Dave Sumner alias Function hat ein Album veröffentlicht. Es heißt Incubation und ist auf Ostgut Ton erschienen. Das ist insofern erstaunlich, als dass es das erste richtige Soloalbum des gebürtigen New Yorker ist – und das nach fast 20 Jahren im Technogeschäft. Grund genug also, sich mit ihm zusammenzusetzen und etwas zu plaudern. Über seine Wahlheimat Berlin, über seinen Tourplan, über das Ende seines erfolgreichen Labels Sandwell District, das er mit Karl O’ Connor aka Regis bis Ende 2011 führte, und natürlich auch über die Entstehung seines Albums.

David Bowie recently released his first original song in almost a decade, which is basically a memory of his Berlin days. Do you think you will have a similar emotional relationship with Berlin in twenty years’ time?

It’s interesting that you ask me that, because a lot of people have mentioned that Bowie song to me recently. Berlin is in some odd way home to me like New York and New Jersey, where I grew up and lived back and forth over the years. I also lived In Birmingham for a while, you know, the actual Sandwell District, but it didn’t feel as if I wanted to stay there for a longer period of time. I’m not one of these people who can move to another city and immediately adjust. Berlin is the only place where I actually felt comfortable doing that. I have been told my whole life to get a proper job, that’s it’s never going to work out. And literally from the day I touched ground here, everything changed.

Still, I think there are a lot of ties between Berlin and New York. They are drastically different cities, but there is a similar mentality. I’ve always noticed that people form Berlin go like “Oh my god, you’re from New York!” when you tell them and in New York it’s just the other way around if you say you’re from Berlin. There is definitely a bond between them, as Leonard Cohen once wrote: “First we take Manhattan, then we take Berlin”.

You once said that a lot of people come to Berlin to play a game of “last man standing”. Given that you’re here since the end of 2007, you seem to be still standing pretty well.

I moved to Berlin because I had a network of people since I started who happened to be here. That’s what’s kept me here. I get homesick very often, which is I guess understandable if you ever lived in New York City. But realistically you go to where the work is. I’d actually rather live in New York, but Berlin is a much better place to be centered at. That is also my excuse for not speaking German so well, because I’m here to work and where I work, everyone speaks English. I feel very embarrassed about it, because it’s somewhat disrespectful to not speak German. But learning a second language is easier when you’re a lot younger, especially if it’s German… [laughs]

Have you noticed any changes in the local techno scene since you moved here or is it still going as strong as ever?

I wouldn’t say it’s going as strong as ever. I would say that when I arrived here it was more alive and pushing boundaries and ground-breaking. The Berlin scene had a good six, seven years when it was considered new. I think now it has just grown up, matured a bit with a lot of people now doing other things. I must admit that I’m not as exposed to it as I was when I came here for the first time. Back then I was taking a lot of things in, going out a lot. The first year I came on a mission and I wasn’t accepting gigs, didn’t want them, because I just wanted to experience things and focus on what I was doing. But from my perspective it feels like there is less happening now.

This is surprising, given that the media still hypes it.

The thing is you don’t see a reflection of stagnation in the press, you will only notice that if you are within the scene itself. But don’t get me wrong. Berlin is still capable of doing it like no other city does it. The restrictions remain very low. Everything that any other party in the world is trying to do within the law – the grip is loosened in Berlin.

So how hard is it for you as an artist to focus on your work in this party-ridden environment?

Well, it’s been five years now and I’ve settled in as well. I’m away most of the weekends on gigs and that’s what makes it difficult to focus on things. It’s not that I’m going out partying all the time, it’s because I’m gigging all the time. It’s a difficult thing with DJ culture and electronic music that I just got my head around and realized it once I began working on my album. Bands have the luxury of taking periods of time to record their album and not tour at all, and their fans, the managers and press are fine with it. They have a block of time to get things right. We don’t. We’re constantly trying to stay on top of things, trying to get booked all the time. You can’t really take time off, because then you’re not ‘current’ anymore. My eyes have been really opened to this whole concept and it’s sort of directing the way I see my future.

How so?

As much as I love playing and travelling, I also love writing and creating and expressing myself. But both things work hand in hand: You don’t make money by selling music, you make your living while touring. We’re more like jazz musicians than rock musicians, because jazz musicians were always gigging and doing the recordings on their downtime. That makes it very hard to create something, because it’s usually not until Tuesday that you’re back in the swing of things and once you get some momentum and engulfs yourself in something, it’s Friday and you have to leave town again. Then you play in front of a large room of people and this whole new experience wipes everything clean.

Are you playing more gigs now than, let’s say, ten years ago?

Oh yes, definitely. As I said, you go to where the work is, and the work is right here in Berlin. I’ve always been playing gigs, but I hadn’t been “in the mix”, so to speak. It’s only once you’re in it that people take notice.

It’s been a bit over a year since you closed your Sandwell District label. Did this give you more time to focus on other things, such as producing your album?

It sort of set all three of us free. It all started out as something sporadic and then suddenly it became routine. That’s what ultimately killed it, because once a thing gains some momentum you feel obligated to deliver something. But we never worked like that, and I don’t think it should work like that. So yeah, it was liberating and after all, we are still Sandwell District, we still tour, we work together. I think that’s an incredible thing and it only works because it all happened naturally. And once it didn’t feel natural, we literally killed it in order to be natural again.

Do you think that routine kills creativity in the long run?

I don’t think it has to, but I think it can. For us and for me, routine doesn’t work. Once something takes on a form, people are expecting something, but there is certain spontaneity to the way that we work, there is a chaos to the way that we work. Trying to tie it down and make it uniform is counter-productive. For instance, my album couldn’t have happened on Sandwell District.

Why not?

I felt like a weight fell off my shoulders once we finished the label. That enabled me to write this album in the first place, without any sort of pressure and expectations. For a long time while recording it, it didn’t have a home and that was quite liberating. However, once I started thinking about it, it kinda stressed me out, because we’ve always been releasing our music independently and I didn’t want to go with my hat in my hand to anyone. Fortunately, once word got out that I’m working on an album, a lot of people wanted to hear in it and that’s when I got in touch with the guys from Ostgut.

But didn’t this also put a lot of expectations on the album?

Probably, but I find that the way I work best is to paint myself into a corner and to impose a strict deadline on me is what gets the best results. I love the last, almost panic kind of moments. I mean, artists and musicians tend to be lazy kind of persons and as many of them do, I love these do or die situations. You need some sort of chaos and pressure and drama.

So when did the pressure hit you this time?

The pressure came because it was supposed to come out a few years ago [laughs]. After all, it is my first solo album since I started out almost twenty years ago. I was careful that it wasn’t too close to Feed Forward [the Sandwell District album]. I didn’t want it to be so heavily compared. We live in a world where everything is looked under a magnifying glass, where everyone is so connected and focused on things. I really wanted to make it right.

How long have you been working on it?

It’s all new material, nothing is regurgitated. I started writing it about a year ago and I had a two week writing session. I was going over to Karl’s [O'Connor aka Regis] place to show him some of my progress and I really wanted to impress him. So I got a lot of this stuff done in a very short amount of time and afterwards I shelved it. I knew the direction it was going, I knew how I wanted it to sound and I had conceptualized the whole piece and when I felt comfortable with it, I put it away with the idea to let it sit for a moment, completely remove myself from the process and then come back to it and see if it still works.

Apparently it did.

I think you can get caught in process a lot of times, especially with technology these days. It’s a total recall; you can work on a dozen of tracks at the same time, seeing all the automation and stuff. It’s not how it was done before, when you were working on one track at a time and because you were sitting on a mixing desk you had to keep your EQ settings and really see a track through. It’s great to have the possibility these days to blend together several pictures to make it cohesive, but it can also very easily distract you. So it’s good to step away from it once in a while. There is a technique that I learned from Damon Wild at Soundwave. I would go over to his house and was showing him music and he always did this thing: He put a record on the turntable, put the needle on it, turned the volume down and then watched the record spin while he listened to the other track. There is this psychology involved that helps you get away from the grid on the screen and get some fluidity back to your work. And I think that’s where the whole concept of shelving things and coming back to it comes from.

Does technology foster perfectionism instead of spontaneity?

It definitely takes away from it, yeah. It sterilizes it, there is a raw energy getting lost in that process. But, as I said, with any sort of technology it opens up plenty of other possibilities. Just look at Star Wars, the old films versus the new ones. George Lucas was finally able to accomplish what he was striving for but didn’t have the means to do it back then. But in the end, it just didn’t work the same way as the analogue films did.

In fact, many fans hate it…

Yes, but why? Has it something to do with nostalgia? We won’t know that for sure until future generations review it that are completely removed from the process of comparing the old ones to the new.

Speaking of process, is the album’s title Incubation a reference to the way it was made?

Well, I’m 39 years old and this is my first solo album. So it took 39 years to make, jokingly said.

How long was it until you came back to it after the initial session?

I started writing in January last year and then there were about four months when I didn’t go back to it all. Then I got back to it occasionally, adding new stuff. But it wasn’t until July that I really sat down and said to myself “Alright, let’s do this.” In the end, about six tracks from the original session went into it and the rest came about later once I gained some momentum.

Were there any special inspirations that went into the production of this album?

I hope that you can hear some Sandwell District in there. It’s all been part of what we’ve been up to in the past couple of years, but also what I have been up to all my life basically. A lot of the influences are pretty clear and I’m ok with it, that’s the point of doing an album, to put your experience and years of listening into it. But at the other hand, I tried not to gear it towards the club. I mean, that’s what my 12″s are for. So I can’t really see this project being played outside itself. I’m sure it will be played by DJs to some extent but that wasn’t my mindset.

When I listened to it for the first time, the track Counterpoint really stood out for me. It reminded me a lot of Manuel Göttsching’s classic album E2-E4.

I’ll take that as a compliment, because E2-E4 is definitely in my Top 5 records. It is something like the original minimalistic techno record. You listen to the album and it’s its own thing but at the same time everything, if you know what I mean. It was done without trying. I was actually listening to a lot of Ash Ra Temple and Krautrock in general in the last year while conceptualizing the album. So if you caught that and if that’s the impression the album left, I feel like I’ve done my job.

Counterpoint is also the track that seems most detached from your earlier work.

Overall, in some bizarre way, I consider this an ambient album because of the atmospherics. I wanted to incorporate ambient stuff but I didn’t want it to include this sort of cliché drones meets strings track with no beats. I wanted something to stick with you, something that was ambient but still had a time structure. So I guess that’s where the idea for “Counterpoint” and other parts of the album came from.

Last summer you wished for a certain producer to be mixing your album. Now this person turned out to be Tobias Freund. Why did you choose him?

We were all hanging out at Labyrinth Festival in Japan last year, which is truly a great place to be. It’s like a mini conference where you meet people with a same mindset, sort of like going to camp [laughs]. You can really bond over there. Working with an engineer was something I wanted to do with Feed Forward, but it was too complicated and we just did it ourselves. I wanted to work with Tobias for a long time because for one, I love his music. But I also know his background and his credentials. Take Milli Vanilli’s Girl You Know It’s True – he engineered that record! I remember specifically being drunk in a hotel room after a gig, talking to Karl and I said to him “I’m not going to be satisfied until the guy that engineered Girl You Know It’s True mixes my record!” [laughs]

What’s so special about it?

It’s not my personal gospel or anything, but the recording quality has a lot to do with it. Recording quality is what makes and breaks a record, and this may also be a raw quality, such as the early Aphex Twin or Underground Resistance stuff.

So you wanted to get the best possible recording quality out of your album.

I always thought of myself as an artist and not an engineer. Over the years I’ve come to realize that my stumbling part is sound quality. I’m a bit of perfectionist and I feel like I don’t have the engineering skills that I would like to have. I come to realize that’s not a bad thing but rather how music was done for a long time. Look at any band or singer-songwriter. They are not responsible for engineering their music. I know that a lot of producers such as Karl do the mixing on their own, which is perfectly fine. Myself, I needed to get past that obstacle.

And of course, Tobias Freund is an Ostgut artist as well. Do you think that you and the guys at Ostgut have a similar approach when it comes to presentation and demeanor? You both seem to keep it rather low-profile despite your success.

Ostgut and Berghain became a home for me as soon as I moved here. I worked with a lot of their resident artists by now and it had always been an inspiration, especially the way they work. You know, things have grown massively around them and the world perceives them in a different way than they did years ago, but Nick [Höppner] and Michael [Teufele] and the rest still think the same way. So yeah, I guess there are parallels in the way we operate.

Some might say the whole “Faceless Techno” has become a cliché in its own rights.

I understand where the idea comes from. I think we are at a point now where the DJ ego is a bit out of control and the faceless thing is sort of like a refresher to remind people on how it used to be. I don’t want to sound old, but when I grew up there wasn’t a picture in a magazine to what I was listening to. There wasn’t a global community. When I started to get into Acid House, I’d be recording tracks off the radio and then going to the record store to find out what it was. These days I just go on YouTube and find it on related videos. It’s all connected and lay out before you.

That sounds a bit nostalgic though, doesn’t it?

Yes, but people seem to miss that experience. When I first heard about Warp or R&S records, I just saw the record and I didn’t need to know anything else. It all worked in my mind, it created some sort of fantasy. I hate the word “underground”, but there was this underground world that nobody knew about. Now it’s missing that and that’s what attracted producers to set up faceless labels. Surprisingly, we [Sandwell District] got grouped into that as well and I never understood that. We were not hiding our identity, you could find pictures of us, we were all going by our own names. And yet we were tied into that whole faceless narrative.

But admittedly, Sandwell District wasn’t the most outgoing label either…

True, there were things about the way Sandwell District presented itself that may have led to that conclusion. One of the things we were saying about Sandwell District in the early days was that we wanted to “decentralize the artist ego”. And in a way we did, because we are still Sandwell District even though the label is finished. Recently, I talked to Karl and I was referring to both the album and the upcoming mix CD for Fabric as “us”.

Why is it important to get rid of the artist ego?

We are under pressure, being so close to the audience these days. Fans of music feel closer to the artist than they ever did before and I’m not a 100 percent sure that’s the right thing. There is this thing that’s been on my mind recently. I think fans are very selfish. They chew you up and spit you out in a second [laughs]. I’m probably pissing readers off right now, but I’m a music fan myself, so I know what they’re feeling. As an artist however, I prefer to let my music speak for itself. In the end, that’s what is important.

Ich weiß, bis ich hier komme haben die ersten haben schon wieder mit ihrem Best Of für 2013 angefangen. Aber der Jahreswechsel war stressig, das Internet in der Pampa langsam, der Laptop-Bildschirm wirklich arg klein. Und dann hatte ich auch nicht die gesamte Musik des Jahres auf dem iPod dabei. Aber wer will schon faule Ausreden hören. Entscheidend ist doch, dass diese Tradition nun auch im achten Jahr in Folge bestehen bleibt, auch wenn es mal ein paar Tage länger dauern sollte. Wie auch immer, hier kommen nun ohne viele Worte ganz viele weitere Worte. Die besten Alben des Jahres, garantiert subjektiv ausgewertet. Und wer bis zum Schluss dabeibleibt, bekommt noch ein paar Singles obendrauf, wobei ich da dieses Jahr so wenige gehört habe, dass die Auswahl recht einfach fiel.

Alben

John Talabot – ƒIN (Permanent Vacation)

Es ist ja ein Gag, im Januar schon das „Album des Jahres“ zu skandieren. Ich glaube aber nicht, dass ich im Fall von John Talabot diesmal falsch lag. Der DJ aus Barcelona hat sich nach kurzen Stippvisiten auf Permanent Vacation für sein Debütalbum nämlich gedacht, mal zwischen House, Disco und Indie alles zusammenzubasteln und dann zu hoffen, dass es auch noch gut klingt. Und das tut es – auch ein Jahr später noch. Auf den elf Tracks spielt Talabot mit den Genres, vermengt auf Destiny scheinbar mühelos balearische Percussion mit eingängigen Vocals, nur um im folgenden El Oeste dann plötzlich mit pulsirenden Retro-Synths wie ein letzter Discoblitz aus den Achtzigern zu klingen und zum Schluss mit When the Past was Present dann noch einen lupenreinen Dancefloorschaukler aus dem Hut zu zaubern. Und doch klingt das alles nach einer Idee, nach einer Vision, wie Talabot hier die Snares und Hi-Hats einsetzt und um seine eigentlich simplen Drum-Sequenzen dieser Melodien und Emotionen aufspannt, das sich am Ende auch noch jedes Klangfragment grinsend in den Armen liegt. Wenn schon nicht das Album des Jahres, dann mit So Will Be Now wenigstens einen der Tracks des Jahres. (Preview)

Lone – Galaxy Garden (R&S)

Als das Album im Frühjahr rauskam, habe ich es zunächst abgeschrieben, war zu nervös, hab ich nicht verstanden. Dann irgendwann, im Sommer, habe ich es nochmal auf dem iPod reingehauen, zur Heimfahrt von der Arbeit. In der Berliner Oranienstraße habe ich auf dem Fahrrad schon ziemlich mit dem Kopf zu Lying in the Reeds genickt, sodass die Autofahrer vermutlich dachten, ich hätte ne Macke. Auf dem Engeldamm in Kreuzberg bin ich dann zu Raindance im Stehen Schlangenlinien auf dem Radweg gefahren, so euphorisch hat mich dieser Track gemacht. Und er und seine Kollegen tun es noch immer. Ja, natürlich ist Lone immer etwas hyperaktiv, immer nah an der Grenze von genau-richtig zu over-the-top, aber wenn man sich auf diese Retro-Breaks und knallbunten Synths einlässt, auf diese Melodien, die da immer wieder auf- und durchbrechen, kommt an Galaxy Garden niemand mehr vorbei. Wenn Rave früher so klang, besorgt mir bitte eine Zeitmaschine. (Preview)

Earth House Hold – When Love Lived (Love’s Label)

Anfang des Jahres kam die Info, dass Bvdub unter dem Alias Earth House Hold auf Love’s Label veröffentlichen wird. Das ist erstmal nichts Besonderes bei dem hohen Output von Brock van Wey. Doch Earth House Hold ist anders, denn es ist mit das housigste Projekt, dass sich der Ambient-Maestro bis dato einfallen ließ (sehen wir von den Knowone-Sachen einmal ab). Und so ist das Debüt auch ein Genuss für alle, die sich Bvdub schon immer mit etwas mehr, nun ja, Kickdrum wünschten: Die nämlich kommt auf allen Tracks vor. Natürlich sind diese immer noch alle um die zehn Minuten lang und nehmen sich ihre Zeit für den Aufbau, die zerbröckelnden Vocals gibt es weiterhin, auch die zarten Piano-Klänge. Das reicht deshalb auch noch nicht für den Dancefloor, aber selten war Bvdub so fokussiert, so greifbar, so direkt wie auf When Love Lived. Während viele anderen auf den Deep-House-Zug der vergangenen Jahre aufsprangen, hat Brock van Wey einfach seinen eigenen Entwurf umgesetzt. Ein Entwurf, der in Ton und Emotionalität ein wenig an DJ Sprinkles epochales Midtown 120 Blues erinnert. Und das ist ein großes Kompliment. (Preview)

Legowelt – The Paranormal Soul (Clone)

Ich gebe zu, ich habe mir im Jahr 2012 mit Techno schwergetan. Ich war wenig in Clubs und wenn, dann lief dort meistens House. Liegt’s am Alter? Ich hoffe nicht. An Übersättigung? Schon eher. Vielleicht kam zum Ende des Jahres dann Legowelt gerade richtig, um mir zu zeigen, wie es doch geht. Der Niederländer hat nämlich mit The Paranormal Soul ein Album produziert, das zum einen das techno-typische, sequenzielle Treiben aus den Drums heraus mit den eher breiteren, atmosphärischen House-Melodien verknüpft. Danny Wolfers war mir in der Vergangenheit immer ein bisschen zu schrullig mit diesem dezidierten niederländischen Electro-Einschlag, aber auf seinen letzten beiden Alben hat er seien Stil gefunden und beschwört damit die großen Techno-Geister, die im kleinen verrauchten Club ähnlich gut funktionieren wie auf dem großen Floor. Eigentlich ist es lustig, dass ausgerechnet ein Album, das über seinen Retro-Faktor funktioniert, frischer klingt alles vieles, was sich heute Techno nennt. Aber das ist eine andere Diskussion. (Preview)

Joey Bada$$ – 1999

Dank Ke$ha und Konsorten bin ich ziemlich gut darin geworden, sämtliche Künstler mit Dollar- oder Sonderzeichen in ihren Namen rigoros zu ignorieren. Im Fall von Joey Bada$$ war das ein großer Fehler, denn so habe ich den vielleicht – aufgepasst – besten New Yorker MC seit Jahren erst später kennengelernt, als seine Mixtapes 1999 und Rejex schon überall, von den Blogs zur New York Times, abgehandelt wurden. Man kann ja die jungen Rapper schnell überschätzen, und wenn einer erst gerade zarte 17 ist wie Joey Bada$$, ohnehin. Aber wann, wenn nicht so früh zeigt sich wirkliches Talent in den Reimen und der Darbietung? Eben. Und auch sonst passt fast alles: Die Beats sind relaxt-jazzy und trotzdem frisch, die Lyrics erstaunlich erwachsen und kommt größtenteils ohne die szeneübliche Profanität aus. Ein Album, das problemlos auch vor 15 Jahren hätte erscheinen können und doch mehr Status-Quo ist als vieles andere. Und man fragt sich, was kommt von dem Burschen aus Flatbush in Zukunft noch? (Preview + Download)

Beach House – Bloom (Sub Pop)

Wo sich andere Bands mit ihrem vierten Album schon längst in sicherer Genugtuung aufgeben, feilen Beach House offenbar einfach immer weiter an ihrer eigenen Vision von Pop. Inzwischen auch gerne mal ohne den Vorsatz “Dream”. Denn Songs wie Wild, New Year und das tösende Wishes zeigen, das Beach House längst ihre alten Hipsterhosen abgelegt haben: Die Drums etwa sind präsenter, die Hooks eingänglicher, die Arpeggios euphorischer und Legrandes Songwriting präziser. Das ist zugänglich, ohne die sympathische Verschrobenheit vermissen zu lassen, die immer wieder durchblinzelt, wenn man gerade das Gefühl hat, es sei vielleicht doch etwas zu geschliffen. Aber keine Angst, Bloom behält alles Gute des Duos bei: Dieses Gefühl schwermütiger Nostalgie, wenn sich Legrandes Contralto erhebt und in Songs wie Other People “was it ever quite enough?” fragt oder in Troublemaker schwierige Beziehungen resummiert. Die Melodien, die sich unerwartet aufbauen und dann plötzlich einschlagen. Und natürlich auch die Euphorie, die einen immer wieder überkommt. Denn Beach House waren zwar schon immer melancholisch, aber nie bedrückend. Und vielleicht nie optimistischer – und besser – als heute. (Preview)

Dictaphone – Poems from a Rooftop (Sonic Pieces)

Nein, die schnellsten waren die Jungs von Dictaphone wirklich noch nie. Sechs Jahre ist Vertigo II, damals noch auf CCO, schon wieder her. Und jetzt? Neues Label, alter Sound. Langsam, wabernd. Und doch neu. Geheimnisvoll. Bizarr. Ja, man muss diesen Sound schon mögen, der immer an der Grenze von Klassik, Field Recordings und Musique Concrete arbeitet. Und er arbeitet wirklich, er fiepst und faucht bisweilen, entfernte Samples erzählen Geschichten vergangener Tage und die Instrumentierung klappert und scheppert, bis dann doch die Streicher herkommen oder, aufgepasst, sich Gesang breitmacht! Am Schluss sind es 40 neue Minuten aus dem Dictaphone-Kosmos. Die sind nicht immer einfach, klar. Aber immer belohnend. Da lohnt sich doch das Warten. (Preview)

Aesop Rock – Skelethon (Rhymesayers)

Man kann Aesop Rock nicht vorhalten, nach seinen ersten Alben andere Wege gegangen zu sein, sowohl in Sachen Wohnort (er zog von New York an die Westküste), als auch musikalisch. Sich lieber neu erfinden als für immer als Posterboy des Underground Hip Hop herzuhalten. Vielleicht war das eher mittelmäßige None Shall Pass (2007) auch nur eine Zwischenstation auf dem Weg zu Skelethon. Das nämlich, erstmals von Bavitz alleine produziert, enthält nämlich das beste vom neuen und alten Aesop Rock: Die endlosen Wortstränge und Metapherketten etwa, deren Assoziationen und Bedeutung ganze Bücher füllen könnten und nur von Bavitz in seinem idiosynkratrischen Stil funktionieren. Und natürlich die Beats, die deutlich weniger düster sind als noch vor zehn Jahren, und die wie schon beim Vorgänger mehr eingespielte Instrumente enthalten, aber sich trotzdem diesen futuristischen Touch bewahren. Nein, das ist nicht mehr der apokalyptisch-fiebrige Aesop Rock aus Def-Jux-Zeiten, aber seine surrealen Erzählstränge können dem geneigten Hörer noch immer ausgezeichnet das Gehirn verknoten. (Preview)

Angel Haze – Reservation

Den besten Beweis, dass Mixtapes inzwischen besser sind als jede Promo brachte in diesem Jahr die junge Angel Haze, die auf Reservation die Messlatte für weibliche MCs ein ganzes Stück höher legte und die Szene aufhorchen ließ. Hier war eine junge Frau, die so bedingungslos reimte und so viel Punch in ihre Zeilen packte, das am Ende nicht nur brennende Mics sondern auch viel verbrannte Erde übrig bleibt, so direkt und scharf, so persönlich und bisweilen verbittert sind die Zeilen. Auf einige der besten Beats des Jahres (Werkin Girls) setzt Haze zum Rundumschlag gegen das Geschäft und ihre Vergangenheit mit sexuellem Missbrauch und Kult-Zugehörigkeit an. Doch das wahrlich Erstaunliche ist, dass Haze es nicht bei diesen persönlichen Abrechnungen (Cleaning Out My Closet ist der vielleicht bedrückendste Rap-Track seit Jahren) belässt, sondern die andere Hälfte ihres Mixtapes mit sanfteren Tracks füllt, gelegentlich sogar singt. Lange gab es keinen weiblichen MC mehr, der scheinbar so mühelos die Stimmungen und Genres von Track zu Track wechselte. (Preview + Download)

DIIV – Oshin (Captured Tracks)

Das obligatorische Gitarrenalbum. Traditionell habe ich auch in diesem Jahr wenig Indie oder gar Rock gehört, deshalb fehlen mir auch die Vergleiche. Was ich sagen kann: DIIV spielen Indie an der Grenze zu Dream-Pop, mit eingängigen Melodien im kurzen Song-Format und einem Sänger, dessen Stimme und Lyrics bewusst im Hintergrund gehalten werden und sich bestenfalls in kurzen Eruptionen Klarheit verschaffen. Das funktioniert, weil es DIIV gelingt, über den Rhythmus und die Melodien ihren musikalischen Charakter aufzubauen und daher auch gar nicht auf die großen Texte angewiesen sind. Die Stimme ist auf Oshin bloß ein weiteres Instrument, das gemeinsam mit vielen kleinen “Hach”-Riffs und subtilen Tempoverschiebungen das Album zu einer kurzweiligen – und durch und durch hörenswerten – Angelegenheit macht. (Preview)

Holy Other – Held (Tri Angle)

Es gab in diesem Jahr (und schon im vergangenen) einen Trend zu einer Art verträumt-mystischen Elektronika, die viele gelungene Projekte aufgegriffen haben: Vondelpark und Stumbleine würde ich dazu zählen, aber auch How to Dress Well und Mount Kimbie. Sie alle machen Musik, die eindeutig elektronisch ist, aber mit einem gewissen Songcharakter. Musik, die nicht ist, auch mal Gitarren und Gesang einzustreuen. Holy Other, der Mann aus Manchester ist von allen genannten vielleicht der elegischste. Held ist ein Album aus der Beziehungstiefe, mit vielen verrauschten, burialesken R’n’b-Vocals und einem durch und durch gemächlichen Tempo, das in Momenten wie Love Some1 dann plötzlich voller Emotionen ausbricht und am Ende dann doch wieder nach Versöhnung klingt.

