbes Studio zu ihnen geschafft und dann ein Wochenende durchgespielt. NOW! ist ein Trio, ganz klassisch bestehend aus Gitarre, Bass und Drums, und sie machen einen sehr eigenartigen, Krautrock-basierten Psychedelica-Sound, der aber trotzdem recht tanzbar ist. Ich habe meinen Moog, meinen Sequenzer und meine Viola mitgebracht, Marcus seine Drummachines und Sampler. Wir haben dann alles auf verschiedenen Spuren aufgenommen, und sind so nach einem Wochenende auf gut 10 Stunden mit brauchbarem Material gekommen. Nach dem Sommer wollen wir uns daran setzen, das alles zu bearbeiten und zu sortieren, um daraus ein Album zu bauen. Vermutlich unter dem Namen MINOW!, aber das ist noch nicht ganz sicher.

Ihr habt auf einigen bekannten Labels, wie Cocoon oder Wagon Repair veröffentlicht. Wurdet ihr angesprochen, oder habt ihr ganz klassisch Demos verschickt?

Das lief eigentlich alles über Demos. Es ist immer wieder interessant zu sehen wie unterschiedlich die Labels auf unsere Tracks reagieren. Daher klingen auch unsere Tracks auf Wagon Repair anders als die auf Cocoon zum Beispiel, ganz einfach weil jedes Label einen anderen Stil zu promoten versucht. Aber offensichtlich mögen es alle (lacht)

Wo wir gerade bei Labels sind…ihr habt im letzten Jahren auch euer eigenes Label gestartet. Wie sehen die Pläne damit aus?

Noch haben wir uns keine wirklichen Gedanken über die Zukunft des Labels gemacht. Wir haben eigentlich vor, zunächst zehn Singles von uns selbst zu veröffentlichen, wobei jedes Release ein anderes der Minilogue-Animals präsentiert. Möglicherweise gibt es danach auch Platten von anderen Künstlern, aber das ist noch zu früh um genaueres zu sagen. Lassen wir uns überraschen.

Gehen wir etwas zurück in der Geschichte. Wie und wann habt ihr beiden euch überhaupt getroffen?

Wir sind beide in einer kleinen Stadt im Süden Schwedens namens Hässleholm zur Schule gegangen. Da trifft man sich früher oder später untereinander. Marcus und einige gemeinsame Freunde von uns haben begonnen, Anfang der 90er Jahre Technopartys zu veranstalten. Ich war zu dem Zeitpunkt eher in der Ambient-Szene unterwegs und habe zusammen mit einem Freund namens Christian Ambient-Sets in der Umgebung gespielt. Eines Tages kam dann Marcus zu uns und meinte, ob wir nicht Interesse hätten, auch mal etwas mehr Uptempo zu spielen. Wir mochten die Idee, und kurz darauf wurde er Teil des Projekts, aus dem dann letztendlich Minilogue entstanden ist.

Aber ihr habt ja ursprünglich als Trance-Act begonnen. Wann habt ihr euch dazu entschieden diese Art von Musik hinter euch zu lassen, und euch mit Minilogue auf einer technoideren Schiene zu bewegen?

“Computer kligen oft zu clean,
zu statisch, zu perfekt eben.”

Wir haben Trance eigentlich gar nicht hinter uns gelassen, aber momentan gibt es einfach keinen wirklich (zumindest aus unserer Sicht) guten Trance da draußen. Wir spielen immer noch als Son Kite gelegentlich Trancesets, aber Minilogue nimmt natürlich den Großteil unserer Zeit ein. Trotzdem haben wir gut die Hälfte des nächsten Son Kite Albums fertig, und wir hoffen, es Ende des Jahres veröffentlichen zu können. Es ist schwer zu beschreiben wie es klingt, aber wir denken, dass auch die Fans von Minilogue es mögen werden, denn es folgt einer ähnlich deepen, und auch leicht experimentellen Spur, auch wenn es natürlich Unterschiede in Sachen Tempo gibt: Wo es bei Minilogue auch mal etwas ruhiger zugehen darf, steht bei Son Kite dagegen komplett die Peaktime im Club im Vordergrund.

Der Sound von Minilogue erscheint mir immer ungewöhnlich organisch, mit einer subtilen, aber doch erkennbaren emotionalen Note. Wie wichtig ist euch dieser Aspekt?

Das freut mich zu hören! Wir mögen organische Sounds, deswegen versuchen wir auch häufig so viel wie möglich aus einer Livesituation heraus zu spielen, und nicht bloß die Instrumentierung, sondern auch die Arrangements basieren oft auf Jams. Für viele Musiker sind Harmonien die Möglichkeit, Emotionen auszudrücken. Wir finden aber, dass man das auch ganz gut ohne kann. Was auf jede Fall die Emotion aus vielen aktuellen Produktionen heraussaugt, ist die ausschließliche Verwendung von Computern – wenn du da nicht aufpasst, dann klingt alles unglaublich clean und statisch, zu perfekt eben. Gerade Minimal ist da natürlich sehr anfällig. Das ist dann auch nicht mehr sexy, aber vielleicht kommt uns das nur so vor.

Schweden hat eine ausgesprochen florierende Szene für elektronische Musik. Kennt man sich da untereinander oder ist das zu weit verstreut?

Wir leben in Malmö, und die Szenen aus Malmö, Stockholm und Gothenburg waren schon immer recht abgetrennt voneinander. Zumindest haben wir kaum Kontakt zu anderen Künstlern aus den anderen Städten, was schon etwas schade ist. Etwas anderes war es in Hässleholm, wo wir aufgewachsen sind: Es ist eine recht kleine Stadt, aber viele bekannte Künstler kommen von dort, u.a. auch Andreas Tilliander oder Sophie Rimheden. Die machen zwar kein Techno, aber es zeigt, dass auch in kleineren Städten eine Szene vorhanden ist, und damals hat man sich untereinander gekannt und unterstützt.

Warum lebt und arbeitet ihr ausgerechnet in Malmö? Scheint nicht direkt die erste Wahl für Technoproduzenten zu sein…

Das stimmt vermutlich, aber wir mögen gerade das einfache und ruhige Leben in einer kleinen Stadt. Wenn du um die ganze Welt reist, und jedes Wochenende in einem Club spielst, dann gibt es nichts schöneres, als nach getaner Arbeit zurück nach Hause zu kommen, wo es einfach nur ruhig ist. Hier kannst du alles mit dem Rad erreichen, dein Studio, deine Freunde, den Strand, und wundervolle Natur um dich herum genießen. Und trotzdem ist Malmö nur knapp 20 min. vom Flughafen Kopenhagen entfernt, was natürlich praktisch ist wenn man viel reist. Es ist also nicht so abgeschieden wie man vielleicht denken mag, aber trotzdem ruhig. Perfekt eigentlich.

Wie schauen jetzt nach dem Album die Pläne für den Rest des Jahres aus? Habt ihr euch nicht eine Pause verdient?

Zunächst wollen wir natürlich noch das Album und die kommende Single promoten, die u.a. Remixe von Dubfire und The Mole enthalten wird. Dann kommt natürlich noch die DVD im Oktober dazu. Im Studio arbeiten wir an den Alben für Son Kite und MINOW!, sowie einer weiteren Session als IMPS. Wir nehmen uns immer einige Wochen im Sommer frei, in denen wir kein Equipment anrühren und keine Gigs spielen, sondern uns einfach nur unseren Freunden und Familien widmen.

Angesichts der bewegten Vergangenheit und nicht minder spannenden Zukunft ist eine kleine Pause sicherlich mehr als berechtigt. Wie freuen uns auf die kommenden Alben, sagen “Skal” auf die nächsten 20 Singles und bedanken uns für dieses feine Gespräch mit dem sympathischen Duo.

# Minilogue Official
# Minilogue @ MySpace
# Cocoon Records
# Preview + Listen to Animals @ Amazon

Picture credits: Thanks to Said and Johan Sundell!

Info: Teile dieses Interviews wurden in der De:Bug 122 veröffentlicht.

20 Jahre, das wären in Hundejahren gemessen stolze 140 Lenze. Umso erfreulicher, dass sich die grauen Haare, die in den Jahren der Funkstille zwischen 1999 und 2005 gewachsen sind, wieder gelichtet haben. Denn als sich Black Dog Mitte der 90er Jahre trennten, und zwei Drittel der Band unter dem Namen Plaid und der Schirmherrschaft von Warp Records u.a. Erfolge mit Björk feierten, hat sich Ken Downie, das bis heute einzige feste Bandmitglied, zunächst als alleiniger Hundehalter versucht, bevor 1999 wirklich das Studiolicht ausging. Stolze sechs Jahre hat es gedauert, bis er mit Martin und Richard Dust zwei neue Mitstreiter fand, und dem Projekt neues Leben einhauchen konnte. Nach einem Album auf deren Label Dust Science im Jahre 2005 hat man inzwischen mit Soma ein neues Zuhause gefunden. Letztes Jahr kam mit The Book of Dogma eine Neuauflage der ersten Produktionen heraus, die damals, als Ende der 80er die Technowelle von Detroit auf die Insel überschwappte, maßgeblich den Sound der Warehouse-Szene in Sheffield und UK geprägt haben.