Epidemic – Monochrome Skies (Mic Theory)

Viele Rap-Alben sind heutzutage so konzipiert, dass jeder mal randarf, ob nun als Gast-MCs oder Produzent. Das dachten sich vielleicht auch die beiden Jungs von Epidemic (aka HexOne und Tek-Nition) und haben die ganze Sache mal zurückgefahren. Die Beats kommen hier nämlich ausschließlich vom Luxemburger Produzenten Jesse James, die Guest-Spots sind auf zwei, drei Tracks beschränkt. Das tut dem Album gut, weil es wie aus einem Guss klingt. Die Darbietung der beiden MCs aus Florida ist spot-on und die Beats sind wunderbar kopfnickender Retro-Boom-Bap mit entspanntem Flair. Natürlich reißt das keine Experten vom Hocker, denn dafür sind die Samples teilweise doch etwas altbacken (ich sag nur From 93 Till Infinity), aber vielleicht gehört das auch zum Konzept, den Klassikern zu huldigen. Unter die Rap-Alben des Jahres, die man uneingeschränkt von Anfang bis Ende hören kann, gehört Monochrome Skies jedenfalls definitiv. (Preview)

Loscil – Sketches from New Brighton (Kranky)

Scott Morgan ist als Loscil alles andere als ein Unbekannter. Seit seinem Debüt im Jahr 2001 veröffentlichte er im Schnitt alle zwei Jahre ein Album. Mit Sketches from New Brighton hat er seinen Ambient-Sound endgültig verfeinert. Der Name stammt von einem kleinen Park in Vancouver, den Morgan als Basis und Interpretation nahm, während er die Schiffe im angrenzenden Hafen beobachtete. Ganz ähnlich klingt dann auch das Album, wenn die Tracks wie große Dampfer ineinander fließen, unaufgeregt aber doch immer bestimmt, und in kleinen orchestralen Höhepunkten kumulieren. Das klingt teilweise ein wenig nach Pole, mit seinen elektronischen Tupfern und den grollenden Sub-Bässen, ein wenig nach dem melancholischen, “nordischen” Ambient von Biosphere und auch ein wenig nach Badalamenti und Bohren & der Club of Gore in seiner dunkeljazzigen Soundtrackhaftigkeit. Und man fühlt sich als Hörer sofort in diese Weiten versetzt, wo der Schnee unberührt liegt und die Tannenwälder gerade so viel Licht durchlassen, um die nächste Lichtung erkennen zu lassen. Das Ambient-Album des Jahres.

Black Elk – Sparks (Experimedia)

Die “Ambient-Supergroup”: Unter dem Namen Black Elk haben sich in diesem Jahr die Engländer Danny Norbury (The Boats), Ian Hawgood, Clem Leek und Tim Martin (Maps & Diagrams) zusammengeschlossen. Herausgekommen ist dabei Sparks, 46 Minuten feinstes Ambient, 46 Minuten beatloser Klangräume, die immer wieder von zarten Piano-Tupfern durchleuchtet werden und in denen sich zaghafte Streicher und unter dem Klangteppich hervor lugende Elektronika vorsichtig annähern. Auch in diesem Jahr ist diese Kombination wieder der ideale Soundtrack für ein entspanntes Arbeiten oder gepflegtes Einnicken, wenn die Tage kürzer werden. (Preview)

Purity Ring – Shrines (4AD)

Eigentlich eines dieser Alben, die ich hassen müsste. Ein junges Pärchen, das Synth-Pop macht. Naja, im weitesten Sinne. Und natürlich kann man Purity Ring einen kleinen Hipster-Bonus nicht abschreiben. Aber irgendetwas hat es, diese glasklare Percussion, die hier von Corin Roddick den Synths entgegengepeitscht wird, und die Vocals von Sängerin Megan James, die sicherlich nicht mit dem größten Timbre glänzt, aber dennoch zu diesem Pop-Entwurf passt. Und vielleicht liegt genau darin die Stärke von Shrines: Das hier ein Entwurf so konsequent umgesetzt wurde und am Ende tatsächlich ein paar Tracks zum Mitnicken und Mitsummen geblieben sind. (Preview)

Chromatics – Kill for Love (Italians Do it Better)

Ein Album mit einem Cover von Neil Young zu eröffnen kann ja auch nicht jeder. Aber irgendwie haben es Chromatics schon immer geschafft, auch Rock’n'Roll Emotionen unter ihren kleinen neonleuchtenden Synthpop-Hut zu bekommen. Und auch deshalb wirkt Hey Hey, My My nicht etwas peinlich, sondern ist tatsächlich eines der besseren Cover des Klassikers. Im weiteren Verlauf zeigen Chromatics dann, dass auch sie in den vergangenen Jahren auf dem Weg zum vierten Album noch einmal gewachsen sind, ihren Sound geschliffen haben. Ein bisschen M83 hört man in den euphorischen Momenten des Albums heraus, ein wenig (die späteren) New Order in den poppigeren Augenblicken, die wie kleine akustische Perlen sorgfältig aufgezogen sind und immer dann aufbrechen, wenn sich etwas Schwere breitmacht. Denn die Band aus Portland mag vielleicht ein jugendliches Funkeln haben. Doch am Ende klingt Kill for Love wie eine Autofahrt durch die nächtliche Großstadt – euphorisch der Beginn, verkatert-sentimental der Heimweg. (Preview)

Toby Dreher – Freiluft (Rotary Cocktail)

Toby Drehers Freiluft beginnt gemächlich. Dicke Dubschwaden ziehen durch den Gehörgang, aus der Ferne scheint Wasser zu fließen. Nur langsam taucht so etwas wie eine zarte Bassline auf. Und dann, plötzlich, nach 3:30 Minuten knallt es, als Dreher die Drums reindreht und mit ordentlich Echo und Reverb nachspült. Es sind Momente wie diese, die Drehers Debütalbum so wunderbar überraschend machen, die das Spannende im eigentlich schon abgegrasten Dubtechno wiederfinden. Und Dubtechno nämlich ist Freiluft wohl zu großen Teilen, auch wenn hier noch viel mehr Elemente mit hineinspielen. Die futuristischen Techno-Skizzen von Shirly etwa, das psychopathische Headrush, das wallende Naked by Nine und auch das fast schon poppige Paprika. Jeder Track ein freischwebendes Gedicht im Raum. (Preview)

Andy Stott – Luxury Problems (Modern Love)

Natürlich war Andy Stott schon immer einer der ungewöhnlichsten Künstler im Stall von Modern Love, aber dass er mit Luxury Problems so eine Demonstration seines Könnens bietet, hätte dann doch niemand gedacht. Wie die orange-gelbene Nacht über den Straßen Manchesters fliegen hier die musikalischen Partikel durch die Ohrmuscheln, ein ständiges Rauschen, nur durchbrochen von den dahin shuffelnden Beats und den gebrochenen Vocals von Sängerin Alison Skidmore, die hier auf einigen Tracks mal mehr, mal weniger geradeaus singt. Meist aber spielt Stott mit diesen Stimmfragmenten und spielt sie mit einem kompromisslos vor sich hin pumpendem Bass aus, loopt und verschachtelt sie, sodass zum Schluss ebenso viele Fragen wie Erstaunen übrig bleibt. (Preview)

Shortlist

Bersarin Quartett – II
El-P – Cancer for Cure
Grimes – Visions
Shigeto – Lineage
Cat Power – Sun
Bvdub – Serenity
Erdbeerschnitzel – Tender Leaf
Jens Lekman – I Love What Love Isn’t
Claro Intelecto – Reform Club
Tolga Fidan – Rogue
The Boats – Ballads of the Research Department
Flying Lotus – Until the Quiet Comes
Journalist 103 – Reporting Live
Stumbleine – Sunshine Girls

Singles

Koreless – Lost in Tokyo (Vase)

Wenn nicht einer der besten Songs des Jahres, dann wenigstens der definitiv zu kürzeste beste Song des Jahres. Denn mit gerade einmal dreieinhalb Minuten ist Lost in Tokyo eigentlich ein Witz. Aber vielleicht gerade deshalb so magisch, da hauchend wie eine kurze Brise, die durch die neongelben Straßen der Großstadt weht, und dich am Ende kurz um die Nase kitzelt und daran erinnert, wie vergänglich das alles ist. (Preview)

Todd Terje – It’s The Arps (Smalltown Supersound)

Terje war schon letztes Jahr hier dabei, und mit Inspector Norse kommt man auch in diesem Jahr nicht am Norweger vorbei. Die A-Seite dieser EP ist einfach ein wunderbar warmer, hüpfender Disco-meets-House-Track mit einem so hohen Wiedererkennungswert, dass man ihn auch noch drei Floors weiter im Club hört. Der perfekte Einstimmungssong. (Preview)

VA – Pampa 012 (Pampa)

Wie ja einige wissen, ist der Name dieses Blogs einem gleichnamigen Song von Matthew Herbert entliehen. Einem Song, der in einer zweiten Instanz auf seinem Erfolgsalbum Bodily Functions auftauchte. Der Stand-Out-Track auf damals war aber ein anderer, nämlich It’s Only mit Vocals von Dani Siciliano. Zwölf Jahre später hat sich DJ Koze diesen Track nochmals geschnappt und für sein eigenes Label in einen dunkel-betörenden Dancefloor-Schieber verwandelt, der auch ohne Licht ganz hell strahlt. Auf der A-Seite gibt es noch einen angejazzten Dntel-Remix von den Vögeln, der sich ebenfalls hören lassen kann. (Preview)

Shlohmo – Vacation (Friends of Friends)

Es kamen viele gute Sachen an der Ecke von Downbeat, Elektronika und R’n'B in diesem Jahr heraus, an Shlohmo mussten sich fast alle messen. Diese melancholisch-verrückten Beats, die auf der einen Seite typisch kalifornische Entspanntheit an den Tag legen aber gleichzeitig auch eine Melancholie feilbieten und diese EP damit eher etwas für die späteren Stunden machen. The Way You Do ist wohl der bekannteste Track, aber die beiden anderen sind die wahren Gewinner: So schön wie auf Rained the Whole Time mit seiner versetzten Gitarre und dem gefilterten Blues-Vibe hat in diesem Jahr kaum jemand geschwooft. Musik, um seine(n) Liebste(n) in den Arm zu nehmen und den Joint zu reichen.

Lapalux – When You’re Gone (Brainfeeder)

Ganz ähnlich im Sound wie Shlohmo in seiner honigmäßigen Langsamkeit, den dicken Bässen, warmen Synth-Pads und verfremdeten Vocals ist diese EP von Lapalux. Wenn auch etwas freundlicher und verspielter in der Umsetzung. Im direkten Vergleich finde ich Moments vielleicht als Einzeltrack sogar noch eine Ecke besser als The Way You Do, aber da möchte ich jetzt auch keine Haare mehr spalten. (Preview)

Softwar – This Time Around (Future Classic)

Neunziger Jahre House lebt und die Australier von Softwar sind nicht scheu, es auch zu zeigen. Zugegeben, die armeschwingenden Piano-Stabs von This Time Around sind schon borderline in Verbindung mit diesen Vocals, die tatsächlich “You got me feeling real good” lauten. Abgedroschen? Vielleicht. Aber so beschwingt und dreist hat in diesem Jahr sonst kaum jemand einen Sommerhit hinbekommen. Und die anderen Tracks machen mit einem gewissen Metro-Area-Sound das auch schnell wieder wett. So oder so: It’s got me feeling real good! (Preview)

Lauer – Trainmann (Running Back)

Das Debütalbum von Phillip Lauer hat mich überraschenderweise nicht ganz überzeugt, aber diese erste Single war und ist große Klasse. Tensnake darf gleich zweimal als Remixer ran und schiebt als Franceman auf der A-Seite die Discoschaukel an. Besser ist eigentlich nur noch die Flip, auf der er als Tranceman wieder einmal die Melodien kreisen lässt bis auch wirklich der ganzen Tanzfläche schwindlig ist. (Preview)

Sensate Focus – 1.333/5/10

Dass sich Mark Fell, die “aktivere” Hälfte der Clicks & Cutter von SND, in diesem Jahr mehr in Sachen House herumtreibt, hat er spätestens mit seiner Kollaboration mit DJ Sprinkles unterstrichen. Mit Sensate Focus hat er zudem von Editions Mego ein eigenes Mini-Label für seine Experimente spendiert bekommen, die an die geradlinigeren, früheren SND-Sachen andocken und in der typischen Reduziertheit vielleicht nicht zum Tanzen, aber sicherlich zum erstaunten Kopfnicken taugen. (Preview)

Blond:ish – Lovers in Limbo (Kompakt)

Kompakt und ich, wir haben uns irgendwie auseinandergelebt. Dachte ich. Und dann kommen unter dem Namen Blond’ish zwei Damen, von denen ich noch nie etwas gehört habe und beschwören doch wieder irgendwie die guten alten Zeiten. Die Zeiten, als Kompakt noch gute Tanzmusik machte UND den Crossover zu Pop nicht scheute. Und so gibt es hier drei warme House-Tracks mit der vielleicht am schönsten federnden Basslines des Jahres auf It’s Too Late und sanft eingehauchten Vocal-Hooks. (Preview)

Skudge – Fingers/Vessel (Nonplus)

Noch etwas straightes zum Schluss von Skudge, die auch immer besser werden. Zwei ziemlich treibende Technotracks, wovon Fingers über die Dub-Einschläge punktet und Vessel dann eher über die Claps und einen gewissen Retro-Futurismus (autsch) in den Gehörgang gleitet. Funktioniert eigentlich immer, diese Kombination. (Preview)

Compilations/Mixes

Zip – Fabric 67 (Fabric)

Das hätte ich auch nicht gedacht, dass der gute alte Zipster hier noch einmal auftaucht. Nicht, weil ich ihn nicht als DJ schätze, ganz im Gegenteil. Aber irgendwie war Zip doch immer auch etwas berechenbar in seinen Sets. Auch auf diesem Fabric-Mix spannt Franzmann seinen typischen trackigen Soundteppich aus, und nimmt natürlich auch diverse Sachen aus dem erweiterten Perlon-Universum mit auf. Und doch macht mir dieser Mix erstaunlich viel Spaß, weil er sich in der Mitte dann etwas von der anfänglichen Kleinteiligkeit verabschiedet und plötzlich in Retro-House abdriftet. Und genau diese Mischung funktioniert auf die Dauer einer CD dann ziemlich gut und sticht Levon Vincents ebenfalls sehr guten Mix aus dieser Serie aus. (Preview)

Bonobo – Black Sands Remixed (Ninja Tune)

Zwei Jahre nach dem Album nochmal eine Remix-Compilation rauszuhauen, klingt erstmal nach einem Beschiss am Hörer. Doch was sich Ninja Tune hier überlegt hat, ist fett im besten Sinne des Wortes: Eine Doppel-CD mit 23 Tracks ist es am Ende geworden, darauf finden sich Namen wie Floating Points, FaltyDL, Mark Pritchard, Four Tet und Machine Drum. Klar, dass hier nicht nur Gewinner, aber eine durchgängig gute Qualität an Remixen vorhanden ist, die, und das ist das wichtige, den typischen Bonobo-Sound nicht entstellt, sondern um zahlreiche spannende Facetten ergänzt. Und so gibt es hier so ziemlich alles von gediegenem Downbeat bis zum (guten!) Liquid D’n'B und eine Brise Post-Dubstep. Am Ende also doch gut investiertes Geld.

VA – Classic House Grooves: Dope Jams New York City (King Street Sounds)

Nach einem Remix-Album und einem Mix nun noch eine klassische Compilation. Diesmal aus den Tiefer der US-House-Szene, genauer gesagt aus New York. Das ist natürlich eine Geschichte, die keine Compilation in Gänze erzählen könnte, aber Dope James New York City macht einen ziemlich guten Job. Vor allem, weil sie von den Conga-Smashern bis hin zu den 90er-Jahre-Vocal-Hits und einem Schwenker über die Piano-House-Szene fast das gesamte Feld absteckt, ohne dabei cheesy zu wirken – auch wenn House-Musik aus New York immer etwas auf der sonnigeren Seite der Tanzfläche angesiedelt war. Und mit einigen Tracks des Ananda Projects (das hier übrigens mal als Wamdue Project einen Hit hatte) gelingt zum Schluss dann auch die Kurve ins neue Jahrtausend. (Preview)

Künstler des Jahres

Dominick Fernow/Vatican Shadow/Prurient

Einer der für mich immer noch faszinierendsten Künstler aller Zeiten ist der schon längst verstorbene Brite Bryn Jones aka Muslimgauze. Auch deshalb hat mich Dominick Fernow in diesem Jahr schwer beeindruckt, denn der Amerikaner ist Bryn Jones in vielerlei Hinsicht sehr ähnlich. Er ist zum einen ein eher verschlossener und zurückhaltender Mensch mit einem schier unglaublichen Output: Ein knappes Dutzend waren es in diesem Jahr allein als Prurient und Vatican Shadow (und vielleicht noch eine gute handvoll als Rainforest Spiritual Enslavement, auch wenn dessen Identität noch nicht bestätigt wurde). Als Prurient ist er schon seit einiger Zeit auf seinem Label Hospital Productions in Sachen Noise unterwegs, zumeist auf extrem limitierten CD-Rs oder gar Kassetten. Auch das war eine Eigenschaft von Muslimgauze, dessen Alben meist nur äußerst limitiert zu haben waren.

Die größte Gemeinsamkeit aber zeigt sich im Sound, den Fernow seinem zweiten großen Projekt Vatican Shadow gewidmet hat: Es ist eine Michung aus Elektronika, Ambient und nahöstlichen Klängen, ein ständiges, nervöses Rauschen und Scheppern inmitten metallener Percussion, übersteuerten Bässen und klaustrophoben Dubschwaden, die ebenso faszinierend wie herausfordernd ist. Die meisten Releases erschienen auch hier auf Hospital Productions, aber für Ornamented Walls haben sich auch die Jungs von Modern Love eine EP eingekauft. Und als wäre das nicht genug, spielt auch Fernow mit einer gewissen politischen Subversität in Covergestaltung und Auswahl der Songnamen.

Muslimgauze ist tot, aber in Vatican Shadow hat sein Sound einen würdigen Erben gefunden. Meine Empfehlung für Einsteiger: Atta’s Apartment Slated For Demolition, das es auch digital gibt und vergleichsweise zugänglich ist oder Kneel Before Religious Icons:

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So. Das war’s, macht’s gut, und auf ein schönes Jahr 2013!

CC-Titelbild: lumirefl/flickr

Was definiert einen musikalischen Durchbruch? Die Anzahl der veröffentlichten Platten in einem bestimmten Zeitraum? Die Nummer der Auftritte, gegebenen Interviews, Facebook-Fans? Oder einfach nur die Tatsache, dass man zur richtigen Zeit am richtigen Ort ist. So jedenfalls würde wohl der Augsburger DJ und Produzent Daniel Bortz seinen jüngsten Erfolg erklären. Nach mehreren Jahren als DJ und zahlreichen 12″-Veröffentlichungen, ist Bortz spätestens im vergangenen Jahr im internationalen Geschäft angekommen. Mit seiner neuen Platte auf dem Berliner Label Suol im Schlepptau trafen wir Bortz in Berlin zum Gespräch.

Daniel, du bist gerade auf dem Weg auf ein Festival und die Saison geht gerade erst los. Bist du ein Fan von Festivalgigs?

Ach, das kann ich gar nicht richtig sagen, denn ich habe noch nicht auf allzu vielen gespielt und war auch selbst früher nie auf Festivals. An und für sich spiele ich sehr gerne draußen auf Open-Airs, aber Festivals sind natürlich immer noch etwas größer. Ich bin eigentlich kein Fan von großen Line-ups, sondern mag es lieber beschaulich. Mir sind auch die anderthalb oder zwei Stunden, die man auf Festivals hat, eigentlich zu kurz.

Was wäre denn deine ideale Set-Länge?

Das kommt natürlich immer auf die Stimmung, das Publikum und den Club an. Drei Stunden finde ich schon in Ordnung, aber ich habe auch schon viele längere Sets gespielt. Wobei ich aber auch kein Fan von Partys bin, die nicht mehr aufhören. Ich finde es schon ok, wenn es dann zu Ende ist und es ein schöner Abend war.

Jede Party muss irgendwann vorbei sein.

Ich finde das einfach angenehm wenn alle Besucher mit einer guten Erinnerung an die Nacht gehen. Das ist doch schöner als wenn es sich irgendwann verläuft und am Ende nur noch zehn Hansel rumspringen. Dann fragt man sich schon, ob die letzten zwei Stunden denn jetzt wirklich noch sein mussten. Ich mag auch keine Location-Wechsel oder Doppel-Bookings. Wenn es auf einer Party vorbei ist, dann ist es in der Regel auch gut.

Es ist fast vermessen, dich als Newcomer zu bezeichnen. Würdest du trotzdem sagen, dass im vergangenen Jahr so etwas wie dein Durchbruch war?

Ich sehe es als “gesundes Wachsen”, wie man so schön sagt. Ich kannte immer schon gute Leute, aber ich war einfach nie der Typ, der Promos verschickt hat oder sich in irgendeiner Form aufgedrängt hat. Keine Ahnung, vielleicht ist jetzt einfach der richtige Zeitpunkt für die nächste Stufe. Ich bin ganz froh darum, weil ich mit meiner Erfahrung auch die “großen” Gigs sehr entspannt angehen konnte, als sie dann kamen.

Es ist das Gleiche, ob du nun in Augsburg oder Ibiza auflegst.

Mehr oder weniger, ja. Die Aufgabe ist ja immer ähnlich: Ich möchte das Publikum begeistern. Natürlich ist man immer etwas euphorischer, wenn man in einem super Club mit einer super Anlage und supercoolen Leuten auflegt, die auch die eine oder andere Überraschung mitmachen. Das ist doch ganz klar. Aber bin ich aufgeregter? Nö.