Dass es The Black Dog nun gelungen ist, mit Radio Scarecrow ein ungemein vielschichtiges Konzeptalbum am Zahn der Zeit zu produzieren, dessen Basis die subliminale Verwendung von Electronic Voice Phänomenen (EVPs) und kurzwelligen Zahlensendern aus dem Äther der Nacht darstellt, und dabei wie zu besten Zeiten zwischen chirurgisch-präziser Glitch-Elektronika, Sci-Fi Ambient und intensiven Technovibes pendelt, beweist, dass auch alte Hunde noch beißen können. Schon immer schienen Downie & Co. genau in die entgegengesetzte Richtung der Trends zu laufen, und diese autarke Position im Elektronik-Bereich lässt sich auch anhand der Band-internen Evolution verfolgen: Nach den Detroit-infizierten Anfängen hat man vertrackte IDM-Sounds für Warp produziert, danach sphärisch-mäandernde Ambientkompositionen, die von den Werken Erik Saties beeinflusst wurden. Inzwischen ist man auf Radio Scarecrow wieder bei einer aktuelleren Soundästhetik angekommen, ohne dadurch Kompromisse einzugehen oder sich gar einem Trend zu beugen. Dennoch pulsieren die aktuellen Produktionen wie lange nicht mehr mit stringenten Technoelementen und erhöhter Tanzbarkeit, ohne dadurch den Tücken der Repetition zu verfallen, während andere Tracks, wie die vorab veröffentlichte Single Floods verstärkt an der Schnittstelle von Dubstep und Techno kratzen. Altmeister Ken Downie und Martin Dust standen uns Frage und Antwort.

„Radio Scarecrow“ verwendet Produktionstechniken wie Zahlensender und EVP Wie kommt man so solch einer Idee?

Martin: Ich beschäftige mich schon lange mit EVP und Zahlensendern, weswegen ich in den letzten zehn Jahren eine ordentliche Menge an Aufnahmen gesammelt habe. Wir hatten zunächst nicht vor diese Aufnahmen in Radio Scarecrow zu implementieren, aber als sich das Album langsam herauskristallisiert hat, haben wir gemerkt, dass dieses Material ziemlich gut dazu passt. Außerdem wollte ich noch einige Leute verfluchen, und das geht besser mit Morse- oder Zahlencode (lacht). Aber im Ernst, das Konzept kam einfach während der Aufnahmen, wir hatten keine Hintergrundstory oder PR-Idee, die gesagt hätten dass wir das so machen müssen. Es gibt Dinge, die kann ich besser in der Musik ausdrücken als sonst.

Ken: Wie bei der nordischen Sage von Urd – jede Aktion in der Vergangenheit beeinflusst die Zukunft und umgekehrt. Oder wie ein Faden aus verschiedenen einzelnen Strängen besteht, die sich zu einem verbinden und einen dann durch das Labyrinth lotsen. Alles ist verbunden, und jeder sollte sich selbst Gedanken machen wie er das Album interpretiert. Wir sind die letzten, die vorschreiben was man von unserem Album zu halten hat oder wie man es interpretieren soll.

Trotzdem will so ein Album doch komplett durchgehört werden, oder? Bei scheinbar schwindender Aufmerksamkeitsspanne ist ein richtiges Konzeptalbum ja mittlerweile die Ausnahme im Technobereich…

“Interessant wird ein Album
erst durch Umleitungen”

Martin: Jemand muss sich ja dagegen wehren. Vielleicht stimmt es, dass der Trend weg vom Album geht, aber genau darin liegt das Problem: Wir glauben daran, dass jeder intelligent genug ist, seine eigene Meinung zu haben, und sich auch bewusst über Trends hinwegsetzen kann. Meiner Meinung nach ist das Format auch keinesfalls tot, außer vielleicht für Leute, die sowieso zur Hälfte nur Fülltracks verwenden. Gerade im Technobereich sieht man das ja auch häufig, da ist es vielleicht nicht so schlecht eben nur Eps oder Singles zu veröffentlichen.

Ken: Alben wird es immer geben. Es ist gut, dass man die Möglichkeit hat einzelne Tracks separate herunterzuladen. Und wer diese dann auf sein Telefon mit schäbigem Schepper-Sound packen will – bitte, soll er das machen. Das ändert nichts an der Zeitlosigkeit des Formats an sich. Ein Schriftsteller verkauft schließlich auch nicht jedes Kapitel einzeln, auch wenn das manche vielleicht schon versucht haben. Als interessierter Leser, bzw. Hörer, will man letztendlich trotzdem die komplette Story hören. Auf der anderen Seite sollte ein Album aber auch nie zu geradlinig sein, eine Busfahrt auf der Autobahn ist schließlich auch langweilig, interessant wird es erst durch die Umleitungen.

The Black Dog gibt es schon seit fast 20 Jahren. Inzwischen seid ihr auf Soma Records angekommen, was auch ein sehr renommiertes Label ist. Vor dem neuen Album habt ihr eine 2-CD-Retrospektive veröffentlicht. Wo steht ihr mittlerweile, und wie hat sich euer Sound verändert? Wie wichtig ist die Innovation für euch?

Martin: Innovation ist uns nicht so wichtig wie Fortschritt. Wir haben unsere alten Produktionen neu veröffentlicht, aber nicht als Retrospektive oder Best-Of Bullshit, sondern weil wir das Material einfach in guter Qualität für einen fairen Preis herausbringen wollten. Den Detroit-Einfluss, der auf diesen Produktionen zu finden ist, gibt es auch heute noch in subtiler Art und Weise: Das ist immer noch ein großartiger Sound, der ja auch wieder sehr aktuell ist. Trotzdem wollen wir heute nicht mehr diesen Sound kopieren, wir versuchen vielmehr dem Tribut zu zollen. Wie sich das letztendlich anhört können wir nicht voraussagen. Jedenfalls sind wir ganz froh, nicht mehr so zu klingen wie damals, auch wenn die Einflüsse natürlich die gleichen sind.

Ken: Unsere Einflüsse sind vermutlich nicht mehr auf die Studiotür gepinselt wie früher, aber sind wir ehrlich, die gesamte Technoszene hat nicht gerade Quantengesprünge gemacht in den letzten Jahren. Innovation hat auch eine Kehrseite, denn niemand möchte und kann immer innovativ sein. Manchmal ist der beste Track, den man an einem Abend hört, ein Klassiker. Daran kann auch die größte Innovation nichts ändern.

Beschäftigt ihr euch denn mit aktuellen Entwicklungen in der Elektronikszene? Eure „Floods“ Single beispielsweise streift in den Remixen ja schon ordentlich den Dubstep-Sound. Wie fühlt ihr euch mit dem aktuellen UK-Sound, falls es so etwas gibt, verbunden?

“Manchmal ist der beste
Track an einem Abend
ein Klassiker”

Martin: Ich bin prinzipiell in jeglicher Art von Musik interessiert, aber ich durchforste nicht täglich das Netz auf der Suche nach dem neusten Shit. Wir gehören auch keine Szene bewusst an, wir haben ganz andere Sachen zu tun als auf die Frisuren von anderen zu schauen. Wir machen Musik für die Gegenwart, ganz einfach weil wir Teil davon sind. 1992 is over. Und selbst wenn das keiner mehr hören will, dann sterbe ich lieber als Außenseiter als mich von irgendeinem Trend auffressen zu lassen. Das mit den Remixen war eher Zufall als wirklich eine bewusste Entscheidung, das wir jetzt unbedingt einen Dubstep Mix brauchen.

Ken: Das sehe ich ähnlich. Ich bewege mich gerne in bekannten Kreisen, und ich bin mit vielen alten Producern um einiges enger verbunden als mit den neuen. Das heißt aber nicht, dass ich sie nicht respektiere. Das ist ja prinzipiell das Schöne an elektronischer Musik. Zum einen hat es sich als Phänomen um einiges länger gehalten als beispielsweise Punk, zum anderen hat man aber gerade durch die neuen technischen Entwicklungen ganz andere Möglichkeiten als früher. Ich kann nicht sagen ob es einen aktuellen UK Sound gibt, dafür kenne ich mich zu wenig aus, aber spielt das denn eine Rolle? Irgendjemand wird es immer zum ersten Mal hören, daher ist jeder Sound auf seine Weise zeitlos.

Ich habe gelesen dass ihr Andy Stott und den Modern Love Sound mögt. Was haltet ihr von diesem Dubtechno Revival?

Martin: Ich mag die Sachen von Andy und Mark (Claro Intelecto), auch wenn mir einige Sachen etwas zu deep sind. Aber sie machen gutes Dubtechno, was viele versuchen aber nicht schaffen. Außerdem produzieren sie in Reason, was einige auf die Palme bringt. Um gutes Dubtechno zu machen, muss man aber zunächst verstehen was Dub überhaupt ist bevor man sich über die Produktionsweise auslässt …

Ken: Ich bevorzuge ja den guten alten Rootsdub …

Stichwort Techno. Mit den typischen Minimal-Sachen habt ihr ja nicht viel zu tun. Wie wichtig ist euch der Techno-Aspekt?

Martin: Das Problem mit Techno, und gerade Minimal, ist das jeder die Top 10 von Beatport auflegt – 12 Loops und ein paar EQ-Tweaks machen noch keinen Producer. Außerdem wissen viele ja noch nicht einmal was ‚minimal‘ eigentlich bedeutet, ich frage mich wie viele mit dem Werk von Stockhausen vertraut sind.

Ken: Es bringt auch nichts Leute in Schubladen zu schieben. Wir waren vielleicht mit einigen Sachen früher dran als andere, aber das macht uns nicht besser. Techno ist und bleibt auch eine Lebenseinstellung, so angestaubt das klingen mag. Wir machen eben unsere Form von Techno, und wir mögen es wenn die Leute dazu tanzen.

Ihr habt gesagt, dass dieser düstere Vibe von Sheffield eine der Inspirationsquellen ist, und ihr euch nicht vorstellen könntet nach Berlin zu ziehen. Ist das noch immer so? Eure Musik klingt jedenfalls nicht wirklich fröhlich …

Martin: Unsere Produktionen sind sehr emotional, das weiß und höre ich auch. Wir sind sicherlich nicht diejenigen, die total unbeschwert aufspielen und immer fröhliche Sonnenscheinmusik machen, aber zwischendurch gibt es auch beflügelnde Momente. Der Industrievibe von Sheffield ist bei uns im Blut, das ist wie mit Detroit. Es gibt hier kein richtiges Nachtleben, das Publikum ist immer ein wenig kompliziert, und besonders hübsch ist es auch nicht. Trotzdem lieben wir es, und das zeigt sich vermutlich immer in unserer Musik.

Ken: Scheiß auf die Fröhlichkeit! Hat sich mal jemand die Welt angeschaut? Wir sollten uns verschanzen und die Mistgabel auspacken …

The Black Dog bleiben eben doch schwarz wie die Nacht über Sheffield, und das klingt nach 20 Jahren besser denn je.

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# Soma Records
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Info: Teile dieses Interviews wurden in der De:Bug 121 veröffentlicht.

Alle Bilder werden mit Genehmigung von Slices verwendet.

Gemessen an seinem jetzigen Alter steckt Dubstep noch in den Kinderschuhen. Doch wie Kleinkinder eben sind, strecken sie schon frühzeitig die Hände nach neuen Dingen aus. Diese Form frühkindlichen Entdeckungstriebes manifestiert sich im Dubstep durch das Aufsaugen veschiedener Spielarten elektronischer Musik. Denn schon längst ist Dubstep nicht mehr bloß die simple Kombination aus Dub-Elementen und 2Step-Beats, sondern dem eigenen Laufstall entwachsen und versucht nun durch Einflüsse von Breakbeat, Techno und IDM die nächsten Schritte zu meistern. Das hilft nicht nur Dubstep, den stetigen Konflikt zwischen Übersättigung und Hype durch neue Nischen zu entrinnen, sondern bietet plötzlich auch Gelegenheit für Producer aus anderen Genres, sich auf der Spielwiese Dubstep auszutoben.

Paul Rose, als Produzent unter dem Namen Scuba bekannt, war einer der Geburtshelfer von Dubstep. Der gebürtige Londoner, der vor kurzem nach Berlin gezogen ist, gehört mit seinem Label Hotflush nicht nur zu den ältesten Namen der Szene, sondern auch zu denen, die schnell versucht haben, die Grenzen von Dubstep zu überschreiten und zu erweitern. Wo viele seiner Kollegen noch immer auf dem archetypischen, basslastigen Clubsound herumreiten, versucht Hotflush eine andere, deepere Spielart von Dubstep zu etablieren, wie uns Scuba im Interview verrät.

Du bist vor kurzem nach Berlin gezogen. Das erscheint irgendwie untypisch für jemanden aus der Dubstep Szene…

Ich bin mir gar nicht sicher wie eng ich überhaupt in der Dubstep Szene verbunden bin. Ich finde, dass ich sowohl persönlich als auch mit dem Label immer ein bisschen abseits vom Mainstream-Dubstep stehe. Der Grund nach Berlin zu ziehen war aber eher persönlicher Natur. Ich bin in London geboren und habe dort mein ganzes Leben vebracht, und irgendwann war ich einfach an dem Punkt angelangt, an dem ich gelangweilt war. Im Herbst letzten Jahres bin ich dann umgezogen, und bis jetzt fühle ich mich ziemlich wohl. Man kann einfach ganz anders arbeiten als in London, es ist viel entspannter und freundlicher.

Wie schätzt du die Dubstep Szene hier in Deutschland ein?

Ich bin nicht wirklich involviert. Ich habe einige Male hier gespielt, aber ich glaube die Szene ist immer noch recht klein, wobei es aber auch langsam größer wird. Ich habe im Januar in Leipzig gespielt und es war ein ziemlich guter Vibe, hoffentlich gibt es das öfters in Zukunft.

Wie sieht es auf Producer-Seite aus?

Die meisten Demos die ich bekomme sind von Producern aus England, ganz klar. Es gab aber gerade in letzter Zeit einige Crossover-Projekte, wie z.B. der T++ Remix von Shackleton. Der typische Berlin Sound ist auch meiner Meinung nach recht kompatibel, zumindestens mit einer Seite von Dubstep. Diese Entwicklung ist sehr interessant, aber richtige Dubstep Producer gibt es noch nicht allzu viele in Deutschland, oder zumindestens kenne ich sie nicht.

Um 2001 herum gab es mal eine ziemliche 2 Step Welle in Berlin, vielleicht wird ja jetzt Dubstep das nächste große Ding.

Dubstep ist ja aus 2-Step entstanden, und ein Großteil von Dubstep hat noch immer Züge davon. Natürlich hat man sich von diesem kommerziellen Hardstep abgewendet, aber der Garage-Einfluss ist immer noch zu hören. Das ist ziemlich witzig, denn als ich mich für Dubstep interessiert habe, war ich dem ganzen Garage Sond ziemlich überdrüssig, und ich wollte so weit weg davon wie nur möglich. Doch je mehr Distanz man zu etwas hat, desto mehr lernt man es zu schätzen, und inzwischen näher ich mich auch wieder Garage an.

Was muss ein Track mitbringen um auf Hotflush veröffentlich zu werden?

Die Auswahl wird mit jedem Monat schwieriger. Ich bekomme ca. zehn Demos pro Tag, die alle gehört werden wollen. Einer der Nachteile daran, dass Dubstep immer bekannter wird, ist dass einige Leute eine ziemlich eingeschränkte Vorstellung davon haben wie es klingen muss. Viele der Demos die ich bekomme sind daher auch ziemlich langweiliges Standard-Dubstep, mit Half-Step-Drums, wobbly Basslines und Reggae-Samples. Das ist fast schon wieder eine Parodie auf Dubstep, aber da muss man eben durch, auch wenn es nicht immer einfach ist.

Was wir schon immer mit dem Label machen wollten, ist einen Sound zu etablieren, der sich von der Allgemeinheit abgrenzt. Uns geht es nicht ums Geld, solange wir keine Verluste machen, und daher versuchen wir auch immer etwas Neues zu probieren. Wonach wir suchen sind weniger Tracks als frische Ideen, die Dubstep aus einem anderen Blickwinkel betrachten.

“Ein anderer Blickwinkel” - das bedeutet fast unweigerlich, genrespezifische Restriktionen aufzugeben und sich Einflüssen von außen zu öffnen. Wie auch andere Musikarten (man denke an Drum and Bass), scheint Dubstep nicht nur aufgrund seiner multikulturellen Entstehungsgeschichte und den durchaus disparaten Ziehvätern Dub und 2Step für diese Entwicklung prädestiniert zu sein. Gerade in jüngster Vergangenheit hat sich Dubstep vermehrt durch Crossover-Produktionen mit Techno- und IDM-Einschlägen in neues Territorium gewagt. Doch wo das eine auf den Club-Kontext abzielt, scheint das andere bewusster auf Listening-Ebene zu arbeiten. Der Einfluss experimenteller Elektronika entzieht sich zwar teilweise dem Clubanspruch von Dubstep, verliert sich aber nicht zwangweise in anstrengender DSP-Effekthascherei, sondern zeichnet sich vor allem durch die gezielte Verwendung von Pausen, Flächen und detaillierten Arrangements aus, was den sonst oft gedrungenen Produktionen besondere Tiefe verleiht.

Betrachtet man sich nun die Auswüchse von Dubstep, die immer vielschichtigere Formen annehmen und größere Wurzeln schlagen, so hat sich Dubstep aus dem Nischen-Dasein als Süd-Londoner Subkultur selbst zum Melting Pot unterschiedlichster Sound-Ästhetiken gemausert, was laut Scuba nur eine logische und positive Entwicklung ist.

Du sagst “anderer Blickwinkel”. Viele Produktionen auf Hotflush, u.a. auch deine eigenen, scheinen um einiges deeper zu sein als der Rest, sie sind häufig sehr ruhig und lassen viel Raum zum Entfalten..ist das einer dieser Blickwinkel, mit dem man auf Dubstep schauen kann?