Erzähl uns etwas über Augsburg. Gibt es dort eine House-Szene?

Augsburg ist halt eine klassische Kleinstadt und alles ist viel ruhiger, verhaltener. Es gibt in Augsburg aber viele Künstler, darunter sehr tolle Grafiker beispielsweise. Und was viele nicht wissen, ist das Augsburg eine der größten Band-Dichten Deutschlands hat. Es gibt sehr talentierte Jazz-Musiker, eine kleine Hip-Hop-Szene, und natürlich auch ein paar Leute, die House und Techno machen. Man muss aber auch sagen, dass die Stadt schon sehr spießig ist und diesen Leuten nicht allzu viel Support bietet. Man muss sein Ding schon selbst in die Hand nehmen, deswegen ist alles etwas eigenbrötlerisch.

Siehst du es als Herausforderung, dort etwas aufzubauen?

Es ist schon so etwas wie eine Aufgabe oder eine Mission mein Ding in „meiner“ Stadt zu machen. Das Schöne ist ja, dass man dabei die Möglichkeit hat, auch vielleicht mal etwas anderes zu machen, eine Alternative quasi. Vielleicht mal Musik zu spielen, die man vielleicht kennt, aber nicht so oft in Clubs hört.

Zurzeit versuche ich auch andere junge House- und Techno-Produzenten anzuregen und etwas zu pushen. Ich helfe einigen Leuten ein wenig bei den technischen Dingen, bei den Arrangements oder auch beim Abmischen. Ich glaube, wir bauen uns gerade in Augsburg ein kleines Netzwerk auf.

Deine Tour führt dich demnächst auch nach Nordamerika. Ist es dein erstes Mal dort?

Ja, ich war nur letztens schon einmal in Südamerika. Aber ich muss sagen, dass ich bevor es mit dem Auflegen richtig losging noch nirgends war [lacht]. Ich bin das erste Mal überhaupt erst 2009 geflogen weil ich einen Gig hatte.

Versuchst du, das nun irgendwie aufzuholen?

Schön wäre es, aber leider bleibt dazu doch sehr wenig Zeit, weil der Tourplan meist eng gestaffelt ist. Aber wenn ich an einem Wochenende mal eher da bin versuche ich schon, mir die Stadt anzusehen. Es bleiben zumindest kurze Eindrücke, die man mitnimmt.

Ist es für dich als House-Produzent etwas Besonderes, in Städten wie Chicago oder New York zu spielen?

Du meinst wegen der Geschichte? Ich bin zwar mit der Musik und den alten House-Platten aufgewachsen, aber über die Jahre hat so ein krasser Generationswechsel stattgefunden, dass mir inzwischen andere Sachen wichtiger sind. Ich sehe die Dinge immer nur aus der jetzigen Perspektive. Natürlich haben diese Städte eine Geschichte, aber merkt man das heute noch wenn man dort ist? Heutzutage ist doch die Musik viel globaler und zerstreuter. Die jungen Clubbesucher in New York haben doch heute nicht mehr Bezug zu Platten aus New York als zu Platten aus Berlin.

Wie schaffst du es bei deinem vollen Tourplan überhaupt noch nebenbei zu produzieren?

Das frage ich mich auch [lacht]. Aber ernsthaft, Ich habe momentan nicht wirklich Zeit zum Produzieren, ich sammle lediglich Ideen, zum Beispiel wie ich mein Sounddesign noch etwas optimieren kann, beim Abmischen und so. Ich habe zwar probiert, auch mal während der Reisen zu produzieren, aber das geht nicht. Ich kann nicht nur mit Kopfhörern Musik machen, keine Chance.

Wenn du produzierst, dann setzt du dich also auch mal länger in dein Studio?

Ich bin eigentlich ein klassischer Nerd: Seit ich 12 bin, habe ich Platten gesammelt, aufgelegt und in meinem Zimmer gesessen und Musik gemacht. Ich bin aber auch ein einsamer Musiker; wenn ich dann mal die Zeit habe, sitze ich öfters auch mal die ganze Nacht im Studio und produziere dabei auch sehr viele Tracks.

Wie hat sich deine Musik entwickelt über die Jahre?

Als ich angefangen habe, habe ich vor allem eher Downbeat, Trip-Hop und auch ein paar experimentelle, schräge Sachen gemacht, teilweise auch ein bisschen arty. Ich hab auch Hip Hop gemacht, mit Freunden gerappt und so. Mir ist wichtig, dass ich mich dabei nicht langweile. Ich will mich nicht im Studio langweilen, ich will mich nicht hinter dem DJ-Pult langweilen, und ich will mich auch nicht auf einer Party langweile. Also probiere ich Sachen aus, die auch mal komisch sein dürfen. Dafür muss man sich auch nicht schämen.

Wann bist du dann zu House gekommen?

House und Techno habe ich eigentlich schon immer aufgelegt. Ich finde, das muss sich auch alles gar nicht ausschließen. Ich versuche zum Beispiel, meine Musik Hip-Hop-mäßig abzumischen.

Inwiefern?

So vom Klangbild her: Ich versuche, mich auf Bassdrum, Claps und Snare zu konzentrieren, möglichst wenig Höhen zu verwenden und die Frequenzen im oberen Bassbereich anzuheben. Man stellt sich ja immer die Frage, wie man klingen möchte. Ich wollte eigentlich immer diesen Hip Hop und R&B Sound haben.

Viele deiner Produktionen enthalten Vocal-Samples, die durchaus dem R&B entstammen könnten. Hängt das damit zusammen?

Vocals fand ich schon immer geil – auch in elektronischer Musik. Sachen wie Blake Baxter, die Dance Mania Sachen aus Chicago, düstere, runtergepitchte Vocals oder Loops. Da kommt glaube ich alles zusammen, meine Liebe für Hip Hop auf der einen und Techno auf der anderen Seite. Es gab auch eine Zeit, in der ich viel poppige Musik produziert habe, sehr melodiös, nach klassischen Radio-Arrangements produziert, mit Gesang und allem.

Sind die Sachen jemals rausgekommen?

Nein. Manchmal bist du für Underground zu Pop und für Pop zu Underground, wenn du weißt was ich meine. [lacht] Jetzt gerade könnte es wieder funktionieren. Aber hey, ich sehe das nicht so ernst. Man muss nicht alles veröffentlichen. Ich gab ohnehin ein paar Releases, die ich heute vielleicht rausgestrichen hätte…

…das ist eine ungewohnte Aussage für einen Produzenten.

Ach, weiß ich gar nicht, ich glaube das geht doch noch einigen anderen so. Ich sag mal: Ich möchte heute nur noch Platten veröffentlichen, die ich auch selber spiele. Und das war in der Vergangenheit nicht der Fall. Versteh mich nicht falsch, ich weiß, was ich mit diesen Sachen gemeint habe und welche Stimmung sie transportieren sollten, aber sie passen einfach nicht mehr in meine Sets. Vielleicht, weil ich mir damals schon unsicher war, ob ich sie überhaupt rausbringen möchte und bei einigen Sachen auch die Labels habe entscheiden lassen. Das würde ich heute nicht mehr machen. Heute sag ich ganz klar „so und so möchte ich die EP machen, keine Remixe“.

Moment, du möchtest keine Remixe von deinen Tracks haben?

Es gab auch schon einen Remix von einem meiner Tracks, mit dem ich sehr zufrieden war. Und natürlich gibt es viele andere tolle Remixe. Aber es gibt eine Überflutung an Tracks, und mich nervt dieser Remix-Wahnsinn ungemein.

Manchmal hat man das Gefühl, dass sich Platten nur verkaufen, weil ein bekannter Remixer draufsteht.

Ganz genau, das versuche ich zu verhindern. Wenn ein Track nicht gut genug ist, und man noch einen Remix braucht, dann braucht man ihn auch nicht rausbringen. Ich kann schon verstehen, dass viele Newcomer sich hier von Labels beeinflussen lassen. Mir ging das ähnlich, ich habe auch einige Zeit gebraucht, um auch das Selbstbewusstsein und die Erfahrung zu haben, meine Meinung durchzusetzen.

Deine aktuelle Platte Heal the World beispielsweise scheint nochmal etwas langsamer zu sein als die vorherigen, oder?

Stimmt, ein Track läuft auf 99 bpm. Ich persönlich finde die Sachen um die 100 bpm sehr geil, vielleicht kommt das auch durch meine Liebe zu Downbeats. Leider spricht jeder von einem ‚Slow-Mo‘, Deephouse-Vibe, der meiner Meinung nach aber so gut wie nicht vertreten ist in den Clubs. Es gibt zwar eine Szene für diesen langsamen, diskoiden Sound, aber nur wenige Leute spielen diese Sachen auch. Ich komme selbst nicht dazu, weil ich oft zur Primetime auflege und vor mir und nach mir noch andere spielen.

Warst du froh, dass Suol diese Stücke auch angenommen hat?

Definitiv, auch wenn ich gestehen muss, dass ich das Label vorher gar nicht auf dem Schirm hatte. Ich habe einfach ein paar Stücke an befreundete DJs in Berlin weitergegeben, von denen dann der ein oder andere bei Suol angekommen ist. Die haben mich dann angeschrieben und wollten einen Track haben. Am Ende wurden es dann noch drei andere. Ich habe bei den ersten Telefonaten mit den Jungs schnell erfahren, dass sie auch auf diesen langsameren Sound stehen. Das finde ich sehr schön – ein Label zu haben, die auch mal Tracks auf 100 bpm rausbringen. Das gibt es tatsächlich gar nicht so oft in dieser Szene.

Info: Dieses Interview ist zuerst auf Resident Advisor erschienen.

Titelbild: Anna Massignan

Es hat Tradition. Nicht nur der alljährliche TheLastBeat-Jahresrückblick, der nun schon in die sechste Runde geht, sondern auch die Tatsache, dass er immer etwas später kommt als der Rest. Mea culpa. Aber immerhin kann niemand sagen, wir hätten nicht wirklich bis zum Schluss gewartet.

Manchmal braucht es das ja auch, dieses in-sich-Gehen am Jahresende. Wenn man das Jahr noch einmal Revue passieren lässt, mit seinen Höhen, Tiefen und den Songs, die das alles begleitet haben. Und was war das für ein Jahr: Gefallene Schurken, düpierte Politiker, die Krise, die Katastrophen.

Schade nur, dass es musikalisch eher so mittelspannend war – aber sage ich das nicht schon seit Jahren? Und doch: wenn schon Bands wie Radiohead anfangen, belanglose Platten unter das Volk zu bringen (ich weiß noch nicht einmal mehr, wie das Album hieß), muss doch irgendetwas nicht stimmen. Vielleicht liegt as auch nur an mir. Denn es gab ja doch die ein oder andere Überraschung: Disco und der Edit feierten spätestens dieses Jahr ein Comeback, Dub- und Half-Step wildert einmal mehr in anderen Genre-Gefilden und bandelt stark mit Juke an. Und plötzlich entdecken auch die House-Produzenten wieder Ambient für sich. Wie sonst lassen sich die zahlreichen beatlosen Passagen auf vielen Alben erklären? Also vielleicht ist doch alles gar nicht so schlecht.

Nun denn, auf zum Hauptgang. Da ich persönlich dieses Jahr noch weniger Singles gehört habe als zuvor und von den Bestenlisten der einschlägigen Seiten bestenfalls ein Viertel kenne, gibt es dieses Jahr auch entsprechend weniger 12″s. Dafür allerdings eine Extra-Dosis Alben. Und während meine Liste fast schon erschreckend vorhersehbar ist für alle, die diese Rubrik länger verfolgen, hat der werte Kollege Kai/Rydm dann doch noch ein paar Obskuritäten ausgegraben. Viel Spaß.

Eikes Alben des Jahres

The Weeknd – House of Balloons / Thursday

In der Jahresendausgabe der De:Bug wurde diese Platte heiß diskutiert: Handelt es sich bei The Weeknd etwa nur um einen Marketingstreich? Ist die Platte nicht viel zu gut produziert, um wirklich in irgendeinem Wohnzimmer entstanden zu sein? Sind diese Texte über Drogen und Sex nicht zu affektiert für einen gerade Mal 20-jährigen? Es sind berechtigte Fragen, die sich nach dem sensationellen Debüt von Abel Tesfaye stellen, als er es im Frühjahr gratis im Netz veröffentlichte. Fakt ist, dass Tesfaye seitdem noch zwei andere Alben in ähnlicher Form rausgehauen hat, und bis zum Spätsommer keinerlei Gigs spielte – ein finanziell wohl eher unerfolgreicher Marketingstreich. Und dann ist da ja noch diese eigenartige Mischung aus Musik und Text, dieser abgefuckte Post-R’n'B, der sich um “Kokain und Koitus” dreht, wie ich das im Sommer geschrieben habe. Das mag eine Masche sein, in seiner Wirkung büßen House of Balloons und der Nachfolger Thursday nichts ein. The Weeknd hat reingehauen wie ein Schlag in die Magengrube – den anschließenden Auskotz gab es inklusive.

Gang Gang Dance – Eye Contact (4AD)

Der Track des Jahres? Glass Jar von Gang Gang Dance. Ein sechs minütiges Intro mündet in das wohl beste Perkussionsegment des Jahres und entlädt sich in einer Energie, die in dieser Form kaum jemand hinbekommen hat. Die New Yorker Truppe hatte das immer schon ansatzweise in sich, ist aber in der Vergangenheit gerne Mal über ihre eigenen Ambitionen und Ideen gefallen. Auf Eye Contact machen sie eigentlich alles richtig: Die Synths sind immer noch futuristisch, aber weniger ausufernd, Lizzi Bougatsos darf endlich richtig singen und in den nahöstlich-asiatischen Grooves etabliert sich tatsächlich so etwas wie ein Leitmotiv. Trotzdem bleibt das stellenweise immer noch eine grenzwertig wahnwitzige Mélange, aber wenn sich Tracks wie Chinese High dann doch plötzlich und ganz ungezwungen öffnen weiß man, dass das doch alles irgendwo Pop ist. Live übrigens auch ganz große Klasse.

Ada – Meine Zarten Pfoten (Pampa)

Hätte man sich denken können, dass die Platte hier auftaucht, oder? Einfach, weil ich über die Jahre zu viele Ada Platten in den Himmel gelobt habe. Aber lag ich damit jemals falsch? Ich glaube nicht. Meine zarten Pfoten ließ als Nachfolger des eponymen Blondie stolze sechs Jahre auf sich warten und klingt genau so, wie man es gerade nicht erwartet hätte: Größtenteils selbst oder mit anderen Akustik-Musikern eingespielt, hat sich Ada vom bratzigen Elektro-Appeal ihrer Areal-Platten verabschiedet und packt hier für Pampa endlich die Vision von Pop aus, die sie eh schon immer in sich hatte. Das ist und bleibt großartig, diese Mischung aus Coversongs (Faith, The Jazz Singer), seltsamen Akustik-Interludes (Likely), verkappten Pop-Schunklern (Happy Birthday) und dann doch wieder ganz eigen- und einzigartigen Techno-Verschnitten (At the Gate, Intro). Und spätestens nachdem Ada mit Anke Engelke im ZDF quatschte, bekommt sie auch die Aufmerksamkeit, die sie schon lange verdient.

Destroyer – Kaputt (Merge)

Als ich die ersten Rezensionen von Destroyer sah, dachte ich sofort an irgendeine Retro-Punk-Rock-Band. Ich mein, die Truppe nennt sich “Destroyer” und das Album heißt fieserweise auch noch ironisch-deutschtümelnd “Kaputt” – ist das euer Ernst? Ich wollte schon die 70er anrufen und fragen, ob sie einen Act vermissen. Umso überraschender die Musik, die sich hinter dem Namen versteckt: Sehr anmutige, gefühlvolle Gitarrenmusik mit 80er-Jahre-Einschlag, die sich auch nicht zu peinlich ist, auch hier und da das Saxofon oder große Gitarren-Soli auszupacken. Wenn Retro immer so klingen würde wie Kaputt, man könnte sich fast dran gewöhnen.

Occam – My Rorschach (Pimodan)

Aus der Kategorie “Unerwartet” kam zum Jahresabschluss dieses Album aus Ungarn daher. Tibor Lázár alias Occam, ein Drummer und Produzent aus Budapest, hat sich von seiner sonstigen Musik gelöst und ein Album mit neunköpfiger Band aufgenommen, das an das Cinematic Orchestra in seinen besten Zeiten erinnert. Eine latente Jazzigkeit begleitet dabei den Hörer, die aber geschickt in ein Netz von feinfühliger Elektronika und Dub vorwoben ist, das My Rorschach wiederum eine durch und durch mysteriös-faszinierende Note verpasst.

Fennesz + Sakamoto – Flumina (Commons)

Der Österreicher Christian Fennesz und der japanische Großmeister Ryuichi Sakamoto haben über die Jahre schon mehrere Platten gemeinsam veröffentlicht. Flumina ist von allen die umfassendste – und vielleicht auch beste. Ein Doppel-Album mit 124 Minuten von Fennesz’s dekonstruierter Gitarrenschleifen und perlender Elektronika, die weiterhin großartig mit den reduzierten Klavierfragmenten Sakamotos ergänzt wird. Ein Album wie aus einem Guss, wie ein zweistündiger, sehnsüchtiger Blick auf das wogende Meer des Covers.

Desolate – The Invisible Insurrection (Fauxpas)

Kommt mir schon viel älter vor, dieses Album. Vielleicht liegt es aber auch nur daran, dass Sven Weisemann hier als Desolate tatsächlich stark auf der Burial-Schiene fährt. Das spricht natürlich zu erst einmal für den Engländer, dass sein Sound nun schon zum Paradigma geworden ist. Aber Sven Weisemann weiß natürlich auch, dass er sich in gefährliches Gebiet wagt. Dass The Invisible Insurrection trotz ähnlicher Stimmungen und Samples nicht als billige Kopie zu verstehen ist, liegt nicht zuletzt an Weisemanns Fähigkeit, in die neblige Grundstimmung immer wieder kleine Melodien in Form von Piano- und Streichertupfern einzupflegen. Auch deswegen klingt Desolate am Schluss etwas samtiger und geschliffener als sein Londoner Kollege.

BOY – Mutual Friends (Grönland)

Das Quoten-Pop-Album des Jahres. Musikalisch ist das Debütalbum des Hamburger Duos BOY objektiv betrachtet so spannend wie ein Spiel des HSV, aber dafür sind die Beiden schöner anzuschauen. Spaß beiseite, Mutual Friends besteht tatsächlich aus zwölf schmissigen kleinen Poptracks mit teilweise durchaus cleveren Texten, die natürlich allesamt die Schwierigkeit großstädtischer Zwischenmenschlichkeiten betreffen. Sei’s drum, wenn mir dieses Jahr in der U-Bahn morgens die ganze Elektronik-Scheiße auf die Nüsse ging, habe ich BOY gehört. Und es hat sich gut angefühlt. Und wie kann man einen Song wie Skin nicht mögen? “You can make your life look pretty, add a little Ice & Gin.” Right on.

Steffi – Yours & Mine (Ostgut Ton)

Steffis vermeintlich bester Track in diesem Jahr – das fast schon schmerzhaft traurige Sadness – ist nicht auf ihrem Debütalbum zu finden. Umso erstaunlicher, dass die Residentin der Panorama Bar noch neun weitere Stücke parat hat, die Yours & Mine trotzdem zu einem der besten House-Platten des Jahres machen. Steffi hat das schon mit ihren letzten Singles angedeutet, dass sie es versteht, die ganz großen Gefühle jenseits der Tanzfläche zu wecken, diese für oft so schwer zu fassende Mischung aus Tanzbarkeit und Emotionen. Ein Album das klingt, als würde das Chicago der 80er Jahre noch in irgendeinem Friedrichshainer Hinterhof weiterleben. Aber das würde ihm nicht gerecht werden, es nur auf seine Einflüsse zu reduzieren. Dafür hat Yours & Mine viel zu viel eigenen Charakter.

13 & Ghost – Your Own Ghost (Alien Transistor)

Die zweite transatlantische Kooperation zwischen The Notwist und den Weißbrot-Indie-Rappern von Themselves klingt erstmal so, als hätten beide Seiten ihre eigenen Stücke aufgenommen. So gesellen sich rumpelnde Hip-Hop-Cuts zum typischen Weilheimer Klanguniversum. Und doch, hört man genauer hin merkt man, wie genau hier alles ineinander greift, wie Markus Achers leicht pathetischer Gesang mit den naselen Raps eines Doseone fusionieren und die kargen MPC-Beats von Jel mit den Gitarrenklängen harmonieren. Das ist und bleibt einfach spannend, diese Mischung zu hören. Und auch wenn sich Your Own Ghost thematisch vor allem um die eigene Vergänglichkeit und den Tod drehen, hat man am Schluss doch immer das Gefühl, dass es immer einen Ausweg gibt.

Moomin – The Story About You (Smallville)

Das erst dritte Album auf Smallville gehört hier rein, weil es einfach so wunderbar verschroben ist. Natürlich ist das alles (Deep-)House, was uns Moomin hier um die Ohren haut, aber gleichzeitig auch eine wahre Wundertüte an Referenzen. Diese kantigen Oldschool-Perkussion von Neither One, diese schunkelnden Basslines von I Wanna und nicht zuletzt auch das digitale Rauschen von Raw Like 97 – Moomin groovt sich hier einmal ungeschoren durch die Geschichte und ist trotzdem nur schwer zu definieren. Das ist weder was für den Dancefloor noch fürs Wohnzimmer, sondern irgendwo dazwischen, fast schon akademisch das Ganze. So etwas wie House für die Bibliothek vielleicht.

Lars Leonhard – 1549 (BineMusik)

Fieldrecordings treffen auf Dubtechno, so in etwa könnte man die Essenz von Lars Leonhards 1549 zusammenfassen. Tatsächlich ist das eines dieser Alben, deren Detailtiefe und Facettenreichtum sich erst beim mehrmaligen Hören erschließen. Denn es ist immer was los, selbst wenn es zuerst gar nicht so zu sein scheint. Sehr dicht, mit warmen Pads und Flughafen-Samples. Musik zum Reisen, wie man so schön sagt. Funktioniert aber auch für alle Daheimgebliebenen.

Grouper – AIA: Alien Observer / Dream Loss (Yellow Electric)

Meine Wertschätzung für Liz Harris dürfte weitreichend bekannt sein. Daran wird sich auch nichts ändern, wenn sie weiterhin Alben wie in diesem Doppelpack veröffentlicht. Etwas weniger Lo-Fi (aber deswegen noch lange nicht mehr Hi-Fi) als auf den letzten Alben, verschließt sich Grouper einmal mehr im dronigen Ambient-Kabuff. Ihre ätherische Stimme dringt aus dem Nebel hervor, lockt den Hörer an, umgarnt ihn und zieht ihn dann immer weiter in die Dunkelheit hinein, in dieses Klanguniversum voller kleiner Partikel aus Gitarren, Feedback, versteckten Pianos und sanfter Elektronika. Grouper klingt immer noch wie ein Polaroid aus vergangenen Zeiten. “Hauntology” war dieses Jahr ein vielzitierter Begriff. Grouper hat glaube ich niemand darunter subsummiert. Wieso eigentlich nicht?

Nebraska – Displacement (Rush Hour)

Na klar, Rush Hour darf ja irgendwo nicht fehlen dieses Jahr. Auf seinen Platten war mir Ali Gibbs aka Nebraska dann doch auf Dauer immer etwas zu schnarchig, auch wenn mir zwischen der Pop-Einschlag zwischen den House-Entwürfen doch ganz gut gefallen hat. Displacement setzte die Baupläne in die Tat um. Das Album ist mutiger als die Singles, lässt neben House auch Disco einfließen und ist sich nicht zu schade, an der ein oder anderen Stellen auch mal für Verwunderung zu sorgen. Zum Beispiel wenn Gibbs hinter die Streicher- und Synthie-Schaufel mal eben einen Ambient-Track einfließen lässt. Natürlich ist und bleibt das alles sehr retro – diese Disco-Chords, diese glitzernden 80er-Jahre Vocals. Aber immer gediegen und gut abgeschmeckt. Und wie viel besser ist die Albumversion von This Is The Way eigentlich?

The Kilimanjaro Darkjazz Ensemble – From the Stairwell (Denovali)

Zugegeben, vielleicht eine Konsens-Entscheidung, weil ich das KDJE in den letzten Jahren sträflich übersehen habe. Dabei ist dieser “Doom Jazz”, den das internationale Kollektiv um Jason Kohnen (Bong Ra) in den letzten vier Jahren perfektioniert hat, einfach ziemlich große Klasse. Düster, intensiv, eindringlich. Saxophone, die die Luft zerschneiden, abstrakte Drumpattern und flirrend-aufgeladene elektronische Teilchen sorgen für den musikalischen Overkill – im allerbesten Sinne. Das ist Musik für die Endzeit; Musik, die dem drohenden Untergang noch ein letztes Mal ins Gesicht spuckt, weil sie so viel größer ist. Also quasi der perfekte Soundtrack für das kommende Jahr.