“Neben Dubstep höre ich
am meisten 80s Pop”

Die Verwendung von Raum und Pausen ist für mich ein integraler Bestandteil der Musik, der leider in letzter Zeit häufig vergessen wird, und man viele Tracks hört, die einfach viel zu vollgepackt mit Samples sind. Ich setze mich aber auch nicht gezielt hin, und denke mir dass ein Track jetzt auf eine bestimmte Weise klingen muss, oder irgendwie besonders deep sein muss. Ich setze mich einfach daran und arbeite einige Stunden konzentriert mit einer Idee, dann mache ich mir eine Tasse Tee und höre mir den Track nochmal an. Wenn es dann immer noch gut klingt bin ich zufrieden. Prinzipiell gibt es auch nur zwei Parameter, die ein Dubstep Producer beachten sollte: Tempo und Bass. Darauf basierend kann man in fast alle Richtungen gehen, aber viele haben da offensichtlich eine andere Auffassung…

Wobei es das ja auch interessant macht…

Das hat vermutlich auch die Veränderung von Dubstep in den letzten fünf Jahren vorangetrieben, die Freiheit, die man sich nehmen kann, um eben anders zu klingen als der Rest. Das verhindert natürlich nicht dass auch eine Menge Schrott veröffentlicht wird, aber man hat zumindestens immer die Chance sich neu zu erfinden, wenn man denn möchte.

Wo liegen deine persönlichen Einflüsse?

Ich kann vermutlich nicht abstreiten dass ich von den frühen Autechre und Aphex Twin Sachen ziemlich beeinflusst wurde, vielleicht kann man das sogar aus meinen Produktionen heraushören. Auf der anderen Seite habe ich aber auch viel Drum & Bass gehört, und 80s Pop ist vermutlich das, was bei mir zuhause am meisten neben Dubstep läuft.

Der Einfluss von IDM scheint gerade in letzter Zeit auch immer offensichtlicher im Dubstep Bereich zu werden. Man hat diese emotionale Komponente, gepaart mit komplexen Arrangements jenseits von 4/4, die mir immer öfters auffallen.Was hältst du von dieser Entwicklung?

Ich finde diesem Electronica-Einfluss ziemlich interessant. Es stimmt schon, dass es da gerade in letter Zeit einige Entwicklungen gab, in denen gerade auf Kompositions-Ebene Gemeinsamkeiten zu einigen IDM Produktionen sichtbar werden. Der gemeinsame Ansatz ist vermutlich, nicht immer den direkten, geraden Weg zu folgen, sondern eben mit den einzelnen Elementen zu experimentieren.
Allerdings gibt es da auch einen Kontrast zum club-tauglichen Dubstep. Viele der Produktionen mit Anleihen von experimenteller Electronica sind nicht wirklich DJ-freundlich, was sich der eigentlichen Idee von Dubstep etwas wiedersetzt, von daher ist diese Verbindung aus IDM und Dubstep nicht immer einfach umzusetzen.

Glaubst du, dass Dubstep vielleicht so etwas wie ein Fluchtpunkt für frustrierte IDM-ler ist, nachdem IDM selbst ja seit Jahren auf der Stelle zu treten scheint?

Da kenne ich mehr frustrierte Drum & Bass Producer, die jetzt zu Dubstep wechseln. Da fällt es schwer nicht zu glauben, dass man eben mal Dubstep probieren sollte wenn man es denn mit einer anderen Form von Musik nicht schafft erfolgreich zu sein. Das ist sicherlich nicht immer so, aber ich kann mir schon vorstellen, dass einige so denken. Trotzdem glaube ich nicht, dass jetzt vermehrt IDM Künstler anfangen Dubstep zu produzieren. Von den Producern, die wirklich aus dieser Szene kommen fällt mir spontan nur Boxcutter ein, der jetzt auch gerade ein Album mit älteren Produktionen veröffentlicht hat. Ansonsten kommt die Verbindung vermutlich wie bei mir auch eher zufällig, und einfach aus der Lust daran die Grenzen des Genres zu erweitern.

Dubstep ist also generell ein Schmelzpunkt für alle möglichen Stile, von IDM bis Drum & Bass?

“Dubstep hat seinen
Recycle-Punkt noch
lange nicht ereicht”

Natürlich, nur so kann sich Dubstep weiterentwickeln und spannend bleiben. Es gibt die Einflüsse von Reggae und Dancehall auf der einen Seite, dann die von Techno auf der anderen, und natürlich den experimentellen Aspekt von IDM. DIe Aufgabe liegt darin, es auch in Zukunft noch weiterentwickeln zu können. Darin liegt auch die Philosophie von Hotflush, die Grenzen immer weiter auszuloten. Dubstep ist noch ein ziemlich junges Genre, die Möglichkeiten sind noch lange nicht ausgereizt. Drum & Bass hat auch eine sehr seltsame Entwicklung gemacht. Das war über Jahre eine spannende Sache, aber inzwischen sagt man, dass Drum & Bass auf der Stelle tritt. Eine ähnliche Entwicklung kann man wohl auch IDM zuschreiben, oder Techno. Früher oder später ist alles ausgereizt, aber dann kommt wieder jemand mit einer neuen Idee, einem anderen Blickwinkel eben, und plötzlich wird es wieder aufgerollt und ist wieder angesagt. Dubstep allerdings ist noch am Anfang seiner Evolution, der Recycling-Punkt ist noch nicht erreicht.

Der Crossover von Dubstep und Techno ist in letzter Zeit sehr populär geworden. Trägt diese Entwicklung dazu bei, Dubstep noch bekannter zu machen, oder gerade auch den Leuten zugänglich zu machen, die eher einen Technohintergrund haben?

Das ist sicherlich ein Off-Shoot von Dubstep, und es ist eine gute Sache wenn Leute wie Villalobos oder T++ die Dubstep Szene für sich entdecken. Die Partyszene in England und im Rest von Europa könnte nicht unterschiedlicher sein. In London ist Dubstep eng mit der Drum & Bass Szene verknüpft, in Berlin dagegen versucht man sich Dubstep eben seitens Techno zu nähern. Die Frage ist natürlich, ob das dann noch als Dubstep bezeichnet werden kann, wenn man das Tempo anzieht und dem Ganzen eine 4/4 Bassline gibt.

Es gibt vielleicht auch einen anderen Grund für die Entwicklung: Bevor ich nach Berlin gezogen bin, hat man mir überall gesagt wie offen doch die Leute sind. Ich kann das nicht bestätigen, denn viele sind ziemlich engstirnig in Sachen Musik. Viele der Leute, die Minimal hören können nichts mit Dubstep anfangen, da es ihnen zu langsam ist, und das eröffnet natürlich auch einen Markt für diese Crossover-Produktionen wie beispielsweiser der Villalobos Remix von Shackleton.

Was ist die Idee hinter Hotflush und Scuba als Sublabel?

Hotflush war eigentlich gar nicht als Dubstep Label geplant. Mein damaliger DJ-Partner und ich haben ziemlich wildes Zeug aufgelegt, von Drum & Bass über Breakbeats hin zu Garage, aber alles in mehr oder weniger demselben Tempo. Wir wollten auf dem Label diesen Kurs fortsetzen, und die ersten Sachen von Hotflush hatten auch noch ziemlichen Garage-Einfluss. Zum wirklichen Dubstep Label wurde es erst in den letzten Jahren, und das war auch eher Zufall. Inzwischen haben wir eben diesen Ruf, und damit müssen wir wohl leben (lacht).

Scuba als Sublabel ist mit dem zehnten Release jetzt am Ende. Die Sachen die ich als Scuba produziert habe gingen ein bisschen in eine andere Richtung als der Rest auf Hotflush, und daher war Scuba eher als Outlet gedacht. Zehn ist aber eine schöne Nummer um die Sache abzuschließen.

Wie sehen die Pläne von Hotflush und dir selbst aus?

Zum einen kommt das Scuba Album im April heraus. Davor kommt noch eine Single, und wir werden eine kostenlos Online-Mix-Serie starten, mit einem Mix von Vaccine im März. Ansonsten bin ich mir aber noch nicht so sicher was der Rest des Jahres bringen wird. Es gibt da evtl. noch ein Album-Projekt, aber dazu kann ich zur diesem Zeitpunkt noch nichts sagen….

Wenn Minimal- und Dubtechno-Einflüsse also dafür sorgen, dass sich Dubstep auch der kontinentalen Technogemeinde öffnet, Grime-Produktionen immer öfters mit den Charts flirten und Labels wie Hotflush weiter an ihrer eigenen Vision von Dubstep mit IDM-Einschlag feilen, kann man dem noch jungen Genre doch beeindruckende Frühreife attestieren.

Scuba’s erstes Album A Mutual Antipathy erscheint am 7. April 2008, und wird u.a. auf Beatport zu kaufen sein.

# Hotflush Records
# Scuba MySpace
# Hotflush Mix Series 001: Vaccine
# Scuba Pod Mix (2006)

Nicht nur unsere Meinungen gehen auseinander wenn man danach fragt ob 2007 ein gutes oder schlechtes Jahr für Musik war. Dabei war 2007 sicherlich ein interessantes Jahr. Die Musikindustrie ist endgültig in der Krise angelangt, die sich schon über Jahre angekündigt hat, doch anstatt zu handeln konzentriert man sich lieber auf Klagen und Jammern. Bands verlassen Major Labels und nehmen die Promotion und den Vertrieb ihrer Alben selbst in die Hand, das ‘Radiohead-Model’ wird zum Wegweiser für zukunftsweisende Veröffentlichungsstrategien. Downloads machen inzwischen fast die Hälfte aller Musikverkäufe in den USA aus, bei uns in Europa melden derweil Indie-Vertriebe wie Hausmusik und Amato Insolvenz an. Mit OiNK wird die größte Musiktorrentseite im Netz geschlossen - mit fraglichem Erfolg, da schon wenige Wochen später eine ganze handvoll an Alternativen blühen. Auch hierzulande ist Copyright und Urheberrecht in aller Munde: Die umstrittene Vorratsdatenspeicherung kann weitere Kreise ziehen als bisher befürchtet.

Doch wie sah es musikalisch aus? 2007 sah zum einen das Revival von Deephouse, das sich langsam aber sicher wieder angeschlichen hat, und auf so manchem Label für Überraschung und Verwunderung geführt hat. Ebenfalls ein Comeback feierte Dubtechno; Eine Dekade nach der großen Basic Channel Zeit ist dieser Sound wieder entdeckt worden, und Producer rund um den Globus haben ihre Produktionen plötzlich wieder in reichlich Echo und Reverb gepackt, und auch wenn einige Ergebnisse mehr Hommage als Neuerschaffung sind, so sind hier einige der besten Alben des Jahres entsprungen.
Apropos Dub: Auch Dubstep ist inzwischen völlig an der Oberfläche angekommen, und nach Jahren im Underground auch dem größeren Publikum zugängig: Burial remixt Größen wie Thom Yorke und Bloc Party, Producer wie Shackleton und Peverelist überschreiten die Schnittstelle zwischen Techno und Dubstep, und nicht nur in London lassen Dubstep-Partys Menschen in Hundertschaften vor die Clubs ziehen. Auf der anderen Seite elektrisierte ein anderes neues Genre die Massen: Die ‘New Rave’ Bewegung mit Simian Mobile Disco, Justice und Digitalism an der Spitze zeigt auch der Indiecrowd wie man es richtig krachen lässt, und Daft Punk feiern zehn Jahre nach Alive 1997 plötzlich wieder eine Welttournee.

Und Minimal? Auch 2007 war Minimal noch eine feste Größe, doch auch hier zeichneten sich Veränderungen hab: Ein orientalischer Sound hat sich eingeschlichen in viele Produktionen, Percussion ist das Wort der Stunde, und auch sonst hat man wieder die Lust an straighteren Tracks entdeckt. Alben von Villalobos und Onur Özer dagegen zeigen allerdings weiterhin, dass Minimal interessant sein kann wenn man es richtig ausführt. Etablierte Label wie Kompakt bringen plötzlich ein Alben wie das von Supermayer heraus, dass sich allen Konventionen zu widersetzen scheint, und für mehr als eine hochgezogene Augenbraue gesorgt haben dürfte, und auch sonst ist die Lust am Experimentieren wieder verstärkt wahrzunehmen. Wir können das nur begrüßen.

Natürlich war es wieder schwer die besten Platten des Jahres zu krönen, vielleicht nicht bei den Alben, aber definitiv bei den Singles. Die folgende Liste ist daher vielleicht mehr als ein grober Wegweiser zu verstehen, mit einigen der Tracks, die auch am Ende des Jahres noch genügend Substanz vorweisen können. Aussschöpfend ist das sicherlich nicht.

Daher hier, in keiner bestimmten Reihenfolge, unser “Best of 2007″ Feature:

Top 20 Alben 2007

Burial - Untrue (Hyperdub)

Burials zweiter Geniestreich macht eigentlich alles richtig; der namen- und gesichtslose Londoner verfolgt seine Vision von Endzeitstimmung zwischen Dauerregen, Neonlicht und scheppernden Drums konsequent weiter, aber lässt dabei gelegentlich noch Hoffnung, Sehnsucht und sogar ein wenig Sonnenschein durch den Nebel blitzen, und das alles mit einer Lo-Fi Produktionsweise, die den meisten Experten wohl die Tränen in die Augen treiben dürfte. Die ganze Mischung ist allerdings nicht nur das vielleicht beste Album des Jahres, sondern ein Werk, das wohl jetzt schon als Klassiker gelten darf. [Review]

Arctic Monkeys - Favourite Worst Nightmare (Domino)

Man kann sagen was man möchte, aber was diese jungen Herren aus Sheffield mit ihrem zweiten Album ablieferten muss man erst mal schaffen. Nicht mal ein Jahr nach dem gehypten Debüt einen Nachfolger zu produzieren, der sich in nur 38 Minuten von Riff zu Riff schlägt, und dabei nicht mehr bloß einen Soundtrack für Abiparties darstellt, sondern insgesamt ein unglaublich gereiftes, textlich ausgezeichnetes, und vor allem musikalisch absolut kompromissloses Album ist. Schnell, laut und in patentiertem Yorkshire Slang vorgetragen - Indie war selten besser in 2007.

who wants to sleep in a city that never wakes up…blinded by nostalgia…

Strategy - Future Rock (Kranky)

Paul Dickows Genre-übergreifendes Konzept zeigt sich in einem Album verschiedenster Tempi, unterschiedlicher Stimmungen und Produktionsweisen, die zwischen Multi-Track Live Arrangements, analogen Synthesizern und reiner Laptopproduktion variieren, und trotz aller Soundästhetik stets einen warmen, menschlichen Eindruck hinterlassen. Vielleicht eines der ambitioniertesten Alben des Jahres, dessen Sounddichte unerreicht war. [Review]

Efdemin - Efdemin (Dial)

Jemand hat neulich Efdemins Sound mit den minimalistischen Pianokompositionen von Ryuichi Sakamoto verglichen, die einen wichtigen Aspekt auf die Pausen zwischen den Anschlägen legen. Efdemins selbstbetiteltes Album verfolgt in der Tat ein ähnliches Konzept. Wie fast alle Künstler auf Dial, hat auch Phillip Sollmann diese Mischung aus treibenden Technobeats und fast schon unterkühlter Melancholie gefunden. Nie scheint etwas zu gewollt zu sein, nie etwas wirklich fehl am Platz. Stattdessen gibt es ein unglaublich ausgeklügeltes Album, dass tief in Techno und House abtaucht, teilweise fast ein wenig oldschool wirkt, einen ewig treibenden Puls besitzt, und auch über die gesamte Albumlänge nie langweilig wird. Dabei klingt es so klar und gut produziert wie kaum etwas anderes, ja, ich würde fast sagen dass ich selten ein Album gehört habe, dessen Sound so präzise war. Stilsicher und elegant, wie fast alles auf dem Hamburger Label.

Aril Brikha - Ex Machina (Peacefrog)

Was für ein Comeback für Aril Brikha in diesem Jahr! Erst die großartige Winter EP auf Kompakt und dann dieses Album, das Trance wieder irgendwie salonfähig gemacht hat. Noch im Juli haben wir uns gefragt ob dieses Album auch auf Dauer bestehen kann, und der Eintrag in dieser Liste ist wohl der Beweis dafür. Luftig-leichte Arpeggios und Synthesizerflächen fließen mit einem Hauch Detroit Techno und tranciger Verträumtheit zusammen, in einem Album, dass sich gleichermaßen in Euphorie und Melancholie wiegt, und so eine verdammt runde Sache darstellt. Anspieltip: Leaving Me, wem nach vier Minuten nicht das Herz aufgeht wenn die Bassdrum einsetzt, der hat keines. [Review]

Stars - In Our Bedroom After The War (Arts & Crafts)

Torquil Campbell und Amy Millan sind und bleiben das Traum-Frontpaar des Indierock. Aber hier gibt es nicht nur gefühlvolle Balladen, in denen mal im Duett oder auch mal Solo um die Wette geschmachtet wird, sondern auch schnellere Songs, die auch im schmerzhaftesten Moment immer noch etwas Wärme durchscheinen lassen. Tolle Zeilen zwischen Herzschmerz und gedämpfter Euphorie - In Our Bedroom After The War ist ein weitereres Licht am hell leuchtenden Himmel der Stars. Ein Album, das immer wieder ausbrechen möchte, und sich selbst doch stets am Boden hält.

you despise me and i love you - it’s not much but it’s just enough to keep

Radiohead - In Rainbows

Inzwischen bin ich mir nicht mehr sicher ob das Album genauso gut eingeschlagen hätte, wenn da nicht diese kleine Sache mit der ‘kostenlosen’ Veröffentlichung gewesen wäre. Wie dem auch sei, auf In Rainbows haben Radiohead sich nach den letzten doch eher experimentellen Alben wieder auf die rockigeren Anfänge konzentriert. Vor allem die Rhythmus Sektion mit Phil Selway an den Drums und Colin Greenwood am Bass ist so präsent wie schon lange nicht mehr, ohne dabei natürlich den typischen Radioheadsound vermissen lassen. Thom Yorkes Vocals gehen immer noch durch Mark und Bein, und der Anteil an Electronica und Effekten ist zwar reduziert aber doch präsent. Das einzige dass man dem Album anlasten könnte, ist dass es nicht ganz so kohärent ist wie frühere, quasi einen roten Faden, ein Konzept, vermissen lässt. Die individuelle Klasse macht dies aber wett, da kann man schon über die zwei, drei schwächere Songs hinwegsehen. Radiohead sind der Konkurrenz eben auch 2007 noch einen Schritt vorraus, nicht nur in Sachen Veröffentlichungsstrategie.