The Go! Team – Rolling Blackouts (Memphis Industries)

Fast vergessen hätte ich die dritte Platte des Go! Teams, das sich auf Rolling Blackouts schon ganz am Anfang des Jahres wieder auf die alten Stärken besann: Rollend-krachende Drums, absolut wahnwitzige Bläsereinsätze mit 70er-Jahre-Funk-Einfluss und massentauglichen Call-and-Response Texten. Und doch: Über allem steht da trotzdem eine gewisse Pop-Affinität, die den Hörer immer wieder zum Mitsingen bringt. Das macht einfach Spaß und klingt weiterhin so, als wäre es in einer Garage in Brighton aufgenommen und abgemischt. Kurz, sympathisch wie eh und je.

Knowone – LP001 (Knowone)

Ja wie heißt der Künstler nun? Unknown Artist, Knowone oder steckt hinter allem nun doch tatsächlich Brock van Wey alias Bvdub? Zumindest auf der ersten LP des obskuren Labels könnte man das sicherlich vermuten. Die typischen Bvdub-Flächen, Stimmungen und sehnsüchtigen Geangsfragmente sind hier definitiv vorhanden, allerdings ist das alles mit einer starken House-Note in Form von 4/4-Kickdrums oder dezenten Breaks ausstaffiert. Deephouse und Ambient haben in diesem Jahr selten so gut zusammengepasst.

Machine Drum – Room(s) (Planet Mu)

Ich erinnere mich noch an die verkopften Hip-Hop-Experimente von Travis Stewart auf Merck, als er vor fast zehn Jahren als Machinedrum anfing. Wer hätte gedacht, dass es ihn über eins, zwei etwas prollige Umwege eines Tages zu Planet Mu verschlägt? Tatsächlich macht das aber im Rückblick aber alles Sinn: Diese Mischung aus Half-Step, Juke und Futuretech auf Room(s), die vielleicht zu den im diesen Jahr prägendsten und spannendsten überhaupt zählte, ist quasi die Essenz aus all den mannigfaltigen Einflüssen, die Stewarts Musik schon immer inne hatte. Nur diesmal ist es fokussierter, mit einem klaren Sound vor Augen, auch wenn sich die Samples, Beats und Vocals noch immer gerne mal überschlagen dürfen. Eines der Alben des Jahres, keine Frage.

Sepalcure – Sepalcure (Hotflush)

Und wir schon dabei sind, dann gleich Travis Stewart mit seinem zweiten Streich in diesem Jahr: Unter dem Namen Sepalcure ist er mit seinem alten New Yorker Kumpel Praveen auf Hotflush unterwegs. Der Stil ist dem von Room(s) nicht ganz unähnlich, allerdings merkt man einigen Stellen Praveens Einfluss in den Melodien heraus, die hier doch ausgeprägter und weitreichender sind. Deswegen klingt Sepalcure im Vergleich auch etwas geschliffener, zurückhaltender und vielleicht auch einen Tick emotionaler. Wenn Room(s) der Soundtrack für den Club ist, dann kommt Sepalcure quasi auf dem Nachhauseweg. Müsste ich zwischen beiden wählen – ich könnte es trotzdem nicht.

Tim Hecker – Ravedeath 1972 / Dropped Pianos (Kranky)

Gleich zwei Alben (ok, sagen wir anderthalb) brachte Tim Hecker in diesem Jahr heraus. Ravedeath 1972 geht dabei noch die bekannteren Wege, ohne gewöhnlich zu sein: Das Grundgerüst des Album besteht nämlich diesmal aus Aufnahmen, die Hecker an einem Tag in einer Kirche in Reykjavik machte – größtenteils mit der dortigen Orgel. Das Ganze wurde anschließend ordentlich durch die Filter und Effekte gejagt, und mit der fast schon typischen nordisch-kristallinen Schärfe versehen, die sich seit jeher durch Heckers Oeuvre zieht. Die gibt es auch auf Dropped Pianos, allerdings diesmal mit klaustrophobischen Klavierklängen versehen, die offenbar aus der gleichen Session stammen. Als Doppelpack sicherlich eines meiner meist gespielten Alben in diesem Jahr.

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Kais Alben des Jahres

Peaking Lights – 936 (Not Not fun)

Schön im Feierabendverkehr auf der A3 in Richtung Main-Metropole brausen. Orange-weiße Lichterketten schieben sich in der Dämmerung endlos über die Hügel, der Dunst steht lauwarm, violett verfärbter Ozonlochhimmel, Arme baumeln aus den Fenstern, Sonnenbrillen werden verschwitzt zurechtgerückt. Der Sommer 2011 ist für immer mit dem Bongogetrommel von Amazing Wonderful durchtränkt. Diese Leichtigkeit! Die beiden Hippieschrullen Aaron Coyes und Indra Dunis zeigen auf 936, wie man mit vollkommen verpeiltem Gejamme den Nerv und die Herzen trifft. Never heard of digital, let’s record straight to tape. Eine tolle Doku schwirrt von den Beiden im Netz. Der verhuschte Aaron lötet darin in seinem Keller Geräuschgeneratoren aus Elektroschrott zusammen. Er weiß nicht genau, wie das alles funktioniert, aber der Sound stimmt und schwingt. Dann kommt Indra aus der Küche mit der Gitarre und die Studer wird für eine Runde Psy-Dub-Pop angeschmissen. Keine Frage: Der Himmel des Großstadtdschungels klang in diesem Jahr nach den lila Trommeln von 936.

Tiger & Woods – Through The Green (Running Back)

2011 war das Jahr, in dem der Disco-Edit endgültig wiederbelebt wurde. Wenn ein Album für das Revival steht, dann war es Through The Green des Duos Tiger & Woods. Wer dieses Jahr eines der Live-Sets der Beiden in den Knien und Hüften spüren durfte, weiß, die Krone ist mehr als verdient. Mehr Enthusiasmus und Fingerspitzengefühl bei der Reanimation von 80er Discogassenhauern wie beispielsweie The Way You Make Me Feel von Clarity geht nicht. Frei nach der Devise “Cheese raus, Groove rein” loopen sich Tiger & Woods auf Through The Green durch zwei Jahrzehnte Diskokugel. Wem haben die beiden Knaller Love in Cambodia und Gin Nation vor lauter naivem Swing nicht die Tränen in die Augen getrieben und die Schweißbänder nass gemacht? Wer steckt denn nun hinter den beiden Diskohaubitzen? Spekulieren wir doch mal. Sie kommen aus dem Umfeld des Robert Johnson, soviel ist klar. Und welcher Resident dort steht wie keine anderer für die 80er-Madness? Oliver Hafenbauer natürlich. Nummer zwei kann dann nur sein Kollege Manuel Raven sein. Möglich wäre auch Christian Beißwenger, besser bekannt als CB Funk und Teil von Arto Mwambe. Mit letzterem veröffentliche Hafenbauer bereits eine EP als B.H.F. Tiger & Woods brauchen definitiv mehr Google-Einträge. Ist doch kein Tennis.

BNJMN – Plastic World (Rush Hour)

Orgiastische 360°-HiFi-Welten mit clubtauglicher Tanzbarkeit verbinden geht nicht. Denkste dir jahrelang, die Tiefe des Klangerlebnis Club reicht nur 10 Meter, sonst springt das Glas. Und dann präsentierten die Niederländer von Rush Hour 2011 aus dem nichts BNJMN. Der Engländer Ben Thomas ging auf dem legendären Label gleich mit zwei Alben an den Start. Das erste reicht schon, um komplett aus den Latschen zu kippen. Es klingt vertraut, es klingt nach Zukunft, aber einordnen lässt es sich nicht. Nur so sollte wirklich traditionsbewusster Techno sein: Grenzen sprengend und vollkommen überraschend. Wer bei Depressure oder Ocean Spray den Kopf vor lauter Endorphinen nicht in den Nacken legt und sich ins Glück wiegt, ist raus.

Kode9 & Spaceape – Black Sun (Hyperdub)

Der bekannteste Dubstep Künstler ist heute Skrillex. Genre-Papa Kode9 gehört dagegen fast schon zur Oldschoolgarde des gerade mal rund zehn Jahre alten Stils. Vielleicht nimmt Steve Goodman 2012 endlich mal die Papiertüte vom Kopf, die er auf zahlreichen Bildern trägt. Nur an der Universität rumhängen und irgendwas von Soundkrieg in den Bart nuscheln, kann doch auf Dauer nicht befriedigen. Goodman, setzt dir auch mal so eine Nerdbrille auf, rasiere dir einen Undercut und übe vor dem Spiegel werbewirksame Rockerposen mit dem Midicontroller. Ganz im Ernst, Kode9 ist keineswegs Oldschool. Von Anfang an dabei, beweist er auf Black Sun, dass er auch heute an der Speerspitze mitsteppt. Love is the Drug gehört zu den frischesten Dubsteptracks, die es 2011 gab. Who the fuck is Pisskex?

Omar S – It Can Be Done But Only I Can Do It (FXHE)

Hoffentlich kommt der mal runter von seinem hohen Ross und kassiert Schelte. Was für ein Titel. Aber, Omar S ist auch dieses Jahr unangefochten der Don of Detroit-House gewesen. Verwies sie alle in die Schranken, die Kyle Halls, Kai Alcés und ihre schlechten Kopien. Eure Zeit ist noch nicht gekommen. “Who the hell is Ricardo Willalobo?”. Wetten, Omar strengt sich für so ein All-Killer-No-Filler-Album nicht mal an. Er schüttelt und wiegt sich da einfach in 80er Detroit-Dolphins-Shorts vor seiner Wand aus MPC 2000, Poly Evolver, Roland MC-909 und Waldorf Micro Q. Dann reibt er sich verwundert in seiner mit PVC-Panelen verkleideten Studiogarage die Augen und zack fertig: Here is your Trance now Dance. Gerne und die ganze Nacht durch. Mit so viel Klasse und Elegie konsequent Überraschungen aus den alten Synthieschaltungen gezaubert, war lange nicht mehr.

Ben Sims – Smoke & Mirrors (Drumcode)

Irgendwann ist auch mal Schluss mit dem Auflösen und Mashing der Clubgenres. Wer kann das überhaupt noch? Auf Albumlänge straight, nicht kitschigen und innovativen Techhouse produzieren? Einer der Wenigen, die das dieses Jahr gebracht haben, war Ben Sims. Smoke & Mirrors bedient die Sehnsucht nach hartem Techno. Nichts schranzt, nichts blinkt diskoverdächtig, alles schiebt, verchromt und stromlinienförmig nach vorne und ¬ auch die Mädels lieben es. Sims vergisst nämlich nicht, dass Techno nicht nur hypnotisch sondern auch funky sein darf. Nein, es ist keine “einsame Jungs tanzen dichtgenebelt im dunklen Gewölbe”-Platte. Warum? Weil Sims Fantasie und Variation beweist und auf Tracks wie Riots in London und The Afterparty bekannten Architekturmustern neues Leben einhaucht. Nicht die Berghaintruppe verpasste 2011 hartem verdubbtem Schiebertechno auf ein Neues die Sexyness. Sims war es, ob er will oder nicht.

NHKyx – yx aka 1ch aka Solo (Skam Records)

Länger war es ruhig um das Hauslabel von Boards of Canada und Gescom. Die verkopfte, übernerdige UK-Schiene verkauft sich einfach nicht mehr als hip. 2010 dann auf Skam Records der Lichtblick Trademark Ribbons of Gold von VHS Head. Frische Nervosität. Man munkelte bei solch mächtiger Raffinesse seien die Jungs hinter Autechre und Gescom am Werk. Und dieses Jahr schickt Skam dann gleich wieder so ein Trojanisches Pferd ins Rennen. Außen unaufällig, innen extrem angriffslustig. Es muss wohl am Namen liegen, dass yx aka 1ch aka Solo im Netz mehr oder weniger untergegangen ist. Wer immer hinter NHKyx steckt, besitzt die richtige Mischung aus Mathematikverständnis, Wahnsinn und romantischer Kompromisslosigkeit. Auf 19 Tracks wird geschleudert, was die Maschinen hergeben. NHKyx trinkt drei Kannen Kaffee, bevor getrackt wird: Keine Atempause, durchgehend positiv, intelligenter Stress am Anschlag. Ab und wann lugt ein Gast-MC hervor, ihre Pseudonyme, AthenA und Google Premier, kennt niemand. Die weibliche Stimme und der Maschinengewehrflow von AthenA sind dann doch schnell vertraut. Das Übertalent der Detroiter Battle-MC Invincible ist unverkennbar. Hiphop trifft auf, pardon, IDM. Brutal unangepasstes Meisterwerk, durchaus tanzbar.

Anstam – Dispel Dances (50 Weapons)

Warum faszinieren uns Zombies, Teufelsbeschwörungen, Dämonen und Schamanismus? Sie sind alle verbandelt mit der Halbwelt zwischen Leben und Tod. Und genau dorthin entführt der Sound von Dispel Dances. Kopfhörer auf und plötzlich stehst du irgendwo in Haiti am Lagerfeuer und beobachtest eine Voodoo-Seancé. Kalkbemalte Tänzer kreiseln und schwindeln sich in Trance, trinken Schlangengift, reiben sich mit Mäuseblut ab und schlagen Afro-Rhythmen auf Schimpansenschädeln. Der Dubstep von Anstam versteht keinen Spaß, eröffnet aber überzeugend und butterweich düster-schöne Angstwelten. Hört sich nicht besonders lecker an, ist es aber. Wer Shackletons Skulldisko mochte, tanzt auch mit diesen Dämonen. Erschienen übrigens auf dem Label von Modeselektor. Na dann!

Karsten Pflum – No Noia My Love (Hymen)

No Noia My Love klingt mindestens nach der Bohrer- und Schraubenabteilung im Baumarkt, aber eher noch nach einer dänischen Feinwerkzeugmanufaktur auf Hochbetrieb. Geschäftsführer: Karsten Pflum. Gut festhalten, der Däne meint es ernst, lässt seine LFOs das Tempolimit übertreten. Dabei entstehen kryptisch, handverschweißte Einzelstücke. Maßarbeiten, die durch alle erdenklichen Taktarten fallen. Mal gehetzter Halfstep, mal wieder zurückgelehnt in die vier Vollen und dann hört sich das plötzlich nach diesen Notierungen an, die keiner mehr mitzählen kann. Delays lassen den Rhythmus immer wieder in kleine Quecksilbertropfen zerfließen. Auf dieses Bett aus eiskalten, wohl mit FM-Synthese geschnitzen Drumnägeln legt Pflum seinen nordischen Schleier düster-süßer Mollimprovisationen. Aphex Twin im Elchkostüm.

Igorrr – Poisson Soluble + Moisissure (Ad Noiseam)

Ewig analfixiertes Gegrunze in Strumpfmasken, das gefühlt Einhundertmillionste Amenbreak durch den Tracker gewurstet und mit abstrusen Klassik-CDs vergewaltigt. Als Grand Finale nochmal drübergestöhnt und im Vollsuff von Krankheit, über Sex zur Gewalt Assoziationsketten aus Pornos gesampelt. Der Breakcore der Szenepimps Venetian Snares und Otto von Schirach rief zuletzt ein Heer von Fragenzeichen auf die Stirn und – angesichts des allzu kalkulierten Wahnsinns – ein übersättigtes Gähnen ins Gesicht. Wo versteckte sich dieses Jahr die Schönheit des Biests Breakcore? Ratsch, ratsch, röhr, dann brach endlich Igorrr mit der Kettensäge durch und bereitete dem Elend auf der Psychatrie der Elektronischen Musik ein Ende. Igorrr näht auf Poisson Soluble + Moisissure Kombinationen Französischer Oper, Chansons aus den 1920ern, aberwitzige Harpsichordläufe, verspulte Ethnoperkussionen, Funk-Beats, spanische Gitano-Solos und wahlweise Passagen aus Doom-, Speed oder Gothicmetalstücken zu einem großartigen barocken Infernale zusammen. Und dieses Höllenwerk funktioniert, ist zugänglich, jenseits der sich doch eingeschlichenen Spartenformalistik. Zugegeben, auch Igorrr verwendet auf der Doppel-LP en massé kräftig timegestrechte, endlos kleinteilig, zercuttete Amenbreaks und nudelt neurotisch auf dem Sampler hoch und runter, vor und zurück. Aber er langweilt nicht. Versprochen.

Shortlist

Kai:

Azari & III – Azari & III
Mike Dehnert – Framework
DFRNT – Emotional Response
Razika – Program 91
Theo Parrish – Ugly Edits
Youth Lagoon – The Year of Hibernation
Emika – Emika
SBTRKT – SBTRKT
Tycho – Dive
Martyn – Ghost People
Sandwell District – Sandwell District

Eike:

Cosmin TRG – Simulat
Africa HiTech – 93 Million Miles
Jonsson/Alter- Mod
Feist – Metals
Biosphere – N-Plants
Stereociti – Kawasaki
Drake – Take Care
The Sight Below – Glider
M83 – Hurry Up, We’re Dreaming
Bvdub – Resistance is Beautiful
Deadbeat – Drawn & Quartered
Jürgen Müller – Science of the Sea
Kangding Ray – OR

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Compilations/ Mixe

Lawrence – Timeless (Cocoon)

Was hat das für gegensätzliche Reaktionen gesorgt, als das Teil rauskam: Der Lawrence! Auf Cocoon! Wie kann er nur! Gut kann er, das lässt sich sagen. Zum einen ist Lawrence hier deutlich technoider unterwegs, als man es gemeinhin von ihm und seinen Produktionen kennt, zum anderen lässt er von Anfang an den ein oder anderen Klassiker mit einfließen und gibt dem gesamten Mix damit etwas, nun ja, “zeitloses” eben. Nomen est eben doch omen. Und die beste Verwendung von Isolées Thirteen Times an Hour dieses Jahr.

VA – For Nihon (Unseen Music)

Eine Benefiz-Compilation für die Tsunami-Opfer in Japan ist For Nihon. Allein deswegen ist die Scheibe durchaus erwähnenswert. Aber auch rein musikalisch ist die Sammlung bemerkenswert: 38 feinste Ambient-, Drone- und zurückhaltende IDM-Stücke sind hier zu finden, die unter anderem von bekannten Größen wie Alva Noto, Ulrich Schnauss, Max Richter, Peter Broderick und Ruyichi Sakamoto stammen, aber auch jede Menge vermeintlich unbekannter Namen enthalten. Kurz, For Nihon ist die wohl beste Ambient-Compilation, die es in diesem Jahr gab und man kann sie noch immer für einen guten Zweck erwerben. Das sollte man auch.

Dixon – Live at Robert Johnson Vol. 8 (Robert Johnson)

Der letzte Teil der Reihe aus Offenbachs legendärem Club klingt schon etwas wie ein Abschied, wie ein letztes Set, wenn die Sonne über dem Main aufgeht: Einmal von Ambient zu House und zurück; Dixon mischt Dominique in Hauschka und Mark E in Roman Flügel, lässt die Referenzen spielen wie kaum ein anderer und serviert dann zum Ende hin mit Todd Terjes Überhit Snooze 4 Love und Osunlades Envision doch noch einmal groß auf. Eine Mischung, wie es sie viel mehr geben sollte – ohne Dancefloor-Diktat aber mit Charakter über allem. Ganz groß.

Gold Panda – DJ-Kicks (!K7)

Skandalös schlecht bewertet auf RA, was sowohl für die Nichtsahnung des Rezensenten spricht als auch für den Mix selbst. Der ist nämlich ziemlich kantig an der Grenze von IDM, Dubstep und Juke und lässt vor allem zwischen den Tracks ziemlich viel Wissen spielen: So mixt der goldene Bambusbär hier einfach mal Tracks von Drexciya, Jelinek, 2562 und Muslimgauze (!) zusammen, als wäre es gar nichts. Und dass er SNDs Palo Alto, einen meiner absoluten All-Time-Favs, auch noch einstreut, hilft natürlich bei der Entscheidung. Wer diesen Mix nicht versteht, sollte vielleicht eher Justin Bieber hören. Ja, ich rede von dir, Girard, du Pappnase!

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Singles

Lana del Rey – Video Games (Stranger)

Lana “Daffy Duck” del Rey geisterte dieses Jahr nicht nur durch die Feuilletons, sondern auch durch die Clubszene. Klar, Video Games ist einer dieser Tracks, die auch morgens auf der Ecstacy-geschwängerten Tanzfläche funktionieren, wenn man einen dezenten Drumbeat drüberpackt. Joy Orbison hat das übrigens in einem wohl inoffiziellen Remix gemacht und damit einen meiner Lieblingstracks des Jahres geschaffen. Geht aber auch im Original. Gebt’s zu, Ihr steht doch auch drauf.

Gathaspar – Cedar (Freude am Tanzen)

Endlich mal wieder eine dieser FAT-Platten, die um die Ecke denken: Gathaspar bewegt sich jedenfalls irgendwo an der Grenze zwischen Dubtechno und IDM. Teilweise sehr straight auf der 4/4 Schiene, dann aber doch wieder ziemlich kantig mit der Elektronika spielend. Mit 40 Minuten zudem auch fast ein Mini-Album. Schönes Ding.

Paul Woolford & Psycatron – Stolen (Hotflush)

Meine Güte, wo will Hotflush eigentlich noch hin? So technoid wie hier war das Label von Scuba jedenfalls noch nie. Ziemlich breitflächiger, auch irgendwie opulenter Techno mit leichten Step-Sequenzen irgendwo um die 130 BPM-Grenze mit brachialer Sprengkraft, der auch die größten Gesichtsdiscos aus den Ritzen im Berghain hervorzulocken vermag. Alles oder nichts, rien ne va plus.

Axel Boman – Nattsudd (Play it Down)

Oliver $’s Doin Ya Thang war dieses Jahr vielleicht der Hasstrack schlechthin auf Play it Down. Gut für den Schweden Axel Boman, dessen Nattsudd sich nämlich auch in die fiese Sample-Hölle begibt, dabei aber nicht so abgeschmeckt rüberkommt, sondern einen fluffigen Housetrack mit einem recht bekannten Sample raushaut, dessen Original mir seit sechs Monaten nicht einfallen möchte. Vielleicht weiß es jemand?

Regis – In a Syrian Tongue (Blackest ever Black)

Vor einigen Jahren schrieb ich zum 10. Todestag von Muslimgauze, dass seine Musik wohl maßgeblichen Einfluss auf Shackleton und Konsorten hatte. Hätte Bryn Jones heute mit dem Computer Musik gemacht, vielleicht wäre irgendwann etwas wie Regis’ Blood Witness dabei herausgekommen. Kompromisslos, klar, treibend.

Todd Terje – Ragysh (Running Back)

Natürlich ist das einer dieser Übertracks aus diesem Jahr. Einer, der Gernd Jansons Running Back noch einmal nach ganz oben pushte. Aber meine Güte, hat es denn jemand besser hinbekommen als der Norweger, diese Synths, diese lockere Drumline, diesen Groove, der Disco ebenso wie House umarmt und dann mit Snooze 4 Love auch noch die vielleicht beste Flip des Jahres bereithält? Eben.

Vondelpark – NYC Stuff and NYC Bags (R&S)

Das seltsam betitelte Follow-up zur letztjährigen EP bewegt sich einmal mehr schwer an der Grenze zwischen verwaschenem Indie-Pop und Board-of-Canadaesker Melancholie und klingt trotzdem wie kaum etwas anderes da draußen. Für mich immer noch einer der faszinierendsten Mischungen in diesem Jahr. Wann kommt eigentlich das Album?

Burial – Street Halo (Hyperdub)

Ich war überzeugt davon, dass Burial uns 2011 sein drittes Album präsentiert. Doch der gewohnt scheue Engländer meidet mehr denn je die Öffentlichkeit. Diese Platte war das einzige Lebenszeichen. Aber das reicht auch schon. Es ist Burial. Noch Fragen?

Drake & Griffiths – The Devil’s Eyes (Fear of Flying)

Müsste man eigentlich schon wegen dem Cover alleine nehmen. Aber auch der Titeltrack ist großartig, diese tief wummernde Bassline in Verbindung mit dieser leicht shuffelnden Drumsequenz. Hat glaube ich kein Arsch jemals irgendwo gespielt, dabei tritt die Platte doch genau in jenen.