Roísín Murphy - Overpowered (EMI)

Wenn erste Eindrücke immer Bestand hätten, dann würde dieses Album hier sicherlich nicht auftauchen. Aber Overpowered hat doch tatsächlich zum Ende des Jahres noch unser Discoherz erobert. Denn wenn man sich erst einmal auf den neuen Sound einlässt, der weniger zwischen Cut-up Avantgarde als vielmehr Retro-Disco und House liegt, bekommt man ein ziemlich gutes Album vorgesetzt, das trotz einiger Fehltritte einige großartige, und vor allem exzellent produzierte Tracks enthält. Mal schnell, mal langsam, mal arrogant, mal verletzlich, mal augenzwinkernd, aber immer stilsicher, ‘classy’ eben - wenn jemand diese Mischung rüberbringen kann dann ist es wohl Roísín Murphy. [Review]

The Orb - The Dream (Traffic Inc)

Noch ein Comeback, mit dem niemand gerechnet hat: The Orb verlassen nach dem Album auf Kompakt den Schaffelzug, und besinnen sich wieder auf ihren Oldschool Sound, der einige ihrer besten Tracks aus den frühen 90ern noch in den Schatten stellt. Obskure Filmsamples, tiefe Bässe, eine Menge Humor, eine handvoll Gastsänger/innen und jede Menge Ideen werden in einen Topf mit Dub geworfen, und was dabei herauskommt ist sicherlich eine der Überraschungen des Jahres. Dr. Alex Paterson hat anscheinend wieder Lust an der Musik gefunden, nachdem die letzten Produktionen doch stark von Thomas Fehlmann beeinflusst waren Smoke it like it’s ‘93. Muss man einfach mögen.[Review]

Disrupt - Foundation Bit (Werk)

In einem Jahr, in dem Dubstep wirklich den Durchbruch geschafft hat gibt es eine Crew und ein Netlabel aus Leipzig, das sich gänzlich unbeeindruckt mit einem Sound beschäftigt, der sich viel eher an den Roots von Dub orientiert als es Dubstep je tun wird. Jahtari-Gründer Disrupt hat nach diversen Netlabel Releases nun ein Album veröffentlicht, dass diesen Sound perfekt präsentiert. “Digital Laptop Reggae” nennt er es, und es klingt als hätten die alten Dub Legenden ihre Liebe für 8-Bit Sound entdeckt. Foundation Bit ist digitaler Dub, der zwischen Dubstep und Reggae eine Nische gefunden hat; immer ein bisschen augenzwinkernd und mit einer gehörigen Portion Humor bestückt ist ein ganz eigene Hommage an die ‘Foundation’ des Dub. Einfach in der Idee, clever in der Durchführung, und verdammt deep im Ergebnis. [Review]

Pole - Steingarten + Remixes (~scape)

Steingarten war schon so etwas wie ein Comeback von Pole, der den defekten Waldorf Filter größtenteils hinter sich gelassen hat, und ein unglaublich dichtes Album produzierte, dass zwar immer noch schwer im Dub steckt, aber eine ganz eigene Form des Microsamplings offenbart. Die passende Remix CD gibt dieser Soundästhetik dann noch die entsprechende Variation und holt zum Genre-Rundumschlag aus: Shackleton und Peverelist mit ihrer Percussion-getriebener Dubstepvision, Ghislain Poirier und Deadbeat für die härteren Beats, und The Mole, Dimbiman und Melchior Productions sorgen für den 4/4 Anstrich. Ein abwechslungsreiches Remix-Album, dessen Ausgangsmaterial aber auch nicht besser sein könnte. [Review]

Gregor Tresher - A Thousand Nights (Great Stuff)

Klar, die Singles von Gregor Tresher haben den Weg in die Plattenkiste von fast jedem DJ gefunden, aber im Gegensatz zu vielen seiner Kollegen gibt er auch auf Albumlänge eine gute Figur ab. Tresher schafft es, anstatt 80 Minuten mit monotonem Minimaltechno zu füllen, eine beachtliche Variation in seine Produktionen einzubauen. Da sind zwar die düsteren Minimalracks wie Black Rain, Benthos und Running Systems, aber eben auch gnadenlose Dancefloorschieber wie der Titeltrack, Full Range Madness oder The Now People zu finden, die so ziemlich jeden Club zum Kochen bringen dürften. Und dann ist da noch Anti, dieser ganz und gar verschrobene Track, der auch noch die letzten Kritiker verstummen lassen dürfte wenn es um die Vielseitigkeit von Gregor Tresher geht. Eines der wenigen Techno Full Lengths in diesem Jahr, die überzeugen können.

Uusitalo - Karhunainen (Huume)

Karhunainen ist das dritte Album von Vladislav Delay unter dem Uusitalo Moniker. Wie auch schon beim Vorgänger Tulenkantaja hat der Rhythmus vermehrt Einzug erhalten. Tanzbarer ist es geworden, auf fast allen Tracks herrscht die 4/4 Bassdrum, der Titeltrack gehört vermutlich zum tanzbarsten was Delay jemals produziert hat. Dennoch kann man Karhunainen nicht die typische Uusitalo-Ästhetik abschreiben; es clickt und cuttet weiterhin eifrig, unidentifizierbare Samples klappern und klicken, an Echo und Reverb wird ebenfalls nicht gespart, der Sound ist reich und komplex, die Tracks sind abwechslungsreich, entspringen aber der gleichen Wurzel. In dieser Hinsicht bleibt Uusitalo das Zwischenstück zwischen dem beatlosen Dub von Vladislav Delay und den langen, auschweifenden Minimaltracks von Luomo, und das ist uns ein Top 20 Platz wert. [Review]

Jens Lekman - Night Falls Over Kortedala (Secretly Canadian)

Noch vor einem Jahr wollte sich Jens Lekman gänzlich aus der Musikszene zurückziehen. Gut für uns dass er sich anders entschieden hat. Denn Night Falls Over Kortedala ist wieder ein herrliches Popalbum, voller obskurer Geschichten, augenzwinkernder Anspielungen und unmöglichen Reimen, die eigentlich nur Lieblingssschwede Lekman so vortragen kann. Musikalisch ist es zum ersten Mal wirklich gut produziert, dabei abwechslungsreich mit tollen Streichersegmenten und reichlich Glockenspiel obendrauf. Kaum jemand schafft es herzergreifende Songs mit einer ordentlichen Portion Humor zu verbinden wie Jens Lekman. Geschichten die das Leben eben so schreibt.

The Field - From Here We Go Sublime (Kompakt)

Nicht nur Pitchfork hat die Charme dieses Albums entsprechend hoch bewertet, auch sonst ist man sich einig dass The Field in einem vielleicht doch eher schwächeren Jahr für Kompakt einer der Lichtblicke war. Axel Willner, der Schwede der dahinter steckt, hat dabei eine ganz eigene Vision von Minimal, von Musik im Allgemeinen entwickelt. Der Sound von The Field dreht sich um Loops, die immer wieder überlagert und verschachtelt werden, auf Instrumenten- und Vocalsamples (man beachte wie das Sample von Lionel Ritchies Hello auf dem sensationellen A Paw in my Face eingebaut wird), die, auf das nötigste reduziert, sich langsam aber sicher entwickeln, variieren und immer irgendwie in einer zurückhaltenden Euphorie enden. Befreiend, geradezu erlösend wirkt das Ganze, als würde man im Tiefflug über die unberührten Flächen Skandinaviens schweben. Eines der originellsten Alben im Jahre 2007.

Distance - My Demons (Planet Mu)

Distance war einer von vielen exzellenten Dubstep Producern auf Planet Mu in diesem Jahr (wenn auch nicht ganz so gut wie Boxcutters Oneiric - das war aber schon 2006). Dass er von allen am Ende die Nase vorne hat, liegt vielleicht an der kompromisslosen Düsterheit, die sich durch das Album zieht. Dubstep hat ja immer eine etwas dunkle Seite, die bei Distance so richtig zur Geltung kommt. 12 Tracks aus den Tiefen des Dubstep; Hits sucht man vergeblich, dafür sind die Produktionen nicht griffig genug, aber genau in dieser Verschrobenheit liegt auch die Stärke. Muss man sich einige Male laut (!!) anhören bevor es wirklich einschlägt.

The Marcia Blaine School For Girls - Halfway Into The Woods (Highpoint Lowlife)

Das Trio aus Schottland ist schon seit 1997 zusammen. Fast ein Wunder dass erst so spät ein gemeinsames Album erschienen ist. Im stark stagnierenden Dschungel der IDM-Welt waren sie jedenfalls dieses Jahr ein Lichtblick. Es ist das Facettenreichtum, das positiv auffällt, es ist kein Album, welches das gleiche Preset konsequent abruft, sondern eine Sammlung von Songs, von denen jeder eine eigene Geschichte zu erzählen scheint. Die Beats sind dominant, die Melodien greifbar, ohne dabei trotzdem eine gewisse Abstraktheit vermissen zu lassen. Ein vollkommenes Kopfhörererlebnis und eines der besten IDM Alben seit langem. [Review]

Shape of Broad Minds - Craft of The Lost Art (Lex)

Schon erstaunlich dass sich gerade mal ein Hip Hop Album in die Bestenliste geschlichen hat, aber 2007 war einfach nicht das beste Jahr für Hip Hop. Immerhin, Shape of Broad Minds, die fiktive Supergroup von Multitalent Jneiro Jarnel (aka Omar Gilyard) aus Philadelphia hat es in sich, und schlägt zumindestens teilweise in die Bresche die durch den tragischen Tod von Jay Dee offen wurde: Ausgeklügelte Instrumentals und perfide Raps (u.a. auch von MF Doom und Count Bass D), von den Strukturen häufig von Jazz beeinflusst, aber trotzdem immer mit futuristischem Anstrich, ist Craft of The Lost Art eines dieser unscheinbaren Meisterwerke, das man vielleicht erstmal einwirken lassen muss, bis sich die ganze Tiefe offenbart.

Mikkel Metal - Brone and Wait (Echocord)

Erschreckend unbeachtet war Mikkel Metals Album auf Echocord. Dabei ist Brone and Wait nicht nur das vielleicht beste Album des Dänen (zumindestens gefällt es besser als das auf Kompakt vor einiger Zeit), sondern auch eines der besten Dubtechno Alben des Jahres, und das ohne den prototypischen Basic Channel Sound zu kopieren, wie es so viele getan haben in diesem Jahr. Stattdessen werden liebevolle Instrumentensamples gesammelt, und zwischen organischer Electronica in den Dubmantel eingenäht. Das Ergebnis ist mal langsam bouncend, mal schneller treibend mit 4/4 Bass, aber irgendwie immer ein wenig verraucht und dunstig…für diese späten Abendstunden eben.

Sixtoo - Jackals and Vipers in Envy of Man (Ninja Tune)

Ganz seltsames Album zum Schluss, aber im Endeffekt doch eines was ich ziemlich oft gehört habe. Sixtoo lässt auf 13 unbenannten Tracks die Drums nur so scheppern, und positioniert sich irgendwo zwischen aggressivem Instrumental Hip Hop und experimenteller Electronica. 38 Minuten zum Kopfnicken und Fußstampfen, von einigen cineastischen Interludes mal abgesehen. Wäre vielleicht auch eher eine EP, aber wir wollen mal nicht so kleinlich sein.

ebenfalls erwähnenswert, aber knapp geschlagen:

Jahcoozi - Blitz ‘n’ Ass (Bubbles)
Drei Farben House - Blending Days (Kupei Musika)
Wahoo - Take it Personal (Fine)
Damiak - Micalavera (n5md)
Piano Magic - Part-Monster (Important)
Deadbeat - Journeyman’s Annual (~scape)
Stephan Bodzin - Liebe Ist… (Herzblut)
Donnacha Costello - Colorseries (Minimise)
Fennesz & Sakamoto - Cendre (Commons)
Von Südenfed - Tromatic Reflexxions (Domino)
!!! - Myth Takes (Warp)
Wilco - Sky Blue Sky (Nonesuch)
Air - Pocket Symphony (Astralwerks)
Lopazz - Kook Kook (Get Physical)
EL-P - I’ll Sleep When You’re Dead (Def Jux)

Top 5 EPs + Compilations 2007

Milanese - Adapt (Planet Mu)

Allein der Clark Remix von Mr Bad News macht diese EP ihr Geld wert. Aber auch die anderen Tracks mit Remixen von Hrdvision und Distance sind gnadenlose Mindfuck Monster an der Schnittstelle zwischen Dubstep und Drum & Bass. Massive! [Review]

Junior Boys - Dead Horse (Domino)

Was soll man sagen, wer bis heute noch nicht den geradezu lächerlich minimalistischen Carl Craig Remix von Like a Child gehört hat muss wohl hinter dem Mond leben. Trotz absoluter Übersättigung nicht nur einer der besten und prägendsten Remixe des Jahres, sondern ein weiterer Beweis, dass die Junior Boys inzwischen eine ganz besondere Position im Elektropop Himmel gefunden haben.

Aesop Rock - All Day (Nike Original Run Series)

Leider schien Aesop Rock auf diesem exklusiven iTunes Track in Kooperation mit Nike schon ein Großteil des Pulvers für das folgende Album verschossen zu haben. Dafür sind die, größtenteils instrumentalen, 40 Minuten allerdings abwechslungsreich genug um auch die Producer-Seite von Aesop Rock schätzen zu lernen.

Maps & Diagrams - Lhasa Apso (Smallfish)

Maps & Diagrams hat sich dem IDM etwas abgewandt und für Smallfish eine 4-Track EP produziert, die zwischen Störgeräuschen, Ambient und Dub schwebt, und dabei eines der besten Dokumente in diesem Genre im vergangenen Jahr war. Wo alle über DeepChords Echospace geredet habe, ist Lhaso Apso leider etwas untergetaucht.

Talib Kweli & Madlib - Liberation (Blacksmith)

Talib Kweli und Madlib zusammen auf einer EP - da kann eigentlich nicht viel schiefgehen. Nachdem er etwas im Mittelmaß verschwunden ist geht Kweli endlich mal wieder in die Offensive, und bringt einige seiner besten Lines seit Jahren ans Tageslicht, natürlich unter den maßgeschneiderten Beats von Madlib the Conductor. Anspieltipp: Funny Money.

Compilations

Ricardo Villalobos - Fabric 36 (Fabric)

Ricardo Villalobos hat für die Fabric Reihe einen Mix aus eigenen, neuen Produktionen zusammengestellt, der wieder einmal seine eigene Vision von Percussion-getriebenem Minimal weiterführt. Dabei ein Album herausgekommen, dass nicht nur völlig neue Soundsphären erkundet (einige der Töne sind auf einer normalen Heimanlage fast gar nicht zu hören), sondern zudem auch noch zwischen treibendem Techno und ungemütlichen Stream-of-Consciousness Vocalpassagen (Andruic & Japan verursacht bei mir Albträume) variiert. Oft kopiert, selten erreicht.

Henrik Schwarz - Live (!K7)

Henrik Schwarz’ lässt immer noch auf ein Album warten, aber diese Sammlung an eigenen Tracks, Remixen und Produktionen die während der Tour als Live-Edits entstanden sind, ist schon eine gute Entschädigung und mehr als nur ein Zeitvertreib. Gewürzt mit viel Soul, Jazz und Funk, ist diese Werkschau ein erstklassiges Dokument vom Können des sympathischen Producers. [Review]

Colonized 01 (Colony Productions)

Colony Productions ist sicherlich kein großes Label, aber diese Compilation geht weit über die Labelgrenzen hinaus, und holt sich einige hochkarätige IDM Acts ins Boot: Mit Tracks von Yasume (im sensationellen Remix von Deru), Seven Ark, Funckarma, Crunch und einigen unbekannteren Künstlern ist Colonized 01 eine erstklassige Zusammenstellung von crunchy IDM Beats.

Agoria - At The Controls (Resist)

Es gab einige hochkarätige Mix CDs in diesem Jahr, aber kaum eine hat auch nur annähernd eine Tracklist wie die von Agorias At The Controls anzubieten. Wer auf einer Doppel CD Minimal Techno auf Folk folgen lässt, Deephouse auf Indie, und es auch noch schafft bei der ganzen Sache einen schlüssigen Mix und eine zusammenhängende Stimmung zu erhalten, der hat diesen Platz einfach verdient. Ein Mix mit Ecken und Kanten und einigen Überraschungen.

Soundboy Punishments (Skull Disco)

Ja, es ist die Platte mit dem 18-Minuten Monster Remix von Villalobos. Aber nicht nur deswegen ist Soundboy Punishments ein Gewinner: Die Doppel CD mit größtenteils Tracks von Skull Disco Masterminds Shackleton und Appleblim zeigt eine Richtung, in die Dubstep gehen kann: Ausgefeilte Percussion mit orientalischem Touch, gepaart mit tiefen Bässen und viel Zeit zum Atmen - ein Sound, der dieses Jahr fast konkurrenzlos war. [Review]

Top 20 Singles 2007

Substance & Vainqueur - Remixes Chapter 1 (Scion Versions)

Emerge ist ja ein unumstrittener Klassiker des Dubtechno, aber die Remixe der British Murder Boys (Surgeon + Karl O’Connor) stehen dem in nichts nach: Ein kompromissloser Dancefloorschieber aus der Zeit als Techno noch in verlassenen Warehouses stattfand. Harte Drums und Basic Channel Stabs…Killer!