The xx – Night Time (Synkro Remix)

Zugegeben, ich cheate hier etwas, denn diesen Remix von The xx gibt es nirgends zu kaufen. Lovestep-Flüsterer Synkro hat den Track irgendwann einfach auf Soundcloud geladen, wo es ihn immer noch gibt. Und was für eine wunderbare Kombination das doch ist, als wäre es ein “Match made in Heaven”, wie der Engländer sagen würde. Deswegen auch keine Beschreibung, sondern einfach selbst anhören. Einer meiner Lieblingstracks des Jahres, den ich hier auch nochmal als mp3 hochgeladen habe (und dafür hoffentlich nicht gefickt werde): Klick (Rechtsklick für DL)

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Nicht Verstanden

Casper – xoxo

Die beliebte Kategorie ist dieses Jahr wieder zurück mit dem heiseren Quasi-Rapper Casper, dessen Kombination aus belanglosen Abschlussfeier-Beats und pseudo-subversiven Texten über Friede, Freude, Schnaps und Ficken die bescheuerte Republik in seinen Bann zog wie sonst nur Guttenberg. Lange nicht mehr so viele Platitüden auf CD-Länge gehört, aber was will man von so einem Kasper (ha!) schon erwarten. Das ist sicherlich prima für alle 16-jährigen Girls, die auf dreitagebärtige Wuschelköpfe stehen, und alle Ü-30-Großstädter, die auf Vintage getrimmmte Hochglanzbilder mit schwermütigen Zitaten in ihrem Tumblr sammeln. Meine Stimme klingt übrigens ähnlich, wenn ich nach fünf Tagen Verstopfung auf dem Klo sitze. In diesem Sinne: Geh kacken, Junge, denn DER DRUCK STEIGT!

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In diesem Sinne: Es kann, wie immer, nur besser werden! Selah.

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Wenn man hierzulande auf der Straße fragt, wer denn der bekannteste deutsche Techno-DJ ist, ist es gut möglich, dass der Name Sven Väth fällt. Tatsächlich haben sich in einer mittlerweile 30-jährigen Karriere so manche Mythen und Geschichten gesammelt. Ob es nun um 40-Stunden-Sets im Tresor geht, die spirituellen Ausflüge nach Asien, die verspulten Auftritte oder seine Teilzeit-Abstinenz – ein großer Teil von Sven Väths Vermächtnis liegt in der Person und Persönlichkeit selbst.

Dabei gibt es so viel mehr zu erzählen. Angefangen hat Väth als DJ in der elterlichen Kneipe im hessischen Obertshausen, bevor er im Frankfurter Dorian Gray seine ersten Cluberfahrungen sammeln konnte. Den Ausflug mit dem Eurodance-Projekt OFF in den 80er Jahren sei ihm spätestens seit der Gründung der Label Eye Q und Harthouse und der fast zeitgleichen Eröffnung des legendären Omens in Frankfurt verziehen. Spätestens hier etablierte sich Väth in der deutschen Technoszene und wurde zunehmend für seine ausufernden Sets und den engen Kontakt mit der Clubszene auf Ibiza bekannt.

Und doch dauerte es bis ins neue Jahrtausend, bis er auch seine unternehmerischen Fähigkeiten unter Beweis stellte: Cocoon ist in den letzten zehn Jahren von einer Booking-Agentur zu einem Label- und Event-Konglomerat geworden – der opulente Club, der im Jahr 2004 seine Pforten öffnete, sorgte für ebensoviel Beifall wie Verwunderung. Aber auch das gehört zur Philosophie Sven Väths – dieses Ausloten von Grenzen. Im Interview erzählt er uns, wie er zum Erfolg von Cocoon steht und wieso Visionen im Clubbetrieb wichtig sind.

Sven, willkommen in Berlin. Kannst Du dich noch an deinen ersten Kontakt mit der Berliner Technoszene erinnern?

Ich weiß, dass wir auf den Mauerfall damals in Frankfurt schnell reagiert hatten. Wir ganzen Frankfurter Künstler – Dag, Pascal FEOS, Moses P, Jam & Spoon und ich mit meinen Jungs – haben einen Bus organisiert und in Berlin spontan ein Konzert auf die Beine gestellt. So um die Zeit habe ich auch Motte das erste Mal im Ufo getroffen. Das war quasi der Touchdown mit der Berliner Szene. Die nächsten Jahre war der Tresor dann meine erste Adresse, auch wegen des guten Kontakts zu Dimitri Hegemann. Ich hatte einige wahnsinnige Nächte unten im alten Tresorraum. Aber auch im Planet, im E-Werk und der Maria habe ich öfters gespielt. Und natürlich auch im Ostgut, mit denen wir viele Partys organisierten.

Heute bist Du nicht mehr allzu oft in Berlin zu sehen. Woran liegt das?

Mit der Loveparade hat dann irgendwann einfach der Fixpunkt gefehlt. Ich habe mich ja schon 2000 aus persönlichen und politischen Gründen mit einem Statement von der Loveparade verabschiedet und danach ist auch der Kontakt mit der Berliner Clubszene weniger geworden.

Hast Du auch musikalisch den Kontakt zu Berlin verloren in den letzten zehn Jahren?

Nein, der Sound, der Berlin in den letzten Jahren berühmt gemacht hat, wurde ja ursprünglich von meinem Umfeld inspiriert: Leute wie ein Ricardo Villalobos oder ein Heiko Laux und viele aus der Münchner Szene sind damals mit als erstes nach Berlin gezogen. Was dort entstanden ist, war ja erst mal nicht “neu”, sondern von vielen bekannten Leuten beeinflusst. Erst jetzt kommt eine Generation neuer Künstler nach. Und noch immer wohnen und arbeiten dort viele meiner Freunde.

Du bist dagegen immer in Frankfurt geblieben. Wieso eigentlich?

Es gab mal den Spruch, dass alle, die nach Berlin gezogen sind, es in Frankfurt nicht geschafft haben (lacht). Aber Spaß beiseite, es einfach meine Heimat. Und Frankfurt war immer gut zu mir. Ich konnte und kann mich dort entfalten und meine musikalische Vision ausleben. Es ist zwar überschaubar, aber mit unglaublich viel gutem Nachwuchs. Man sollte das auch gar nicht mit Berlin vergleichen. In Frankfurt herrscht eine ganz andere Arbeits- und Feierkultur, bei der sich alles am Wochenende abspielt und sehr organisiert ist. In Berlin ist in Sachen Musik ja quasi jeder Tag Wochenende.

Entspricht das auch deiner Arbeitsauffassung inzwischen: Nur noch am Wochenende feiern und am Montag ins Büro?

Das war aber schon immer so.

Wirklich?

(lacht) Ok, vielleicht nicht immer am Montag, aber unter der Woche gehe ich seit jeher meinen unternehmerischen Aufgaben nach. Heute muss ich mir meine Zeit sogar noch besser aufteilen: Ich lebe inzwischen im Sommer komplett auf Ibiza mit meiner Familie, von Oktober bis Dezember bin ich in Frankfurt und kümmere mich um die Planung für das kommende Jahr. Im Frühjahr startet dann meistens schon wieder die Welttournee. Dazu kommen noch Familie, Freunde und natürlich Plattenhören. Zeitmanagement ist inzwischen das wichtigste Management.

Wo du gerade Ibiza erwähnst: Wie kann es sein, dass Ibiza immer noch so einen Reiz versprüht? Ist das Thema nicht bald mal durch?

Was in Ibiza passiert, wird früher oder später auch an anderen Orten übernommen. Es ist die Referenz. Es gibt keinen Platz auf der Welt, der so viele Clubs, DJs und Unterhaltung vereint. Und das eben nicht nur am Wochenende, sondern vier Monate am Stück. Diese Dichte, diese Energie und auch die Landschaft sind einfach einmalig.

Hat sich denn nichts geändert?

Inzwischen stehen dort auch mal Lady Gaga und Kylie Minogue auf dem Flyer. Ibiza spricht sich in der Glamour-Szene von Saint Tropez und Monaco herum, weswegen sich das auch das Publikum ändert. Das ist schade. Ibiza war immer sehr freigeistig. Es lebt von seinem “Freak Vibe” – einer Hinterlassenschaft der Hippies aus den 70er Jahren. Früher hat man auch noch öfters mal Leute über 50 im Club gesehen, die einfach Spaß haben wollten. Ibiza war lange von Understatement geprägt, inzwischen wollen viele Leute nur noch Dampf ablassen…

Das klingt doch etwas enttäuscht…

Man darf das nicht falsch verstehen: Man muss das zwar beobachten, aber ich glaube nicht, dass es Ibiza längerfristig schadet. Dafür gibt es auf der Insel zu viele Liebhaber, denen es immer um die Musik gehen wird. Und es ändert ja nichts an unserem Programm. Man hat dieses Jahr am Booking vom DC10, an den Afterhours und auch bei uns im Amnesia gesehen, dass viele spannende Namen dabei waren. Wenn dort jetzt auch Newcomer wie Jamie Jones, Seth Troxler und die Visionquest-Bande mit ihrer Crowd auflaufen zeigt das, dass Ibiza auch für die jüngere Generation weiterhin relevant ist.

Wann warst Du das erste Mal auf Ibiza?

Das war 1980. Ich bin mit einem Freund bis Barcelona getrampt. Als wir schließlich drüben in Ibiza ankamen, waren wir pleite. Und trotzdem sind wir drei Monate geblieben, haben uns Sonnenliegen geklaut und uns im Wald ein schönes Plätzchen hergerichtet. Um in die Clubs zu kommen, haben wir Flyer verteilt…

Und da hast Du dich entschieden, auch selbst DJ zu werden?

Was ich da nachts erlebt habe musikalisch und vom Publikum her war ein totaler Brainwash. DJ Alfredo hat total verrückte Musik im Amnesia gespielt – African Percussion gemixt mit Italo Disco zu John Lennons “Imagination” morgens um 5 Uhr – wir haben weinend auf der Tanzfläche gestanden. Da habe ich mir gesagt “Das will ich auch machen, hier gehör ich hin!” Ich war die nächsten Jahre dann jeden Sommer wieder in Ibiza, habe die Musik aufgesogen, mir die Platten aufgeschrieben und versucht, sie in Frankfurt zu bekommen. Was natürlich schwierig war. Und wenn man sie mal hatte, wusste man nicht, ob man sie auch spielen darf! Als ich im Dorian Gray angefangen habe, musste ich um meine Stunde Musik immer etwas kämpfen in der Hoffnung, dass der Geschäftsführer nicht auf einmal mahnend hinter einem steht. (lacht)

Das Problem hast du schon länger nicht mehr. Im Gegenteil, viele vermeintliche Kenner sehen Cocoon inzwischen als zu dekadent, zu aufgeblasen, zu kommerziell. Wie stehst Du dazu?

(überlegt lange) Cocoon polarisiert natürlich – allein der Club. Das war klar, dass manche Leute diesen Sprung nicht nachvollziehen konnten. Aber viele schauen auch nicht genau hin, was wir eigentlich machen. Sonst würden sie sehen, dass dahinter sehr viel Leidenschaft steckt. Unsere Künstler brauchen keinen Maßanzug, um von uns aufgenommen zu werden. Sie können sich genauso entfalten wie bei anderen Labels auch. Und auch das Eventgeschäft dient letztlich der Musik, weil wir einen besonderen und kreativen Rahmen schaffen wollen. Natürlich bedeutet das auch, dass man Investitionen tätigt und Wagnisse in Kauf nimmt.

Wagen sich andere denn zu wenig?

Ich denke, dass Clubkultur, Betonung auf Kultur, von Visionen lebt. Und Visionen bedeuten immer auch Wagnisse und Risiken. Und wenn ich eine Vision von einem Club des 21. Jahrhunderts habe und daraus ein Cocoon Club entsteht, dann ist das ein Statement für die Clubkultur. Und ich wünschte, andere würden auch einfach ihren Visionen folgen. Oder zumindest welche haben.

Dein erster Anlauf mit “Cocoon” war dagegen finanziell nicht sehr erfolgreich…

Ja, wir hatten 1996 das erste Mal Partys unter dem Namen “Cocoon” veranstaltet. Das Konzept war ziemlich aufgeblasen: Wir hatten eigene Dekoration, die wir in England bauen ließen und dann nach Deutschland schifften. Dazu haben DJs aus Japan und große Namen wie Underworld gespielt. Ich war damals sehr idealistisch und habe keinen Sponsor erlaubt. Ich habe dort quasi mein gesamtes Erspartes reingesteckt – und auch fast alles verloren.

Was hast Du daraus gelernt?

Na was es heißt, große Veranstaltungen zu organisieren. Und dass die ganze Sache einfach zu früh kam. Erst ein Jahr später habe ich mich von Eye Q und Harthouse getrennt, die ein Jahr später insolvent gingen. Und 1998 habe ich dann nach langem Hin und Her das Omen geschlossen und war erstmals wirklich auf mich alleine gestellt. Das war der Cut, den ich brauchte. Um die Jahrtausendwende kam dann das Cocoon-Konzept wieder hervor. Diesmal haben wir mit einer Booking-Agentur angefangen und dann ganz langsam, step-by-step, die Sache aufgebaut.

Nach zehn Jahren ist Cocoon ein durchaus erfolgreiches Unternehmen. Siehst Du dich als Künstler oder als Geschäftsmann?

Es ist doch so: Jedes Unternehmen muss wirtschaftlich vorankommen. In der Szene wird das gerne verschwiegen, aber jedes Label, jede Bookingagentur und jeder Club muss sich am Ende des Monats mit Rechnungen herumschlagen. Je größer, desto mehr Verantwortung: An Cocoon hängen eine Menge Arbeitsplätze, das Tagessgeschäft ist komplexer geworden: Es geht nicht mehr darum, möglichst viele Platten zu verkaufen. Wer heutzutage in der Szene überleben möchte, braucht nicht nur die Vision, die Leidenschaft und den Spaß, sondern auch viel Professionalität. Das verstehen viele offenbar nicht. Wenn sie sehen, dass jemand erfolgreich ist, rufen sie gleich “Sell-out!” Aber was wir machen, hat mit Sell-Out und Kommerz nichts zu tun.

Glaubst Du, dass euer Konzept aus Label, Booking- und Eventagentur auch andere inspiriert?

Klar, ich hoffe es jedenfalls. Luciano zum Beispiel hat lange Zeit bei uns in Ibiza auf der Terrasse gespielt. Inzwischen ist Cadenza auch Booking- und Eventagentur mit einer eigenen Party im Pacha. Ich bin da gar nicht nachtragend weil er jetzt sein eigenes Ding macht, im Gegenteil: Ich habe Respekt davor wenn Leute das, was sie verdienen, auch wieder in die Szene reinvestieren.

Cocoon ist auch im Bereich neuer PR-Formen, Videos und sozialen Netzwerken gut unterwegs.

Klar, die ganzen Kanäle sind unglaublich wichtig. Deswegen haben wir auch im Sommer unsere neue Website gestartet. Unsere ganze Impulsgesellschaft lebt inzwischen von Netzwerken, von Geschwindigkeit und möglichst allen Informationen und Musik sofort auf Knopfdruck. Mir persönlich wird das manchmal fast schon zu viel…

Inwiefern?

Also ich muss jetzt nicht jeden Tag mein Abendessen auf Facebook posten, wie es manche Kollegen machen… (lacht)

Du trennst also Business- und Privatsphäre klar ab.

Ganz genau.

Als Lawrence seinen “Timeless”-Mix auf Cocoon veröffentlicht hat, gingen die Meinungen, auch im Forum von RA, stark auseinander. Viele glauben offenbar, dass Dial und Cocoon nicht zusammenpassen.

Das sind immer Leute, die das von außen betrachten. In Wirklichkeit gibt es da überhaupt keine Berührungsängste. Wieso auch? Ich bin ein uralter Fan von Peter [Lawrence], er hat schon vor Jahren als Sten einen Track bei uns veröffentlicht, ich habe schon immer seine Musik gespielt und hatte auch in der Vergangenheit Tracks von Dial auf meinen Mix CDs.

Woher kommen dann diese eingefahrenen Ansichten?

Es werden halt gerne Grenzen gezogen: Da heißt es “Kompakt hier, Dial da” und die einen sind eher verkopft und die anderen sind eher emotional, und so wird alles in bestimmte Lager eingeteilt. Aber das ist doch alles Blödsinn. Es ist doch keiner so globalisiert wie wir mit unserer Musik. Wir leben das doch jedes Wochenende vor, wenn wir in Korea oder Chile, in Frankfurt oder Berlin auflegen und Menschen und Musik zusammen bringen.

Techno als Völkerverständigung – auch so etwas wie dein Auftrag?

Ich bin ja tatsächlich Botschafter vom Goethe-Institut für deutsche elektronische Musikkultur. Ich habe z.B. dieses Jahr auf einem Panel in Tokio gesprochen vor 300 geladenen Gästen aus der Wirtschaft, Musik und Literatur. Und es war erstaunlich zu sehen, welche Hochachtung alle vor der elektronischen Musik hatten. Das zeigt schon, dass es sich lohnt, diesen Fundus an Musik, den wir in Deutschland haben, weiterzutragen. Ich konnte das ganze Lob den Japanern natürlich nur zurückgeben – ohne die 808 und die 303 von Roland hätte es Techno schließlich nie gegeben.

Welche Länder haben Dich, abgesehen von Japan, im letzten Jahr besonders beeindruckt?

Peru war der Wahnsinn. Diese Energie, wie die Leute fast schon rituell die Musik gefeiert haben. Das hat auch mich als jemanden, der schon viel erlebt hat, sehr berührt. Aber auch in Seoul und in Taipeh war ich überrascht, wie weit Clubkultur dort inzwischen gekommen ist. Das waren lange Zeit Städte, in denen man nur die großen, kommerziellen Namen finden konnte. Inzwischen gibt es auch da viele kleine Clubs, die Techno spielen.

Überall ist von der Krise die Rede – bekommst Du davon etwas mit als DJ?

Die Menschen feiern überall immer noch so wie eh und je, also eher nein. Es lässt sich aber beobachten, dass bei den DJs die Mittelschicht wegbricht. Die Leute verändern ihr Ausgehverhalten: Entweder wollen sie für kleines Geld weggehen und es ist ihnen egal, wer auflegt, oder sie wollen eben die großen Namen sehen. In Deutschland ist das nicht so ausgeprägt, aber in Ländern wie Italien oder Spanien merkt man, dass immer mehr Veranstaltungen auf Headliner getrimmt sind. Was schade ist, gerade wenn man im Aufbau neue Künstler bringen will und supporten möchte.

Wie erklärst Du diese Entwicklung?

Es gibt in vielen Ländern das Problem, dass die Promoter stark miteinander konkurrieren. Gerade im Süden gibt es nicht allzu viele Clubs, die ihr eigenes Booking machen und deswegen mit Promotern arbeiten müssen, die ihre Abende füllen. Und Promoter wollen natürlich ihre bekannten DJs halten und machen ihnen dann gerne mal bessere Angebote – das Geld wird dann auf den Eintrittspreis umgelegt. Wodurch dann vielleicht wieder weniger Geld für Getränke ausgegeben wird. Im Endeffekt profitiert also vor allem der Promoter an der Kasse und nicht der Club selbst. Und das ist längerfristig ein Problem, mit dem wir uns, und ich spreche als Clubbetreiber, beschäftigen müssen.

Info: Dieses Interview ist zunächst auf Englisch bei Resident Advisor erschienen. Das Titelfoto zeigt Sven Väth mit seiner Mutter und stammt von Hannes Windrath.

Roman Flügel, wer ist das eigentlich? Die Frage ist berechtigt, nicht etwa weil der Frankfurter DJ nicht ausreichend bekannt wäre, sondern weil man sich seine musikalischen Persönlichkeiten erst einmal genauer anschauen muss, bevor man nach dem kategorischen “wer” fragt: Auf der einen Seite ist da nämlich Alter Ego, Flügels längstes Projekt mit seinem Produktionspartner Jörn Elling Wuttke, das sich Mitte der Nuller Jahre mit einer ironisch-prolligen Mischung aus Techno und fransigen Elektrobeats einen Namen machte, große Tourneen und Chart-Platzierungen inklusive.

Auf der anderen Seite steht der Solo-Produzent Roman Flügel, der als Roman IV, Acid Test, Eight Miles High, Soylent Green in den letzten zwanzig Jahren so ziemlich alle Facetten elektronischer Musik durchlebte. Eine gewisse künstlerische Schizophrenie kann man dem langjährigen Mitbetreiber der renommierten Label Klang Elektronik und Playhouse nicht absprechen. Mit dem aktuellen Album Fatty Folders auf Dial bekommt die Diskografie des Frankfurters nun zwar keinen neuen Alias, wohl aber ein weiteres Kapitel dazu. Im Interview erzählt er, was denn tatsächlich alles neu ist – und was nicht.

Roman, du hast in den letzten eins, zwei Jahren auffallend viele Platten veröffentlicht. Steckst du in einer anhaltenden kreativen Phase?

Das hat zwei unterschiedliche Gründe: Zum einen liegt es daran, dass ich bis vor zwei Jahren wahnsinnig viel unterwegs war; 2009 war ich zum Beispiel mit Jörn noch als Alter Ego in Australien. Als die Tour dann zu Ende war, habe ich mir ein neues kleines Studio in Frankfurt eingerichtet, in dem ich mich zurückziehen konnte und immer noch kann. Nach einer Phase von fast fünf Jahren, in denen ich mit Jörn viel gemacht habe, habe ich mich dann wieder auf die eigene Musik konzentriert. Ich habe mich dann erst einmal wieder eingehört um zu schauen, wohin es eigentlich gehen soll. Und dann kam auch recht schnell die Idee, auch wieder was für andere Label zu machen – wie eben die neue Dial-Platte.

Wo du gerade Label erwähnst – du bist ja nicht mehr aktiv an Playhouse und Klang beteiligt. Hat dir das auch neue Freiheiten zum Produzieren ermöglicht?

Es ist ja allgemein bekannt, dass ich dort nicht mehr so involviert bin. Ich glaube schon, dass ich mich damit auch ein bisschen freigeschwommen habe, um wieder Zeit für andere Sachen zu haben und mich neu auszurichten, ja.

In den letzten 20 Jahren hast du zahlreiche unterschiedliche Stilrichtungen durchgemacht. Wie schaffst du es noch, dich selbst zu überraschen?

Das ist gar nicht so einfach (lacht), aber es geht. Für mich ist es vor allem die Kombination aus Produzieren und Auflegen, die es mich für mich interessant macht. Das heißt, in dem Augenblick, in dem ich mich für andere Platten interessiere, deren Platten kaufe und damit Sachen neu entdecke, wird für mich auch die eigene Musik immer wieder spannender, weil die Sachen dadurch einen anderen Kontext bekommen. Ich sehe mich nicht als jemand, der auf seiner kleinen Insel sitzt und dort sein eigenes Süppchen braut, völlig frei vom Rest der Welt. Ich bin einfach eingebunden in den Kosmos, der seit 20 Jahren mein Leben bestimmt.

Wenn ich mich jetzt seit jeher an einen bestimmten Sound gehalten hätte, hätte ich das wohl ich gar nicht so lange gemacht. Für mich ist die Auseinandersetzung mit anderen Künstler und anderen Stilen ein Teil der einfach dazugehört, und die auch immer wieder neue, spannende Ergebnisse bei meinen eigenen Produktionen hervorruft.

Gibt es momentan eine Richtung, die du besonders spannend findest?

Keine bestimmte Richtung, aber ich finde es extrem spannend, dass jetzt nach gut 20 Jahren ein Zyklus wieder am Ausgangspunkt zu sein scheint. Da gibt es sehr sehr viele Produzenten, die sich jetzt wieder auf Platten beziehen, die auch für mich schon relevant waren, als ich angefangen habe – aber das auch wieder anders interpretieren. Das finde ich aufregend, das habe ich, auch als Teil der Szene, so noch nicht mitbekommen. Klar, es gab immer wieder Phasen wie das Acid-House-Revival, aber jetzt findet man in den Tracklists der jungen Produzenten plötzlich jede Menge alter Platten.

…wobei natürlich jede Musik von ihrer Geschichte beeinflusst ist.

Klar, aber elektronische Musik bekommt ja jetzt eigentlich erst seine Geschichte. Früher galt House und vor allem Techno ja immer als Zukunftsmusik – und das ist sie einfach nicht mehr. Und die Tatsache hat der ganzen Szene etwas die Last genommen, immer zukunftsweisend und immer wieder anders zu sein. Stattdessen gibt es jetzt wieder vermehrt Bezüge zu älteren Produktionen, was die Sache deswegen nicht langweiliger macht, im Gegenteil.

Du hattest an anderer Stelle erwähnt, dass es gerade im House-Bereich nicht mehr viel Neues gibt.

Naja, es ist ja vermessen zu sagen, man könne das Rad neu erfinden. Zum einen ist man als Musiker immer auf die Produktionsmittel seiner Zeit beschränkt. Zum anderen kann man nicht einfach einen Groove, an den sich die Gesellschaft über zehn, zwanzig Jahre gewöhnt hat, einfach auf den Kopf stellen. Das ganze System “Party” hat sich ja auch erst über viele viele Jahre zu einem globalen Phänomen entwickelt. Deswegen glaube ich auch nicht, dass man jetzt in Sachen House plötzlich auf das ganz neue Ding hoffen sollte.

Schaut man sich einmal deine eigenen Produktionen und dann die von Alter Ego an, scheinen Welten aufeinander zu prallen. Gibt es zwei Seiten von Roman Flügel – den introvertierten Produzenten auf der einen Seite und die “Rampensau” auf der anderen?