Samim - Heater (Get Physical)

Der Sommerhit schlechthin. Keine Party ohne die Akkordeonklänge von Samims humorvollem Meisterwerk. Durchgeknallt, überdreht, aber genau dadurch die richtige Antwort auf all die trostlosen Minimaltracks, denn wo Heater läuft geht die Sonne auf.

Lopazz - 2 Fast 4 U (Get Physical)

2 Fast 4 U ist Lopazz Antwort auf Elektropop. Egal ob das retrohousige Original oder der latin-angehauchte Guillaume Remix, der Song trifft einfach ins Schwarze und macht gute Laune. [Review]

Tolga Fidan - Venice/Tanbulistan (Vakant)

Duch Sven Väths Sound of the Eighth Season nochmal angeheizt, zeigt sich Tolga Fidans brilliant düsterer Minimal Doppelschlag, der sich mit orientalischer Percussion weit über die 10 Minuten Grenze dreht und windet, noch einmal von seiner besten Seite. [Review]

Minilogue - Elephant’s Parade (Wagon Repair)

Minilogue haben ein sehr gutes Jahr mit dieser Platte auf Wagon Repair begonnen. Auf der A-Seite ein Groove Monster, auf der B-Seite einen waschechten Dubtechnotrack - die Schweden wissen einfach wie man es richtig macht. [Review]

Wighnomy Brothers - Guppipeitsche (Freude am Tanzen)

Die Wighnomy Brothers mal nicht mit perfidem Klickertechno, sondern jazzig groovend mit zwei Tracks, auf denen Piano und Jazzdrums regieren. Auch nach unzähligen Hördurchgängen immer noch erfrischend anders und eine der schönsten Platten des Jahres [Review]

Rework - Love Love Love Yeah (Playhouse)

Rework haben sich vielleicht vom Techno abgewendet, aber Love Love Love Yeah war noch einmal einer dieser Knaller, denen man sich nicht entreißen kann. Ein Track, der so offensichtlich in die Electroclash Bresche schlägt, und es trotzdem schafft nicht angestaubt, sondern eher erfrischend anders rüberzukommen. Rework kokettieren mit Rockattitüde, und zeigen den Minimalisten den Stinkefinger.[Review]

Paul Frick - Do Something (Kalkpets)

Vier Tracks, die gleichermaßen jazzig verspielt als auch housig groovend im 4/4 Takt sind. Befreiende Pianoloops, Slap-Bass, gelungene Vocalsamples - die Mischung geht auf, ist erfrischend und hat Substanz. [Review]

2raumwohnung - Mir Kann Nichts Passieren (EMI)

Auch wer mit 2raumwohnung nichts anfangen kann wird diese EP möglicherweise lieben. Denn egal ob es der hypnotisch treibende Remix von Radical Majik ist, der lässig bouncende von Phonique oder die tolle Elektropop Reinkarnation von Jonas Bering - hier gibt es keine Filler. [Review]

Move D - Ac1d (Modern Love)

Move D gräbt zwei Tracks aus seinen Archiven aus, die auf Modern Love genau am richtigen Platz sind. AC1D ist ein quirliger Track gepaart mit klassischen Basic Channel Stabs. Sheffield Dance klingt zu Beginn noch wie ein vergessener Remix von Sweet Exorcists Testone mit metallener 808 Drum Sektion und diese typischen Yorkshire Bleeps, die Anfang der 90er ein ganzes Genre ins Leben gerufen haben. Tolle Platte, toller Retrosound. [Review]

Anja Schneider - Loop de Mer (Mobilee)

Loop de Mer hat nicht ganz den Einschlag von letztjährigem Lily of the Valley, aber auch diese zwei Track präsentieren den ganz eigenen Sound von Anja Schneider, der hier unerwartet trippy rüberkommt mit dem psychedelischen Schieber des Titeltracks und dem perkussiveren Belize.

Aril Brikha - Winter (Kompakt)

Mit Winter fing der Erfolg für Aril Brikha an. Ein wunderbar euphorischer Track, der gar nicht erst versucht den Trance-Einschlag zu verstecken, aber vielleicht genau dadurch so erfrischend ist. Auf der B-Seite dann mit Berghain noch eine Ode an Berlins Vorzeigeclub - ein wunderbares Stück für die morgendlichen Stunden, wenn sich die Sonne in der Spree spiegelt.

Radical Majik - Dub Rider (Klang)

Klang Elektronik hatte einige gute Platten in diesem Jahr, aber keine kam an die hypnotische 12-Minuten Reise von Radical Majik heran. Ein Track mit unzähligen Breaks, der immer wieder fahrt auf nimmt, sich immer wieder verschiebt, dreht und windet. Die straightere B-Seite kann hier nur als Gegenpol wirken.

Friendly People - Music Is Improper (+ Remixes) (Apnea)

Alex Unders macht als Friendly People genau dass was er am besten kann: Minimalistisch treibende Technotracks, die hier mit diesem einprägsamen “Music Is Improper” Vocalsample ausstaffiert werden, die sich auch durch den groovenden Remix von Damian Schwartz und das hypnotische Martin Buttrich Rework durchziehen.

Björn Wilke - What If/Snuggles (Session Deluxe)

Björn Wilke ist sicherlich kein bekannter Name, aber wenn noch mehr Tracks wie What if folgen, dann hat er einen Platz bei unseren Favoriten sicher. Wunderbar lockerer Track mit zahlreichen Bleeps und Bops und ansteckender Tanzbarkeit.

Kollektiv Turmstraße - Tristesse (Connaisseur)

Das Kollektiv aus der Turmstraße hatte gleich mehrere gute 12″s, doch Tristesse war vielleicht die beste. Ein elegant bouncender Track, der mit einer gehörigen Portion Melancholie gespickt ist…und dann am Ende diese Streicher…

Ada - Fizzmann (Areal)

Fast wäre Ada vom Bildschirm verschwunden, aber durch eine bezaubernde Performance mit den Cereal Killers auf dem Melt!, dem tollen Remix für Tracey Thorn und eben dieser 12″ hat sie es am Ende doch noch in unsere Bestenliste geschafft…war ja klar, oder? :) [Review]

Àgnes - Dub Vaults (Perspektiv)

Hi-Murda ist einer der deepsten, düstersten und sattesten Technotracks des Jahres, der irgendwie von hinten links angerollt kommt, und sich dann völlig in den Gehörgang einbrennt. Auch die anderen Produktionen des umtriebigen Schweizers können sich hören lassen, daher ist dieser Platz gerechtfertigt.

Len Faki - Delta (+ Remixes) (Ostgut Ton)

Len Faki hatte ja auch ein erstaunlich gutes Jahr, da ist es schwer das beste Release herauszupicken. Die beiden Deltas haben es jedenfalls in sich, und auch die Remixe von Adam Beyer und J. Sydenham , die weite Flächen mit tighten Technobeats verbinden, können jedes Set verschönern.

Radio Slave - Bell Clap Dance (Rekids)

Noch jemand der 2007 in aller Munde und Ohren war: Radio Slave hat nicht nur mit einer handvoll hochkarätiger Remixe auf sich aufmerksam gemacht, sondern mit Bell Clap Dance auch noch einen kleinen Hit gelandet, der im Remix von Sebo K. nochmal schöner ist. More Cowbell please!

Top 5 Labels 2007

Get Physical

Nicht nur wegen einem kleinen Song namens Heater hat Get Physical ein tolles Jubiläumsjahr 2007 erwischt: Überzeugende Artist Alben von Samim und Lopazz, eine Doppel Compilation passend zum fünften Geburtstag, und mit der Body Language Reihe hat man eine Mix-Serie etabliert, die in diesem jahr mit Jesse Rose und Chateau Flight gleich zweimal in Schwarze getroffen hat. Und auch die Singles von Elektrochemie, Jona und Paul Ritch haben den Weg in so manche Plattenkisten renommierter DJs gefunden - Glückwunsch!

Modern Love

Achja, Modern Love. Kaum ein label hat so einen konstant hohes Niveau wie die Herren aus Manchester. Auch 2007 stand wieder im Zeichen des Dub: DeepChords Echospace Reihe taucht in einigen Bestenlisten auf, Andy Stott festigt seine Position als Ausnahmeproducer, Pendle Coven sorgt für die härteren Beats, und auch Move D findet hier einen Platz um einige ältere Tracks neu auflegen zu lassen, die nebenbei noch zu den besten des Jahres überhaupt gehören. Wir verneigen uns.

Planet Mu

Was wäre Dubstep inzwischen ohne Planet Mu? Boxcutter, Distance, Milanese, Vex’d und MRK1 sind nur die Speerspitzen auf einem Label, dessen Output trotz der Masse stets qualitativ hoch blieb. Dazu gesellten sich Alben von Gründer µ-Ziq und ein überraschendes Dubstep Album vom alten Techno Haudegen Neil Landstrumm. Doch auch die IDM Seite, mit der das Label bekannt wurde, blieb nicht zu kurz mit Alben von Venetian Snares und The Gasman. Und als Bonus gab es auch noch die längst übe