Im Fall von Alter Ego war das vielleicht auch eine Art von Radikalisierung: Wir haben zu zweit im Studio eine Form von Aggressivität ausgelebt, die man alleine gar nicht empfinden kann. Da war eine Art gegenseitige Provokation im Spiel, die letztendlich dazu geführt hat, dass Alter Ego so geklungen hat wie auf den letzten beiden Platten. Dahinter steckte auch gar kein Konzept, das war für uns selbst überraschend, dass Tracks wie “Rocker” entstanden sind – und auch so einen Erfolg hatten. Wenn man dagegen alleine im Studio ist, beschäftigt man sich zwangsweise vor allem mit sich selbst. Deswegen klingen meine Sachen wohl auch häufig etwas introvertierter.

Wie wichtig ist dir dann trotzdem noch der Aspekt der Tanzbarkeit?

Ich sehe mich immer als Teil, im weitesten Sinne, von Tanzmusik. Jede Platte, die ich gemacht habe, ist im Kern eine Platte zum Tanzen. Ich habe als DJ die Erfahrung gemacht, dass wenn man einen interessanten Abend hat auch ein ziemlich breites Programm fahren kann. Schon mit den Acid Jesus Platten Anfang der Neunziger war das für mich kein Widerspruch, dass man Nummern hat, die eben ruhiger sind. Im Gegenteil, letztendlich ist es das, was die ganze Sache interessant macht. Es war mir deswegen auch wichtig, auf dem Dial-Album unterschiedliche Stimmungen einzufangen. Und ich habe auch z.B. auf dem Melt! Festival erstmals eine Nummer vom Album gespielt und war verblüfft und glücklich, wie gut es geklappt hat. Das zeigt glaube ich, dass bei mir immer eine gewisse Tanzbarkeit mitschwingt, auch wenn ich mir im Studio nicht immer sicher bin, wie der Track dann letztlich funktioniert.

Das Album ist auch das erste, das du tatsächlich unter deinem bürgerlichen Namen veröffentlichst. Ist das vielleicht auch ein Hinweis darauf, dass es sehr persönlich ist?

Fatty Folders

Das ist eher der Tatsache geschuldet, dass ich keine Lust mehr hatte, mich hinter zig Pseudonymen zu verbergen. Das ist einfach ein natürlicher Prozess. Hinzu kommt auch noch, dass meine erfolgreiche Nummer “Gehts Noch” damals auch unter meinem Namen erschienen ist – was gleichzeitig Fluch und Segen war. Ich wollte mit meinen letzten Maxis klarmachen, dass ich nicht mit dieser einen Nummer – zu der ich trotzdem zu hundert Prozent stehe – assoziiert werden möchte. Ich würde jetzt aber nicht unbedingt sagen, dass es mein persönlichstes Album ist. Das erste Eight Miles High Album war ähnlich “persönlich” mit dem Unterschied, dass eben nicht mein richtiger Name draufstand. Aber dafür hatte ich ein großes Foto von mir auf dem Cover, was ich heute so nicht mehr machen würde… (lacht)

Wie kam überhaupt der Kontakt zu Dial zustande?

Ich kenne Pete [Lawrence, Anm.] und vor allem David [Carsten Jost, Anm.] schon viel länger, als viele vielleicht denken. Denn David war in den 90er Jahren mal bei L’Age d’Or Praktikant, und da habe ich ihn schon kennengelernt und der Kontakt blieb bestehen. Ich finde, dass Pete und David dem Label nicht nur ein tolles Erscheinungsbild gegeben haben, sondern vor allem auch eine klare Idee haben von dem, was sie gut finden. Insofern war das für mich keine Frage, dort Sachen zu veröffentlichen. Ich habe ihnen dann ein paar Sachen geschickt und das lief alles so entspannt, wie ich es selten mit einem Label hatte.

Dial hat ja eine recht klare Labelphilosophie. Hast du denn bewusst Stücke dafür produziert oder kam das dann eher zufällig?

Ich hatte einige Stücke fertig, von denen sie eine Vorauswahl getroffen haben. Erst dann war klar, dass wir zusammen arbeiten können und dann war es schon so, dass die erste Single “How to Spread Lies” auch von mir mit dem Gefühl im Hinterkopf produziert wurde, dass es eben auf Dial erscheint. Da kommt wieder der angesprochene Kontext zum Vorschein: Das Wissen, um die Begeisterung von anderen ist damit natürlich eingeflossen und hat sich dann auch auf den Rest der Produktion des Albums ausgewirkt.

Wie lange hast du an dem Album insgesamt gearbeitet?

Es ist ja immer so ein Prozess. Ich setz mich nicht hin und sage mir, dass ich jetzt in acht Wochen ein Album mache. Das sind immer so Phasen, in denen ich nichts zustande bringe. Es hat auf jeden Fall ein paar Monate gedauert, bis ich zufrieden war, auch mit dem ein oder anderen Edit. Ich würde sagen, das letzte Jahr über habe ich mich im weitesten Sinne damit beschäftigt.

Du hast in einem anderen Interview erwähnt, dass du dich viel mit südamerikanischer Musik und Jazz beschäftig hast. Ist das in das Album mit eingeflossen?

© Resident Advisor

Das wird immer schnell missverstanden, wenn man sagt, dass man sich jetzt eingehend “mit Jazz beschäftigt”. Bei mir ist das eher eine oberflächliche Beschäftigung mit der Musik, weil ich einfach nur Platten höre und freue mich daran, dass ich Rhythmen und Klänge höre, die ich so noch nicht kannte. Aber ich bleibe trotzdem Amateur in der Betrachtung und fange nicht an, die Sache dann theoretisch zu analysieren oder im Studio zu kopieren. Ich benutze da einfach meine Ohren, ohne dem Ganzen einen konzeptuellen Überbau zu geben. Es wäre wirklich arrogant zu sagen, dass ich jetzt brasilianische Musik oder Folklore oder was auch immer machen würde. Genau das gleiche gilt für Afrika: Wenn House-Musik versucht, afrikanische Folklore einzubinden, wird es immer grausam, jedenfalls wenn man nicht zugibt, dass es nicht ernst gemeint ist. Ich würde niemals irgendwelche Ethno-Samples über einen House-Beat legen. Nie.

Was ist mit Jazz?

Beim Jazz ist es ähnlich. Ich habe ja die Platte mit dem Christopher Dell gemacht, und der ist tatsächlich waschechter Jazz-Musiker und Improvisator, viel mehr als ich es je sein könnte. Aber diese Zusammenarbeit war natürlich sehr inspirierend für meine eigenen Sachen.

Versuchst du auch im Studio eher improvisations-mäßig heranzugehen oder hast du eine klare Arbeitsweise?

Im Studio zu sein ist für mich immer noch eine sehr kindliche Herangehensweise: Spielen und Probieren sind eigentlich das wichtigste. Dass man am Anfang gar nicht weiß, wohin die Reise gehen soll und sich einfach, auch vom Zufall, treiben lässt. Der Kopf kommt dann erst später, beim Abmischen. Auf dem neuen Album ist “Deo” so ein Fall: Das habe ich improvisiert und dann später den Edit zusammengeschnitten, bis ich zufrieden war. Das hätte ich früher aber auch vermieden, vielleicht weil ich es mir nicht zugetraut hätte. Inzwischen versuche ich, mehr und mehr zu spielen.

Möchtest du in Zukunft generell mehr mit Live-Instrumentierung machen?

Ich habe jetzt auch schon im Studio mein Schlagzeug stehen und Percussion-Instrumente, alte Effektgeräte und meine Gitarre. Das ist auch alles auf dem Album schon zu hören: Die Percussion sind keine Samples, sondern selbst gespielt und das gleiche gilt auch für einige Soli und Dub-Effekte, die im Studio live passieren und dann später auf dem Rechner nochmal bearbeitet werden. Auf jeden Fall spielt das eigentliche Spielen bei mir momentan wieder mehr eine Rolle als die reine Sequenz der Musik.

Damit vermeidet man auch das, was ein Kollege von mir unlängst als “Preset-House” bezeichnet hat.

Für mich ist das auch eine Ehrensache, dass ich eben nicht, salopp gesagt, die “Dubhouse-Sample-CD” einlege. Die Verlockung ist natürlich heutzutage, wo die Produktionsmittel deutlich günstiger sind und auch die Verfügbarkeit von Grundlagen wie Loops oder Samples unermesslich ist, groß, dann auch die Sachen direkt zu nehmen. Aber ich glaube der eigentliche Charakter entsteht eben erst dann, wenn man sich wirklich auch die Arbeit macht, seine Sachen selbst aufzunehmen und selbst zusammenzuschneiden.

Verlierst du dich dabei auch öfters mal in der Produktion?

Die Gefahr besteht natürlich immer. Man ist im Produktionsprozess und denkt sich, dass das ein oder andere Detail vielleicht noch gut wäre, aber tatsächlich bringt es dem Stück eigentlich keinen Mehrwert. Das muss man dann halt beim Abmischen wieder korrigieren, weswegen der Prozess des Abmischens mir auch teilweise schwieriger fällt das tatsächliche Musikmachen. Gerade wenn es darum geht, sich von einem Stück zu verabschieden, loszulassen, das fällt mir manchmal schwer. Aber dann habe ich zum Glück Leute um mich herum, wie auch Pete und Dave, die das dann anhören dürfen und auch sagen “Komm, ist doch fertig, lass gut sein”.

Glaubst du, dass du dich nach dem Album wieder in die Richtung “klassisches Techno” orientieren wirst?

Momentan fühlt sich das, was ich gerade mache, so gut an, dass ich das einfach weitermachen werde. Und ich hoffe, dass nicht irgendwann die große Depression kommt… (lacht)

Wie wichtig ist dir die emotionale Komponente in deinen Tracks?

Ich finde es schon wichtig zu versuchen, sich auch emotional ein bisschen aus dem Fenster zu lehnen und gewisse Stimmungen einfließen zu lassen. Dass man sagen kann, ok, ich bin jetzt eben ein bisschen melancholisch, ohne dass es peinlich ist. Ich habe da auch mit Ricardo [Villalobos] mal vor vielen Jahren drüber gesprochen und wir waren uns einig, dass die Leute eigentlich soweit sein müssten, um auf dem Dancefloor zu weinen. Es muss nicht immer Party und “hands in the air” sein, sondern eben auch das Gegenteil – wieso auch nicht? Dadurch wird ja auch das andere wieder intensiver. Musik sollte nicht zur einfachen Tapete verkommen, sondern einem immer auch etwas mit auf den Weg geben. Ich möchte ja auch was spüren, wenn ich Musik höre.

Der Mittelweg zwischen Tanzbarkeit und Party und Gefühlen jenseits der bloßen Euphorie ist da wohl das wichtigste….

Für mich sind es auch die DJs, die an einem Abend die volle emotionale Bandbreite abbilden, die am interessantesten sind. Aber ich merke das auch bei mir selbst, dass das immer wieder eine Herausforderung ist. Es klappt halt auch nicht immer.

Hat sich dein Auflegen denn in dieser Hinsicht verändert? Bist du mutiger geworden über die Jahre?

Als DJ wächst man ja auch genauso über die Jahre wie als Musiker. Die Dinge Verstehen ist eine Sache, aber sie dann auch selbst umzusetzen ist nochmal was anderes. Als ich angefangen habe aufzulegen und auch zu produzieren habe ich mich auch erst einmal auf meine großen Vorbilder und Labels eingelassen. Das machen heute auch noch viele, weil es ihnen einfach am nächsten ist. Aber irgendwann stellt man fest, dass da noch eine Möglichkeit ist, so viel mehr unterzubringen. An den Punkt bin ich erst nach ein paar Jahren gekommen. Heute würde ich sagen, dass ich den größten Spaß daran habe, wenn ich in einer Nacht unterschiedliche Höhepunkte setzen kann und vor allem die Leute dann auch mitgehen.

Ich habe oft das Gefühl, dass sich die Clubgänger auch viel öfters überraschen lassen würden.

Es ist auch so, dass die Clubgänger von vielen Leuten unterschätzt werden. Irgendwie ist es ja auch ein System, dass sich selbst erhellt: Viele Dinge sind einfach erfolgreich, weil sie eine bestimmte Macht haben. Ohne dass sie jetzt besonders gut sind. Das zu ändern ist nicht einfach, die Clubs wollen ja auch keine Verluste machen. Und so spielt sich das dann über Jahre ein. Und bis dort dann wieder genug Schwung für Änderung reinkommt dauert Jahre.

Wie kann man das ändern?

Ich glaube fast, dass wir gerade jetzt, auch mit dem vorher erwähnten Zyklus, an so einem Punkt angelangt sind, an dem das ganze Auf-Nummer-Sicher-Gespiele an seine Grenzen stößt und Clubs und DJs sich mehr trauen. Zum einen hat das Internet das alte Gefüge etwas aufgebrochen, weil sich dort ganz andere, ich sag jetzt einfach mal “Zielgruppen” finden, die andere Erwartungen an einen DJ haben als zunächst gedacht und das auch äußern. Dazu kommt, dass wir ja eigentlich jetzt erst soweit sind, dass Leute, die schon zehn, zwanzig Jahre dabei sind anfangen, ihre Erfahrungen mit Clubmusik in Relation zu setzen. Dadurch bekommt man die ganze Geschichte auch eine neue Perspektive, was sehr spannend ist.

Was hast du persönlich für die Zukunft geplant?

Ich werde erst mal so weitermachen wie bis jetzt. Ein zweites Album auf Dial wäre so ziemlich das Beste, was ich mir momentan vorstellen könnte – wenn die Jungs mich denn lassen. (grinst)

Info: Auszüge dieses Interviews sind in der De:Bug #155 erschienen

Als Atanasios Christos Macias, besser bekannt als Ata, im Jahr 1999 einen Club an der Grenze zwischen Offenbach und Frankfurt ins Leben rief, war er bereits eine Institution in Frankfurts Musikszene: 1992 gründete Ata gemeinsam mit Heiko M/S/O das “Delirium”, einen Plattenladen, der schnell zu einer der bekanntesten Adressen der Republik wurde, wenn es um elektronische Musik ging. Der Laden war gleichzeitig auch Zentrale und Hub des Labelkollektivs Ongaku, dessen Sub-Labels Playhouse und Klang Elektronik auch 18 Jahre später noch immer für qualitativ hochwertige Musik stehen.

Und doch, um die Jahrtausendwende stand es eher schlecht um Frankfurts Clubszene. Gemeinhin als eine der Geburtstätten elektronischer Musik in Deutschland angesehen, befand sich Frankfurt um das Jahr 2000 in einer seltsamen Übergangsphase: 1998 schloss das legendäre Omen seine Pforten, das nicht minder populäre Dorian Gray folgte ein Jahr später. Es war sicherlich nicht die beste Zeit, um gerade jetzt einen neuen Club zu eröffnen, der sich ausgerechnet auf House-Musik konzentrierte.

Doch Ata hatte eine Vision, und rund zwölf Jahre später gilt das Robert Johnson, benannt nach dem gleichnamigen Blues-Legende, als einer der besten Clubs – nicht nur in Deutschland, sondern weltweit. Das ist insofern erstaunlich, als dass sich das “Johnson”, wie es unter Clubgängern meist genannt wird, in zwölf Jahren kaum verändert hat. Noch immer verzichtet der kleine Club am Mainufer auf eine komplexe Lichtanlage, auf die ganz großen Namen, wenn man von einigen langjährigen Residents wie Ricardo Villalobos und Richie Hawtin einmal absieht, und noch immer frönt der Club einem schlichten Minimalismus, der dem gleichnamigen Genre damals weit vorraus war.

Trotzdem ruht sich das Robert Johnson ebensowenig wie Ata auf seinen Lorbeeren aus. Mit Live at Robert Johnson ist ein neues Label entstanden, das sowohl den “Spirit” des Clubs auffangen und gleichzeitig die Residents bekannter machen soll. Und auch der Chef persönlich ist nicht stehengeblieben: Neben seinen legendären, langsam-köchelnden und eklektischen DJ Sets, hat Ata mit dem Club Michel eine regelmäßige Kochveranstaltung ins Leben gerufen. Und wenn er nicht gerade hinter dem Herd steht, kann man ihn vielleicht an der Theke seiner neuen Bar im Frankfurt Bahnhofsviertel antreffen. Ein Gespräch mit Ata über gutes Essen und gute Musik.

Ata, das Robert Johnson geht in sein zwölftes Jahr. Als ihr damals eröffnet habt, hättest du gedacht, dass ihr euch so lange haltet?

Ich bin kein Schwarzseher. Wenn ich etwas mache, dann mach ich es aus dem Bauch heraus und denke nicht daran, wie lange das anhalten könnte oder wie viel es kostet. So war das damals, als wir 1999 den Club aufgemacht haben auch. Wenn ich aber heute zurückblicke, und mir die durchschnittliche Halbwertszeit von einem Techno-Club anschaue, dann denk ich schon “wow, zwölf Jahre, nicht schlecht!”

Wodurch kommt diese Kontinuität?

Der Erfolg kommt sicherlich daher, dass wir den Robert Johnson immer so puristisch wie möglich gehalten haben und versucht haben, ihn nur über die Musik und die Anlage zu füllen. Viele neue Clubs haben zwar ein tolles Design, das aber auch schnell aus der Mode ist. Das Robert Johnson hat eigentlich gar keines, es ist clean, wie ein OP. Es geht nur um die Musik und die Menschen, die da tanzen. Wir lassen uns nicht von Sponsoren jagen, oder irgendwelchen Getränkeherstellern. Dazu kommen natürlich noch die Lage und die Türpolitik, die manchen nicht gefällt, aber total wichtig ist. Dieser Kosmos, wie wir den Club führen, ist glaube ich das Erfolgsrezept.

Die Türpolitik wird auch immer wieder kritisiert.

Unsere Türpolitik ist ja ganz speziell, da sie ausschließlich von Frauen gemacht wird. Klar gibt es Kritik, die Leute schreiben böse E-Mails und sind sauer weil sie nicht reinkamen. Dabei ist die Türpolitik wichtig, um die richtige Balance im Club zu haben. Das war auch früher schon so und ist in anderen Clubs genauso. Man kann einfach nicht jeden rein lassen. Punkt. Man muss als Clubgänger das Gefühl haben, dass der Clubbesuch noch etwas Besonderes ist. Mit dieser Einstellung verliert man vielleicht auch ein paar Leute über die Jahre, aber der Gewinn an Atmosphäre ist größer.

Auch an der Bar und der Garderobe arbeiten fast nur Frauen. Hat das einen bestimmten Grund?

Ich arbeite seit Jahren größtenteils mit Frauen zusammen, weil ich das Arbeitsklima einfach angenehmer finde. Es gibt auch immer wieder Leute, die sagen „Die Barmädels im Robert Johnson sind scheiße!“ und ich sag “Klar reagieren die scheiße, weil sie seit Jahren von euch angemacht werden.” Ich persönlich finde ja die Barmädels interessanter, die nicht immer gleich alle anlachen. Da besteht doch ein Reiz drin, die Barmädels zu knacken (lacht). Aber im Ernst, wir versuchen einfach mit Leuten zusammenarbeiten, mit denen man auch privat essen gehen kann. Ich sehe den Club als Biotop, in dem alles aufeinander abgestimmt ist.

Gab es jemals die Idee, in eine größere Location zu ziehen?

Ich habe in vielen Jahren gelernt, dass es eine Lebenseinstellung ist, die Dinge nicht zu erzwingen, sondern auf sich zukommen zu lassen. So ging es mit damals mit dem Robert Johnson und so geht es mir heute auch noch. Ich würde auch umziehen, wenn sich die Möglichkeit ergibt. Aber das müsste dann natürlich schon noch einen drauf setzen – ich würde mit keinem Club mehr in einen Keller ziehen! Und da unsere Location schon relativ fantastisch ist, wird das schwer. Viele Freunde haben mich auch gefragt, ob ich denn nicht in Berlin ein Robert Johnson aufmachen möchte. Es gab auch immer wieder Gespräche mit Bekannten, mit DJs in Berlin, aber ich glaube wir sind alle zu chaotisch um das zu machen (lacht). Aber ja, wenn es passiert, dann passiert es eben. Aber ich gehe nicht raus und versuche verzweifelt, das durchzusetzen. Obwohl ich glaube, dass Berlin ein Robert Johnson vertragen könnte…

Inwiefern?

Berlin ist sehr vielschichtig, was toll ist, aber es hakt doch an vielen Stellen. Ich bin mit keinem Club wirklich zufrieden und würde vielleicht einige Dinge anders machen. Das wäre natürlich eine Messlatte, die ich mir gerne selber auflegen würde.

Viele Clubs in Frankfurt haben immer wieder Probleme mit den Behörden. Wie erging es euch so?

Die größten Probleme hatten wir eigentlich durch Polizeikontrollen. Die sind aber auch erst entstanden als im MTW, unserem Nachbarclub, auch vermehrt Techno gespielt wurde. Die Polizei hat dann nur gesehen: Techno – Kinder – Drogen – Schlimm! Also richtig dumm eigentlich. Aber natürlich war es so, dass sie bei ihren Kontrollen dann auch irgendwelche verstrahlten Kids gefunden haben. Und dann gab’s Stress. Aber ich glaube das Robert Johnson ist ohnehin eher ein Kiffer-Club. Bei uns wird gepflegt einer geraucht oder man betrinkt sich. Aber es ist wie überall, ein Club ohne Drogen gibt es nicht.

Seit Jahren taucht das Robert Johnson immer wieder in Best-of-Listen auf. Wie geht ihr mit dieser Popularität um? Ihr habt ja mal versucht, das Line-Up nur noch als Audios zu veröffentlichen…

Die Entscheidung, keine Flyer mehr zu drucken und nur die Musik sprechen zu lassen hätte funktioniert, wenn die Leute nicht angefangen hätten, wilde Spekulationen im Netz zu posten. Dann wurde ich auf einmal zu Tiefschwarz und Chloé zu Magda. Das war natürlich nicht Sinn der Sache, deswegen haben wir das dann auch wieder sein lassen.

Trotzdem ist es ja schade, dass an manchen Abenden, an denen bekannte Namen spielen der Club voll ist, und an manchen nicht.

Früher war der Club der Grund, wieso die Leute gekommen sind. Dann kam das, was ich gerne als “Rock ‘n Roll Business” bezeichne: Anstelle des Clubs sind die DJs gerückt, die man hören wollte. Früher bist du in einen Club gegangen, weil die Musik konstant gut war und du den Sound und die Leute mochtest. Heute gehen die meisten Leute nicht mehr wegen dem Club aus, sondern weil sie einen bestimmten DJ hören wollen. Das kommt natürlich auch durch den Informationsfluss, man kann auf einen Mausklick sehen, welcher DJ an welchem Abend wo spielt und die Leute suchen sich dann ihre Lieblinge aus. So kommt es leider auch so, dass an manchen Tagen weniger Leute kommen, weil der DJ vielleicht nicht so bekannt ist. Aber die Veränderung muss man eben akzeptieren, ebenso wie diese ganze Vinyl/mp3 Geschichte.

Im Berliner Berghain müssen in manchen Monaten alle DJs mit Vinyl auflegen. Könntest du dir sowas auch für den Robert Johnson vorstellen?

Ich finde das ja etwas albern. Es ist zwar lustig, aber mein Gott…Wenn man sowas machen will, dann müsste man das wirklich durchziehen. Also ganz klar sagen, dass die DJs bei uns nur mit Vinyl oder CD auflegen, und alle mit Laptop zuhause bleiben müssen. Aber welcher Club kann sich sowas heutzutage schon leisten? Letztendlich soll aber jeder seinen Weg gehen.

Das Robert Johnson hat in den Jahren immer wieder bestimmte DJs gefördert, die in anderen Clubs nicht so oft zu sehen waren. Gehört das zur Philosophie des Clubs dazu?

Für uns war immer wichtig, dass man an Dinge glaubt. Wenn ich einen DJ buche, dann glaube ich an ihn und mag seine Musik. Nimm z.B. Thomas Hamann und Gerd Janson – zwei super Jungs, die seit Jahren bei uns Resident sind ohne die absoluten Superstars zu sein. Trotzdem hat Gerd mit seinem Label und seinem Stil und auch mit seinen Sets bei uns inzwischen einen ungeheuren Respekt in der Szene erfahren.

Das Robert Johnson basiert auch nicht auf dem klassischen Geschäftsmodell. Wir buchen keine großen Namen und schauen, ob sie funktionieren oder nicht. Wenn ein DJ kommt und super spielt, dann kann der wieder kommen. Gute Musik, guter Vibe – der bleibt. Scheißegal, wie viele Leute letztlich gekommen sind. Und natürlich bauen wir die Leute auch auf – als Magda angefangen hat bei uns aufzulegen, da hat sie noch keine Hallen vollgemacht und durfte trotzdem weiter auflegen. Wenn die DJs dann irgendwann Jahre später selbst bei mir anrufen und fragen, ob sie spielen dürfen, ist das glaube ich der schönste Beweis, dass unser System funktioniert.

Ist das Label “Live at Robert Johnson” dann auch die Konsequenz daraus, diese Leute noch zu pushen?

Auf jeden Fall. “Live at Robert Johnson” ist eine Plattform für unsere Residents und Künstler. Aber in der Mix-Serie kommt nur noch eine abschließende Ausgabe von Dixon, dann ist die Sache erst mal abgeschlossen. Wir wollen künftig nur noch Compilations machen.

Wieso das?

Ach, in Zeiten, in denen es an jeder Ecke Podcasts und Live-Mixe gibt, ist dieses verkrampfte DJ-Mix-Ding auf CD schon eher Wahnwitz. Da finde ich Compilations spannender. Da kann ich mich z.B. mit Ricardo absprechen. Wir können Tracks suchen, die total abgefahren sind, ohne den Druck zu haben, daraus einen Mix zu machen. Ich finde, dass Ricardo und auch ich auch gar nicht auf CD-Länge funktionieren. Wir fangen erst nach 45 Minuten an, Schwung aufzunehmen und so geht mir das auch beim Hören von Mix-CDs….

Du hast ja mit dem Club Michel noch einen anderen “Club” am Laufen. Wie kam die Idee zustande?

Das war vor ca. sieben Jahren an einem Abend im Robert Johnson. Ich habe die Passion zu kochen, und Musik, Mode, Kunst und Kochen gehört bei mir alles in einen Topf. Es kam der Punkt, an dem du deine Freunde nicht mehr regelmäßig im Club siehst – da gibt es Kinder, Familie, einen neuen Job. Dann habe ich mich gefragt, was man machen kann, damit man die alten Freunde trotzdem regelmäßig sieht. Und zum Essen kommen sie komischerweise immer alle… (lacht)

…und da hast dich entschieden, regelmäßige Kochabende zu machen?

Ja, am Anfang habe ich tatsächlich für jeweils einen Donnerstag den Club komplett umgebaut, um dort kochen zu können. Und siehe da: Alle waren da! Die Sache hat dann eine Eigendynamik entwickelt. Tobias Rehberger, ein befreundeter Künstler, hat sein Atelier im selben Haus wo auch unser Büro ist. Er hat mich angesprochen und gesagt, dass das Loft frei sei. Ich hab mir das angeschaut und gedacht “Geil, das isses!”. Dann haben wir das zusammen ausgebaut und der Club Michel war geboren – in Anlehnung an Michel Piccoli, dem Schauspieler in “Das große Fressen”.

Stehst du denn immer selbst hinter dem Herd?

Nein, nicht immer. Ich versuche, immer einen Gast-Koch zu haben. Laurent Garnier war mal als Gast bei uns und wollte danach sofort selbst thailändisch kochen. Auch Miuccia Prada hat sich mal angeboten, aber die ist natürlich sehr busy. Charlotte Mies, die in meinen Augen beste Köchin Kölns, die auch für die Jungs von Kompakt kocht, ist jetzt wieder regelmäßig bei uns. Auch sonst kochen viele aus dem Kunst-Umfeld bei uns. Die Aktion hat schon Wellen geschlagen. Wir machen jetzt grad einen zweiten Club Michel in Helsinki, und auch in Berlin und London gibt es glaube ich ähnliche Konzepte. Wir kochen für gute Künstler oder für Weihnachtsfeiern im Museum für Moderne Kunst oder im Städel. Der Club Michel ist jetzt so ein kleiner Tempel für Andersdenkende, die sich auf ein spannendes Menü einlassen.

Würdest du sagen, dass ein gutes Menü wie ein guter Mix ist?

Absolut! Gute Köche schaffen es schon, dich fertig zu machen – im positiven Sinn! Die Kombination aus Geschmäckern, Getränken, Fusionen kann dich wirklich beflügeln. Essen und Musik zielen ja auf das gleiche Gefühl ab: Du spürst, wenn du gut gegessen hast und du fühlst dich gut, wenn du dir den Arsch abtanzt. Oder wenn du eine tolle Kunstausstellung siehst. Kochen ist für mich Kunst.

Der Club Michel ist nicht dein einziger Ausflug in die Gastronomie. Im Frankfurter Bahnhofsviertel hast du nun auch eine Bar aufgemacht.

Ja, die “Bar Plank”. In Anlehnung an Conny Plank. Conny ist eine Persönlichkeit, die mir den Zugang zur elektronischen Musik geöffnet hat. Für mich hat er einige der wichtigsten Platten überhaupt produziert. Als bekannt wurde, dass nach seinem Tod das Studio verkauft wird, habe ich mir das Schlagzeug gekauft. Das stand bei mir dann jahrelang im Schlafzimmer herum, und ich wusste nicht so recht, wo ich es parken konnte…jetzt steht es in der Bar. Aber natürlich war die Idee hinter der Bar vor allem die, auch tagsüber seine Freunde zu sehen. Wir halten das auch ganz persönlich. Es gibt selbstgemachte Kuchen und erst ab 18 Uhr Alkohol.

Vor einigen Jahren hast du mal gesagt, dass man Frankfurt als Partystadt eigentlich vergessen kann. Wie stehst du heute dazu?

Naja, da hat sich nichts geändert: Frankfurt ist eben Frankfurt. Es ist halt so, dass es eine kleine Bank-, Hotel- und Messestadt ist. Das merkt man, auch in kultureller Hinsicht. Die Restaurants sind nicht toll, man kann nicht wirklich gut ausgehen. Ok, das kann man – finde ich – in Paris oder London auch nicht wirklich, aber die Städte haben natürlich noch viel mehr zu bieten, was Frankfurt halt nicht hat. Aber trotzdem sind dort meine Freunde und meine Familie. Einen kleinen Vorteil hat es: Man hat seine Freunde immer in der Nähe. In Berlin bleibt jeder in seinem Kiez, Frankfurt ist halt nur ein Kiez.

Wie haben sich deine anderen Projekte auf deine DJ-Karriere ausgewirkt?

Es ist schon weniger geworden. Aber nicht weil ich keine Zeit mehr zum Auflegen habe, sondern weil ich einfach nicht im Club enden möchte. Ich werde sicherlich nicht mit 50 noch in irgendeinem Club stehen und mich durchleiern lassen. Ich mag das Auflegen, aber ich habe einen Punkt erreicht, an dem ich mich einfach zu alt fühle, das so intensiv zu betreiben wie früher. DJ zu sein ist harte Arbeit. Man muss sich vorbereiten, die Fliegerei, dann ist man das Wochenende unterwegs, sieht seine Familie nicht und muss Montag früh eigentlich auch wieder im Büro sein. Ich bin froh, auch andere Sachen zu haben, die mir ebenso viel Spaß machen und weniger stressig sind.

Was plant ihr für die Zukunft?

Wir planen momentan einen Bildband, der die letzten zwölf Jahre noch einmal zusammenfasst. Wir haben ja nicht nur den Club gemacht, sondern auch T-Shirts, Poster, Buttons, Ausstellungen, Platten und Konzerte. Das Material wird seit fast einem Jahr gesichtet und katalogisiert und von zwei Freunden in ein Buch gepackt, das Anfang nächsten Jahres erscheinen wird. Uns war selbst gar nicht bewusst, wie viel wir eigentlich gemacht haben, und damit können wir den Leuten zeigen, was der gesamte Kosmos “Robert Johnson” eigentlich alles umfasst. Zuerst sollte der Band “Halbzeit” heißen, aber das habe ich dann schnell wieder verworfen… (lacht)

Und wie heißt es nun?

“Come into my kitchen”. Wie der Song von Robert Johnson. Der hat damals schon die Küche besungen als Ort, an dem man sich trifft, die Nacht über Whiskey trinkt und tanzt. Wenn man die Geschichte von Robert Johnson und Blues liest, wird einem sehr schnell klar, dass die damals nichts anderes gemacht hat als was wir heute machen. Nur die Musik war ‘ne andere.

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Info: Dieses Interview ist ursprünglich auf Resident Advisor erschienen. Die Fotos stammen von Julia Katharina Ziegler.

Es ist wahrlich nicht schwer, Parallelen zwischen Moritz Friedrich, besser bekannt als Siriusmo, und seinem Studio zu ziehen: Das Studio, gut versteckt in einem alten Bürokomplex an der Grenze der Berliner Bezirke Prenzlauer Berg und Friedrichshain, ist ähnlich zurückgezogen wie der Produzent im wahren Leben und gleichzeitig so bunt wie seine Musik: Vinyplatten, alte Zeitschriften, leere Bierflaschen und jede Menge Kleinkram liegt auf dem Boden herum, an einer Wand hängt eine Dämmung mutlos herunter, während in der Mitte des Raums eine alte abgewetzte Ledercouch türmt, auf der Siriusmo zu Beginn des Interviews sichtlich zufrieden Platz nimmt. Tatsächlich scheint diese Form des “organisierten Chaos” so etwas wie die Quelle zu sein, aus der Siriusmo seine Inspiration schöpft: Entsprechend vielseitig ist auch seine Musik, die irgendwo zwischen bratzigem Electro, Techno und obskurem Pop anzusiedeln ist.

Seit mehr als zehn Jahren arbeitet Friedrich nun schon an dieser musikalischen Vision. Über ein Dutzend Platten hat er veröffentlicht, zunächst auf Jazzanovas Sonar Kollektiv, später dannvor allem auf Jan Drivers Grand Petrol. Inzwischen ist Friedridch auf dem Modeselektor-Label Monkeytown angekommen und darf sich dabei immerhin der erste nennen, der dort veröffentlichen durfte. Das war 2009. Zwei Jahre später hat Siriusmo sein erstes richtiges Künstleralbum im Kasten. Mosaik ist nicht nur namentlich eine Hommage an seine Produktionsweise: Es ist ein Sammelsurium unterschiedlicher Stile, das aus Friedrichs ungezwungener Herangehensweise entstanden ist. Wie diese genau aussieht, erzählt er uns im Folgenden.

Welche Geräte hast du momentan im Studio und mit was hast du ursprünglich angefangen?

Ich habe mit einem EMAX II angefangen – einer dieser alten Sampler aus den 80er. Außerdem hatte ich noch einen Atari, mit dem ich Cubase als Sampler gesteuert habe. Später habe ich dann einen digitalen Sampler gekauft, den ESI 4000. Eigentlich habe ich heute gar nicht mehr so viel Zeug…ich hab hier das Rhodes, einen geborgten Wurlitzer, einen Korg Trident, den ich mit 16 oder so gekauft habe und einen Korg Mini, den ich eher selten benutze. Achja, und noch die Orgel hier… (deutet in die Ecke des Studios)

Hast du dir den Trident wegen eines bestimmten Grundes gekauft?

Als ich mit der Ausbildung anfing, hab ich die ersten Gehälter genommen, um mir einen Synthesizer in einem Second Hand Shop zu holen. Um ehrlich zu sein dachte ich, dass der Trident mehr wie ein Hammond klingt, ganz einfach weil er so riesig war. Ich hab da an die Beat Club Shows aus dem Fernsehen gedacht. Als ich ihn gekauft habe, war ich fast ein bisschen enttäuscht, weil es eben “nur” ein Synthesizer war und wir in unserer Band damals eher wie die Doors klingen wollten. Aber heute ist es das Herzstück meines Studios.

Einige Bands aus den 1980ern schwören auf den Korg Trident…

Es ist aber auch ein fantastisches Gerät: Ich bekomm damit fast alles Sounds hin, die ich brauche. Mit Synthesizern ist ja immer so: Du siehst sie, und willst sie eigentlich alle haben. Ich hatte auch mal einen alten Moog, den ich aber verkaufen musste, weil ich Geld brauchte. Den Trident würde ich niemals hergeben.

Was ist denn so besonders daran?

Altes Equipment, das durch Strom betrieben wird, wie die alten Synths, klingt einfach sehr warm und rund. Ich mag das.

So wie das Rhodes…

Ich benutz das Rhodes eigentlich mehr wie einen Tuner, um ein paar Klänge und Stimmungen auszuprobieren. Ich nehme damit nicht viel auf, weil es eben sehr bekannt klingt, und ich eigentlich eher auf der Suche nach unkonventionellen Klängen bin. Aber ich benutz den Rhodes gelegentlich, um meinen Tracks noch etwas Wärme zu geben.

Wie ist der Wurlitzer im Vergleich?

Der Wurlitzer ist halt nochmal deutlich funkier als das Rhodes. Es war immer ein Traum von mir, einen zu haben, aber der hier ist nur geliehen – die Dinger sind echt schwer zu finden hier in Deutschland und vor allem teuer. Aber ich muss auch zugeben, dass ich noch gar nicht so viel damit gespielt habe…

Änderst du dein Studio Setup den häufig?

Nee, gar nicht. Zum einen tu ich mir immer schwer damit, meinen Kram up-to-date zu halten. Du siehst ja, dass meine ganze Technik nicht wirklich neu ist. Ich habe auch ewig gebraucht, bis ich endlich mal einen richtigen Computer benutzt habe. Das war erst, als mir ein Freund zeigte, wie man 16 MIDI-Tracks gleichzeitig benutzen konnte.

Zum anderen habe ich auch einfach nicht so viel Kohle, um mir ständig Hardware zu kaufen. Das letzte was ich mir geleistet habe, war der Mini Korg, weil er einen eingebauten Vocoder hat und ich damals mehr Vocals aufnehmen wollte. Der Mini Korg ist auch echt nicht teuer, und ich könnte auch einfach einen Computer nehmen, aber so ist noch etwas spontaner und lustiger….

Was benutzt du denn für ein Mikrofon?

Warte mal….das hier (kramt auf dem Boden)… ein Sennheiser MD 421.

Das sieht ganz schön old-school aus…

Das ist auf jeden Fall old-school! Ich glaube, das gab es schon in den 60ern als Mikrofon im Fernsehen und Radio, aber man kann es immer noch kaufen. Naja, ich nehme meine Musik sowieso immer ein bisschen auf wie Rock, und das klingt häufig auch so. Deswegen ist es mir auch nicht so wichtig, wie klar es letztlich aufgenommen wird. Der Reiz meiner Musik liegt für mich auch darin, dass auch etwas “alt” klingt, wenn du weißt was ich meine. Früher hatte man in seinem Studio nur ein Mikrofon und eins auf dem Boden für die Drums – das hat man dann alles in einen 4-Spur-Rekorder aufgenommen. Ich mag diesen Ansatz.

Hast du eine bestimmte Arbeitsweise, wenn du im Studio bist?

Nicht wirklich, außer dass ich mir immer vornehme, konzentriert zu sein. Aber wie das halt so ist, verstricke ich mich meistens trotzdem so in einen bestimmten Track, dass ich teilweise gar nicht mehr darauf achte, wie es klingt. Ich mach sehr viel mit Kompressoren, und oft klingt das dann alles ziemlich scheiße und einfach nur laut und bratzig. Das merke ich dann immer erst hinterher… (lacht)

Deine Musik ist ja auch sehr kraftvoll. Liegt das an der Kompression?

Ich fühl mich ja fast schlecht, das hier zu sagen, aber… ich nehme ein L2 Ultramaximizer Plugin. Das ist eigentlich gar kein Kompressor, sondern eben ein Maximizer! Man sollte das auch eigentlich nicht machen, aber wenn ich hier in meinem Studio sitze, dann dreh ich die Sachen halt gerne auf. Erst später, beim Mischen, geh ich dann wieder zurück und versuche, die ganze Sache wieder etwas aufzulockern. Aber trotzdem kann man mit Kompression erstaunliche Sounds hinbekommen, die gleichzeitig gut grooven und vor allem sehr “dicht” klingen. Wie gesagt mag ich es, wenn meine Tracks immer auch etwas kantig klingen…

Ich sehe, du hast, ähm, “interessante” Dämmung hier…

Du meinst das traurige Zeug, das hier an der Wand hängt? Das ist eigentlich Bauisolierung, die Wasser und Kälte abhalten soll. Der Sound hier drin ist eigentlich fürchterlich. Wenn ich meine Monitor-Boxen aufdrehe, dann steht hier wirklich der Bass drin, wenn du weißt was ich meine.

Aber trotzdem bist du hier seit fünf Jahren…

Ach, man gewöhnt sich dran. Wenn du hier rausgehst, dann hörst du nicht mehr so richtig gut. Deswegen muss ich auch woanders abmischen. Zum Glück habe ich einen Freund, der ein besseres Studio hat. Ohne ihn hätte ich mich vermutlich schon längst nach etwas Besserem umgeschaut. Aber ja, seitdem ich die Couch hier habe und den ganzen Kram, klingt es besser. Scheint fast, als würde der Raum besser klingen, je mehr Müll drinsteht… (lacht)

Das ist lustig.

Naja, das ist Kunst, wa? (grinst)

Wie viele Tracks hast du denn im Prozess für dein neues Album ausgemistet?

Einige der Tracks sind eigentlich schon vier, fünf Jahre alt. Ich kann nichts verwerfen, deswegen habe ich endlos viel Material. Die Kunst ist es, aus den ganzen angefangenen Tracks und Fragmenten wieder etwas Neues zu machen. Ich schreib mir die Titel der Tracks auf, und ab und zu höre ich sie dann wieder und denk mir “Oh, damit kann ich ja vielleicht noch was machen…” oder “Es wäre schade, wenn aus der Idee nicht würde….”

Das klingt interessant. Notierst du dir dann das Datum, oder den Dateinamen, oder…

Meistens ist was total zufällig wie “Test Fett 3.5.0″. Wenn ich eine Weile keine Musik mache, vergesse ich die Sachen halt, deswegen schreibe ich es mir auf einen Notizblock, oder was auch immer gerade zur Hand ist.

Und dann findest du die Sachen tatsächlich wieder?

Schön wär’s! (lacht). Aber im Ernst, viele der Sachen sind auch nicht allzu gut wenn man sie später nochmal hört.

Wie lange warst du, alles in allem, mit dem Album beschäftigt?

Ich habe rund drei Monate im Studio gesessen. Das war schon ungewöhnlich, denn ich bin selbstständig und muss mir meine Zeit zwischen Musikmachen und Arbeit entsprechend einteilen. Aus dem Grund musste ich auch wirklich fokussiert arbeiten und konnte in der Zeit nicht immer wieder neue Beats anfangen.

Wie ist denn die Verteilung aus Hardware und Software?

Ich würde sagen 50-50. Da ist meistens der Trident in den Tracks, aber ich benutze zum Beispiel keinerlei Drum Machines, es sei denn ich leih mir mal eine. Ich sample doch recht viel und schneide mir die Samples dann in Tracks zurecht mit einem Software Sampler. Aber ich glaube, ich habe noch keinen wirklich reinen digitalen Track gemacht. Ich benutz auch keine VSTs…

Was benutzt du für Drums und Percussion?

Außer Cubase benutze ich vor allem Battery von Native Instruments. Ab und zu nehme ich auch den Kontakt, aber das ist ein mega fettes Teil. Kommt halt immer drauf an, was ich genau machen möchte. Oft nehme ich auch einfach Originale und bau es direkt ein.

Was meinst du genau?

Naja, ich nehme die Drums, die ich gesamplet habe und packe sie direkt in den Track und modifiziere sie dann entsprechend. So habe ich das auch damals mit meinem ollen EMAX gemacht um zu schauen, welche funktionieren und welche nicht. Stefan von Jazzanova hat mir das damals gezeigt und seitdem mache ich das mehr oder weniger so. Dabei geht es weniger um Loops, sondern wie man die Drums um den Track herum einbaut und daraus dann wieder kleinere Beats herausschneidet. Ok, das klingt vielleicht etwas kompliziert für Außenstehende…

…es klingt vor allem nach einer Menge Arbeit.

Ja vielleicht, aber es gibt ja unendlich viele Möglichkeiten, um einen guten Groove zu bekommen.

Hast du nie daran gedacht, andere Software neben Cubase zu benutzen?

Ich sehe ja ständig Leute, die mit Ableton Live arbeiten und ich kann mir vorstellen, dass man damit tolle Sachen machen kann, aber ich werde mit diesem Loop-orientierte Arbeiten, bei dem alles an einem bestimmten Timing hängt, nicht richtig warm; damit kann ich nicht richtig experimentieren. Ich habe auch schon Logic ausprobiert, aber ich fand es schwierig, damit meine Tracks zu editieren. Aber für Effekte ist Logic natürlich deutlich besser. Jemand hat mir mal erzählt, ich weiß nicht ob es stimmt, dass Cubase immer noch die bessere Audio-Engine hat als Logic. Ich dachte ja immer “Ohje, Cubase ist so viel schlechter als Logic”, aber das stimmt scheinbar gar nicht.

Wie sieht es mit Plugins aus?

Ich habe ein paar “geheime” Plugins von meinem Freund Sugar-Bytes. Wir haben mal Musik zusammengemacht, aber inzwischen programmiert er nur noch, was auch seine Vorteile hat: Er fragt mich “Hey, was wäre denn cool für dich?” und ich sag ihm dann ungefähr sowas wie “Oh, ich bräuchte einen Sound, der ‘tit-tit-tit” geht, und dann bastelt er etwas Großartiges zusammen.

Hast du ein bestimmtes Setup wenn du live spielst?

Ich spiele ja gar nicht live. Ich finde das schwierig, mit meinen fertigen Tracks noch etwas live zu machen. Ich packe da so viel Arbeit und Herzblut rein, das kann man später mit einem Laptop nicht nochmal wiederholen. Abgesehen davon, habe ich tatsächlich auch eine mittelschwere Bühnenangst…

Das heißt du legst auch nicht auf? Das ist ja ungewöhnlich heutzutage.

Ich spiele ab und zu mit Freunden und leg dann da auch ein wenig auf. Aber ja, das ist schon ungünstig, denn ich verdiene deswegen halt auch nicht viel mit meiner Musik. Aber auf der anderen Seite brauch ich das auch gar nicht. Ich bin froh wenn ich in diese kleine Höhle hier kommen kann. Sie ist direkt um die Ecke und kostet mich gerade mal 169 Euro im Monat, was für Berliner Verhältnisse super ist. Es ist ja schon ein Luxus, überhaupt ein Studio zu haben. Manche machen ja Musik nur noch mit Kopfhörern – das könnte ich nicht.

Wie oft bist du im Schnitt im Studio?

Ganz unterschiedlich. Ich arbeite immer mal wieder zwei, drei Tage an einem Stück und schaue, wie sich die Sache entwickelt. Ich bin niemand, der die ganze Nacht durcharbeitet. Ich bin eher der Typ, der sich morgens einen Cappuccino holt und dann locker ins Studio geht. Ja doch, das mag ich.

Info: Dieses Interview ist ursprünglich auf Resident Advisor erschienen.

In den letzten Jahren bin ich immer auf einige allgemeine Trends und Entwicklungen eingegangen, doch diesmal möchte ich es etwas persönlicher halten. In dieser Hinsicht war 2010 jedenfalls sehr ereignisreich: Ich habe mein Studium erfolgreich abgeschlossen und bin nach kurzem Leerlauf in dieses Arbeitsleben eingetreten, von dem immer alle sprachen. Drei Umzüge, drei Orte, drei Städte standen dieses Jahr zu Buche. Neue Menschen sind gekommen, andere gegangen. Wichtige Entscheidungen gab es zu treffen und damit auch das Gefühl, zu glauben, letztlich immer die falschen getroffen zu haben. Sie nennen es Erwachsenwerden.

Für TheLastBeat war dieses Jahr leider nicht einmal halb so spannend. Hatte ich an gleicher Stelle schon letztes Jahr geschrieben, dass mein täglicher Musikkonsum ein Rekord-Tief erreicht hatte, hat sich daran auch in der ersten Hälfte diesen Jahres nicht viel geändert. Zwischenzeitlich war die Seite sogar einige Wochen offline und ich kurz davor, dass Kapitel ein für allemal zu beenden. Umso erfreulicher, dass ich spätestens ab dem Sommer und meinem Umzug nach Berlin wieder mehr Lust verspürt habe, Musik zu hören und vor allem auch wieder neue Sachen zu entdecken. Ein Resultat dieser neuen Motivation war schließlich der Relaunch im Oktober, der mir persönlich auch sehr viel bedeutet hat.

Was ich außerdem entdeckt habe – mein Interesse an traditionellen 4/4 Beats ist auch in diesem Jahr abermals zurückgegangen. War letztes Jahr noch mein persönliches “Deep-House-Jahr”, habe ich in 2010 endgültig meine alte Liebe zu Ambient wiederbelebt. Schon lange habe ich nicht mehr so viele beatlose Musik gehört wie in diesem Jahr, was leider auf die Kosten meines 12″-Konsums ging: Viele der vermeintlich “essentiellen” House- und Techno-Platten habe ich bis heute nicht gehört, und auch wenn ich nun in Berlin quasi “an der Quelle” bin, hielten sich auch die Clubbesuche in den letzten Monaten zurück. Aber es ist sicherlich nichts Neues, dass sich die musikalischen Interessen über die Jahre hinweg verschieben.

Lange Rede, kurzer Sinn: Ich freue mich auf das kommende Jahr, auf viel neue und vor allem gute Musik, wünsche allen Lesern einen guten Rutsch und präsentiere nun die Alben und Platten, die sich mir auch nach zwölf Monaten noch im Gedächtnis hielten. Wie immer in no particular order, eh klar.

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Alben

Beach House – Teen Dream (Sub Pop)

Relativ früh dieses Jahr machte das dritte Album von Beach House die Runde. Als die letzten Schneeflocken noch hierzulande fielen, war es nahezu perfekt dafür, um in eine winterliche Melancholie abzudriften. Waren die beiden Vorgänger noch zurückhaltend in Sachen Instrumentierung, ist das Duo auf Teen Dream endlich ausgebrochen; es ist freier, frischer, spannender, ohne dabei diese bittersüße Schwere vermissen zu lassen, diese kleinen, akzentuierten Höhepunkte wie bei 10 Mile Stereo, oder die großen Sehnsüchte wie in Norway. Beach House haben die Bestmarke für 2010 in Sachen Pop sehr früh sehr hoch angelegt – und kaum jemand kam im weiteren Verlauf auch nur in die Nähe.

Preview: 10 Mile Stereo

The National – High Violet (4AD)

Es gibt Indierock. Und es gibt The National. Matt Berninger mit seinem Bariton singt auf High Violet über Kompositionen, wie sie die New Yorker Band noch nie vorher erreicht hat, mal schmachtend, mal ergreifend verletzlich, aber immer eines: packend. Natürlich waren The National schon immer an der kitschig-emotional-melodischen Seite des erwähnten Genres angesiedelt, aber auf High Violet haben sie ihren Stil perfektioniert. Es ist ein Album aus einem Guss, das den Hörer von Anfang an packt, ihm ins Ohr flüstert und dabei, gänzlich unbemerkt, gleichermaßen auszieht, auskotzt, und anschließend wieder warm anzieht und ins Bett bringt. Hat mich sowohl im Frühjahr als auch zum Ende des Jahres an manchen schweren nasskalten Tagen wieder in die Spur gebracht. Müsste ich einen, meinen, Lieblingssong des Jahres wählen, es wäre wohl Afraid of Everyone.

Preview: Anyone’s Ghost

Nest – Retold (Derein)

Wenn Ambient auf klassische Piano-Kompositionen trifft, bin ich eigentlich fast immer überzeugt. Vor allem, wenn dann am Ende so etwas wie Nest dabei herausspringt. Umso erstaunlicher, dass ein Teil von Nest aus Otto Totland besteht, der vor allem als Teil von Deaf Center bekannt ist, also eigentlich eher die abstrakte Seite des Ambient bedient. Sein Partner hier heißt Huw Roberts (Serein) und die Konstellation hat wohl das ergreifendste Piano-Ambient des Jahres hervorgebracht. Herrlich zurückhaltend, gleichermaßen einprägsam, und mit unglaublich viel Gefühl versehen: Es gab dieses Jahr kein Album, zu dem ich lieber eingeschlafen wäre. Und wohl keines, zu dem ich öfters eingeschlafen bin – im positiven Sinne.

Preview: Charlotte

Bonobo – Black Sands (Ninja Tunes)

Simon Green alias Bonobo hat in den letzten Jahren seinen Status vom einstigen DJ/Produzenten zum vollen Studiomusiker ausgebaut – und wurde damit zu einem der bekanntesten Acts auf Ninja Tune. Auf Black Sands bewegt er sich in eine ähnliche Richtung wie schon bei seinem letzten Album 2006, ist aber doch wieder etwas zum klassischen, elektronischen Beatmaking zurückgekehrt. Bonobo komplettiert die alte, britische Downtempo Schule mit Live-Instrumentalisierung, tollen Vocals, komplexen Drums, verwaschenen Samples und spätestens mit dem letzten- und gleichzeitig Titeltrack auch die ganz großen, cineastischen Momente, die einen, wenn diese Bläser einsetzen, zum versteckten “Faust-in-die-Luft”-Strecken bewegen. Großartig, einmal mehr!

Preview: Black Sands

Scuba – Triangulation (Hotflush)

Paul Rose selbst hat den Albumprozess zu Triangulation als ein Jahr voller Höhen und Tiefen bezeichnet, was das Endergebnis nur noch bemerkenswerter macht: Hat Scuba doch schon in den letzten Jahren mit seinen eigenen Produktionen und auch den Platten auf Hotflush maßgeblich an der Schnittstelle von Dubstep und Techno gefeilt, ist Triangulation eines der besten Nachkommen dieser symbiotischen Beziehung; ein sehr futuristisch-angehauchtes Album, auf dem langsamere und deepere Stücke auf nervös-zuckende Bassexperimente prallen. Vielleicht bestand für Scuba hierin die Schwierigkeit, trotz allem ein zusammenhängendes Album zu produzieren. Es ist ihm gelungen; Triangulation ist das bis dato beste Album des Wahl-Berliners.

Preview: Latch

The Boats – Sleepy Insect Music (Home Normal)

The Boats sind spätestens seit sie im Jahr 2009 Danny Norbury ins Boot (pun intended) geholt haben eine vollwertige Band zu nennen. Sleepy Insect Music zeigt daher auch neben der sehr leisen und detaillierten elektronischen Fragmente auch immer wieder Ansätze klassischer Instrumentierung und spärlich eingestezten Vocals. Über allem schwebt dieser leicht angestaubte, Nebel, der wie ein Relikt aus alten Zeiten den Songs eine ganz eigenartige Wärme gibt, die The Boats in den letzten Jahren perfektioniert haben.

Preview

Autechre – Oversteps (Warp)

Wer dieses Blog schon länger verfolgt, kennt meine positive Disposition gegenüber Autechre. Und doch bin ich schon lange kritisch gegenüber der aktuellen Produktionen, so sehr ich das Duo aus Manchester auch schätze: Schon lange wünsche ich mir, dass sie wieder zu den melodischen Kompositionen aus den 90ern zurückkehren würden. Oversteps, eines von zwei Alben in diesem Jahr, tut es nicht, und doch zeigt es eine neue Seite von Autechre: Es ist das wohl unaufgeregteste Album seit Amber im Jahr 1994; voll mit kurzen, perlenden Momenten voller Melodien, die teilweise zum Weinen schön sind, und die sich mit den harschen Beats zwischenzeitlich rangeln und dabei fast noch ein wenig schöner wirken. Eines der wichtigsten, und sicherlich unterschätztesten Autechre Alben überhaupt.

Preview: See on See

The Hundred in the Hands – s/t (Warp)

Eingängige Melodien, 80er-Jahre Synthies und eine leicht aufsässige Rock-Attitüde hinter dem Discokugel-Glitter: The Hundred in the Hands aus Brooklyn wussten, wie man das alles unter einen Hut bringt, einfach lässig darauf losspielt, einige der eingänglichsten Pop-Tracks des Jahres raushaut und dabei noch cooler klingt als der ganze Rest der Hipsternasen aus Williamsburg. Auch live ist das Duo durchaus sehenswert, wie ich mich vor einigen Wochen im Berliner Berghain selbst überzeugen konnte.

Preview: Killing It

Clara Moto – Polyamour (Infiné)

Die Österreicherin Clara ‘Moto’ Prettenhofer als Newcomer zu bezeichnen, ist sicherlich vermessen. Doch trotz einiger EPs in den letzten Jahren, ist sie erst mit ihrem Debütalbum auf Infiné so richtig auf meinen Schirm gelandet. Und dort auch für den Rest des Jahres geblieben. Denn Polyamour zeigt tatsächlich so etwas wie eine mannigfaltige Liebe zu unterschiedlichsten Genres: Geradlinige Techno-Tracks (Take a Second) treffen hier auf melancholische Vocalstücke (Deer and Fox, Joy of My Heart) und werden durch urban-schillernde Ambientpassagen (Goodnight Twilight) entschleunigt. Den roten Faden bilden dabei stets diese wunderbar zarten Melodien, die sich durch alle Tracks ziehen und Polyamour eines des spannendsten und tiefsinnigsten Alben jenseits der stumpfen 4/4 Kickdrum machen.

Preview: Deer and Fox

Oriol – Night and Day (Planet Mu)

Oriol ist ein Spanier, der in Cambridge lebt. Sonst erfährt man herzlich wenig über ihn, und doch hat er nebenbei mal einige der locker-leichtesten Elektronik-Beats des Jahres aus dem Ärmel geschüttelt. Ohne sich in irgendwelche Schubladen stecken zu lassen – Oriol hat sich eine eigene Klangwelt zusammengebaut, die so sonnig-mediterran ist wie das Artwork, und damit eigentlich gar nicht ins Konzept von Planet Mu passt, und gleichzeitig sowas von logisch die Tradition grenz-erweiternder Elektronika weiterführt, die das Label seit Jahren versucht aufzubauen. Kurz: es ist ein fantastisches Album. Oder wie sein Kollege FaltyDL über ihn schreibt: “Sorry but you’re not as smooth as he is. No, nope, no. Go try again.” Recht hat er.

Preview: Flux

Sufjan Stevens – The Age of Adz (Asthmatic Kitty)

Klar, Sufjan Stevens, man denkt sofort an das überambitionierte 50-Staaten-Projekt und dann natürlich an das fantastische Illinois, wohl eines der besten Alben der vergangenen Dekade. Wie kann man das toppen? Klare Antwort: Man kann es nicht. Das hat auch Sufjan Stevens selbst gemerkt und sich auf The Age of Adz in eine andere, aber nicht gänzlich unbekannte Richtung orientiert. Denn schon auf seinem ersten Album hat Stevens mit elektronischer Musik kokettiert, wie er es auch diesmal wieder macht. Das Ergebnis ist zu Beginn sperrig, unzugänglich, geradezu unmelodisch. Und doch, wenn man genauer hinhört, zeigt dieses Album nur die Größe von Stevens als Komponist, wie er zwei Dutzend Musiker und Instrumente in seine Songs zu packen weiß und dabei zuerst alle Mauern einreißt und langsam wieder aufbaut. Groß!

Preview Vesuvius (Video)

Thomas Fehlmann – Gute Luft (Kompakt)

Gute Luft ist eigentlich der Soundtrack zur Arte-Doku 24h Berlin, was ich aber auch erst im Nachhinein erfahren habe. Denn für einen klassischen OST wirkt das Album fast schon zu kohärent, mit vielen längeren Stücken, die allesamt Thomas Fehlmanns Trademark-Sound einfangen: Dieses subtil aquatische, das sich durch die Tracks zieht und somit einen Flow erzeugt, den man doch durchaus als “urban” bezeichnen kann: Nicht hektisch, aber stets treibend, immer in Bewegung. Wie eine Großstadt eben so ist. Die Remixe kamen übrigens von Soulphiction und Move D, auch diese mehr als empfehlenswert.

Preview: Schwerelos

Janelle Monáe – The ArchAndroid (Atlantic)

Laut Metacritic hat dieses Jahr kaum ein Album durch die Bank weg bessere Noten bekommen als Janelle Monáes geradezu episch ambitioniertes Erstlingswerk. Das Konzept, sowohl textlich als auch musikalisch, mag den unaufmerksamen Hörer zwar anfangs förmlich erschlagen, doch wenn man sich erst einmal eingehört hat muss man die Leichtigkeit bewundern, mit der sich Monáe durch die unterschiedlichsten Musikstile singt und rappt. Das Talent sowie die Präsenz als Künstlerin machen The ArchAndroid zu einem der größten R&B-Alben der letzten Jahre – und Ms. Monáe zu einer der schillerndsten (buchstäblich) Figuren der Musikszene 2010.

Preview: Tightrope

Kollektiv Turmstraße – Rebellion der Träumer (Connaisseur)

Das Kollektiv aus der Turmstraße wusste schon immer nicht nur den Dancefloor zu beschallen, sondern auch mit anderen Auswüchsen elektronischer Musik zu spielen. Auf Rebellion der Träumer, das vielleicht etwas überraschend, aber dann auch wieder nicht, auf Connaisseur erschienen ist wird das einmal mehr deutlich: Post-Dubstep, IDM und House werden hier mit Ambient-Passagen verbunden und erhalten als Leitmotiv eine gewisse Ernsthaftigkeit; dieses Gefühl, dass irgendetwas nicht ganz in Ordnung ist. Unbedingt mehrmals Hören!

Preview: Uneins

Ólafur Arnalds – And They Have Escaped The Weight Of Darkness (Erased Tapes)

Ólafur Arnalds (nicht zu verwechseln mit der ebenfalls aus Island stammenden Sängerin Ólöf Arnalds) hat mit seinen gerade einmal 23 Lenzen sein bisher bestes Album vorgelegt, das sich in Sachen Komposition nicht vor den großen Namen des Genres, wie z.B. einem Johánn Johánnsson, verstecken muss. And They Have Escaped… ist eines dieser Alben, das nur aus dem hohen Norden kommen kann. Es muss das Klima sein, die kurzen Tage im Winter, die diese melancholische Schwere in die Noten hebt. Diese Streicher, die über alles erhaben sind und einen sofort packen. Und doch ist da auch immer dieses Gewissheit, dass auf den langen Winter auch der nächste Sommer folgt: Kurze Hauruck-Momente, die durch die “weight of darkness” brechen, kleine, elektronische Effekte wie die Sonne, die den Schnee in ein gleißendes Meer verwandelt. Und so sehr die sprachlichen Bilder auch ausgelutscht sein mögen, sie passen. Mehr denn je.

Preview: Tunglid

The Sight Below – It All Falls Apart (Ghostly)

Rafael Anton Irissari war schon bei seinem Debüt 2008 ein wenig der Außenseiter im Roster von Ghostly. Auch mit It Falls Apart ändert sich daran wenig, ist Irissari unter seinem bürgerlichen Namen doch vor allem als exzellenter Ambient-Künstler bekannt (in diesem Jahr auch sehr empfehlenswert: The North Bend auf Room40). Auf Ghostly kombiniert er dieses Gespür für klanglich dichte Produktionen mit einer gedämpften 4/4 Kickdrum, wie man sie auch von Wolfgang Voigts Projekt Gas kennt und liebt. Damit erfindet Irissari zwar nichts Neues, aber niemand führte diese Tradition in diesem Jahr so schön fort wie er.

Bastian Wegner – Elmsfeuer (Sähkö)

Ein seltsames Album auf dem wiederbelebten Sähkö, dieses Elmsfeuer des Kölners Bastian Wegner: Verhaltene, langsame Stücke, die zeitweilen an den Doom-Jazz von Bohren & Der Club of Gore erinnern, treffen auf eher traditionelle Klassik mit opulenten Streichern, die immer wieder einbrechen und dieses Endzeit-Szenario noch verstärken. Doch wie fast immer schwingt auch in den Noten von Elmsfeuer immer etwas Hoffnung mit – aber bloß nicht sentimental werden!

Preview: Gold

Wareika – Harmonie Park (Perlon)

Ich halte das Trio um Wareika für eine der talentiertesten Kombos jenseits des Techno der letzten Jahre, was nicht nur an dem außerordentlichen Gespür für Tanzflächen-erprobte Grooves liegt, sondern auch am schlichten musikalischen Talent der einzelnen Mitglieder. Schon diverse EPs auf Connaisseur und Konsorten haben das bestätigt, was sich nun auf Perlon fortsetzt: Harmonie Park ist dabei eigentlich nur ein großes symbiotisches Stück, dass langsam anfängt zu atmen, unter Florian Schirmachers eindringlichen Vocals, und sich langsam aber intensiver nach vorne bewegt, stets pulsierend, und sich schließlich, wenn es auch fast 40 Minuten braucht, unter Gitarren- und Bläsern in einen ungemein packenden Groove hineinsteigert. Der beste Perlon-Longplayer seit langem.

Preview: Scene 7

The Roots – How I Got Over (Def Jam)

Dass die Roots hier tasächlich zum Schluss auftauchen, hätte ich zu Beginn des Jahres sicherlich nicht gedacht. Zu schwach empfand ich dafür die Alben des Kollektivs in den letzten Jahren. Auf How I Got Over haben sie sich allerdings wieder etwas von den Mainstream-Ambitionen der letzen Alben gelöst und ein sehr ruhiges, fast schon introvertiertes und gleichzeitig in sich schlüssiges Album vorgelegt, das genau die jazzige Tradition weiterführt, für die man die Roots kennen- und liebengelernt hat. Tolle Gäste (u.a. Joanna Newsom) und auch eine durchgängig hohe lyrische und thematische Qualität runden das mittlerweile elfte und mit gerade einmal 40 Minuten auch kürzeste Album der Band ab.

Preview: Right On

Kanye West – My Beautiful Dark Twisted Fantasy (Roc-a-Fella)

Jajaja, ich weiß: Kanye West war schon abgeschrieben, ein Opfer seines Erfolgs. Man erinnere sich nur an das fürchterliche 808s & Heartbreak vor zwei Jahren oder den peinlichen Auftritt bei den MTV Video Awards. Zwischenzeitlich nannte ihn sogar Präsident Obama einen “Jackass”. Und nun das: 10.0 auf Pitchfork, auch sonst Bestnoten überall. Was ist passiert? Die große Bekehrung? Mitnichten, denn eines ist sicher: Kanyes Ego ist nicht kleiner geworden, im Gegenteil, auf My Beautiful Dark Twisted Fantasy erreicht sein Douchebag-Dasein Rekordniveau. Und klar, es ist pompös, anbiedernd, triefend vor Selbstbeweihräucherung. Und so sehr man es hassen möchte, es ist auch ein Album vollgepackt mit einer Allstar-Besetzung (man höre den absolut psychopathisch-genialen Rap von Newcomer Nicki Minaj auf Monster und einige der besten Skits von Jay-Z seit langem), ausgezeichneten Beats, subtilen Humor und mehr Gefühl als man beim ersten Hören denken mag. Kurzum: Hate it or love it, aber kaum ein Hip-Hop Album wurde dieses Jahr mehr diskutiert…und keines war besser.

“If God had an ipod, I’d be on his playlist“. Und vermutlich stimmt es.

Preview: Devil in a New Dress (Video)

Auf den weiteren Plätzen…

John Roberts – Glass Eights
Big Boi – Sir Lucious Left Foot
Agnes Obel – Philharmonics
Marco Polo & Ruste Juxx – The eXXecution
The Radio Dept. – Clinging to a Scheme
Flying Lotus – Cosmogramma
The Black Dog – Music for Real Airports
Brian McBride – The Effective Disconnect
How to Dress Well – Love Remains
DeepChord presents Echospace – Liumin
Kyle Bobby Dunn – A Young Person’s Guide to…
Pjusk – Sval
Reflection Eternal – Revolutions per Minute
Walkner.Möstl – Structures
Pantha du Prince – Black Noise
Robyn – Body Talk

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Singles

Space Dimension Controller – Temporary Thrillz

Wenn einer den Titel “EP des Jahres” überhaupt verdienen kann, dann Durchstarter Jack Hamill aka Space Dimension Controller. Fanden einige seine andere EP in diesem Jahr etwas stärker, muss ich mich ganz klar zu Temporary Thrillz bekennen: So gleichermaßen futuristisch-groovend und zurückhaltend entspannend war dieses Jahr keiner. Und so sexy schon gar nicht. Mit 35 Minuten Laufzeit fast schon ein kleines Album. Kaufen! Hören! Lieben!

Preview: Kaleidoscopic Ecstacy

Joy Orbison – The Shrew Would Have Cushioned The Blow (Aus)

Joy Orbison hatte letztes Jahr schon seinen Durchbruch, aber mit dieser EP auf Will Sauls Aus Music (den wir auch schon im Interview hatten) hat er ihn besiegelt: Was für ein fantastischer Track, der diese verzerrten Soul-Vocals aufnimmt, verarbeitet und in einen Groove verpackt, den dieses Jahr kaum einer sonst geschafft hat. Und mit So Derobe auf der Flipside gibt es eine der stärksten B-Seiten des Jahres noch dazu.

Preview: The Shrew Would Have…

Erdbeerschnitzel – To an End (Mirau)

Achja, Erdbeerschnitzel. Nicht zuletzt wegen des tollen Videos hat der Mainzer sich sofort in mein Herz gespielt: Der Titeltrack ist schlicht und ergreifend (vor allem ergreifend) einer der besten Deep-House-Tracks, der dieses Jahr herauskam, und auch I Wonder als “Bonus” kann sich mehr als hören lassen. Eine klasse EP.

Preview: To an End

James Blake – CMYK/Klavierwerke (R&S)

James Blake hatte ein nahezu unverschämt gutes Jahr, was sich mit dem EP-Doppelschlag auf R&S begründen lässt: Zum einen wäre da CMYK, auf der Blake sein abstraktes Dubstep mit Einflüssen und Samples aus dem R&B und Hip-Hop versieht und einige der vertrackt-faszinierendsten Stücke des Genres in diesem Jahr abliefert. Klavierwerke ist dagegen sowas wie der schüchterne Bruder: zurückhaltender, aber mit ähnlich viel Gespür für Details und Texturen.

Preview: CMYK

Tolga Fidan – Ballads (Cadenza)

Ich mochte die Produktionen des Franzosen Tolga Fidan schon immer sehr, und doch oder gerade deswegen kam es überraschend, dass er seine vielschichtigste EP ausgerechnet auf Cadenza abliefert: Und doch, auf Ballads kombiniert Fidan sein Gespür für ausgefeilte Drums- und Percussion-Elemente mit komplexer Jazz-Instrumentierung, die weit über den Dancefloor hinausgeht.

Preview: Slip It

youANDme – Cutz #2 (Cutz)

youANDme samplen hier Kenny Dixon Jr. alias Moodymann bei seinem eklektischen Auftritt bei der Red Bull Music Academy in diesem Jahr, als er seine Vorliebe für Vinyl zum Besten gab. Auch wenn man im Jahr 2010 diese Diskussion eigentlich nicht mehr führen muss – für alle Vinyl-Liebhaber war I Like dieses Jahr wohl die schönste Liebeserklärung an ihr ‘medium of choice’. “You got your iPod…hahaha”

Preview I Like

VA – Workshop EP (Laid)

Etwas bizarr, dass diese Workshop EP auf dem Dial-Sublabel Laid erschienen ist, aber die Tracks sind wirklich 100% Workshop: Der Star ist hier die A-Seite von Kassem Mosse, der so etwas wie sein Breakout-Jahr hatte, und einen weiteren dieser 10-minütigen Storyteller präsentiert, die momentan kaum jemand anderes so hinbekommt. Da kann Lowtecs Use Me nicht ganz mithalten, muss es aber auch nicht.

Preview

Vondelpark – Sauna (R&S)

R&S zum vierten mit Vondelpark, einen mir bis dato unbekannten Produzenten, der offenbar aus dem Süden Englands kommt, und sommerlich vor sich hin kickende Tracks mit Gesang produziert, die gleichermaßen Einflüsse aus Indie-Pop wie Dubstep ziehen und sich doch keinem Genre so richtig zuordnen lassen. Eine erfrischend andere EP, sowas müsste es viel öfter geben.

Preview: Jetlag Blue Version

Steffi – Reasons (Underground Quality)

Steffi hat uns in den vergangenen Monaten zur Vorbereitung für ihr Album mit zwei EPs beglückt, die beide exzellent sind, aber Reasons auf Jus Eds Underground Quality hat letztlich dank dem Titeltrack und seinen wunderbar sanften Vocal am Schluss die Nase doch eine halbe Plattendrehung weiter vorne.

Preview: Reasons

Salz – Salz #6 (Poet’s Club)

Salz ist tot, lang lebe Salz! Erst getrennt, dann wieder da, in welcher Besetzung auch immer: Salz, das war schon immer eines der obskursten Projekte aus der großen Kölner Elektronik-Familie, und dieses Jahr erschienen gleich mehrere Digital-EPs auf dem nicht minder obskuren hessischen Poets Club: Salz #6 war dabei die Stärkste, nicht zuletzt wegen Honey Be Good, dem vielleicht schönsten Dub-House-Schunkler des Jahres.

Preview

Mount Kimbie – Remixes Pt.1 (Hotflush)

Vielleicht zeigt sich in dieser Wahl mein schlechtes Gewissen, weil mich das Album von Mount Kimbie wider Erwarten doch etwas enttäuscht hat, aber die Remixe konnten sich allemal hören lassen, allen voran FaltyDLs Interpretation von Serged, das so liquide blubbert wie das Wasser in einem guten Bong (und in seiner Wirkung ähnlich hypnotisierend wirkt ;).

Preview

Mike Shannon – Under the Radar (Cynosure)

Als sei der Name Programm, ist diese EP von Mike Shannon tatsächlich etwas unter dem Radar geflogen – und das trotz Remixer vom Schlage Deadbeats und Villalobos’. Das mag vielleicht daran liegen, dass sie nur in digitaler Form verfügbar war. Schade, möchte man sagen, denn gerade die beiden Remixe von Massi DL betonen die soul-infizierten Vocals von Sängerin Fadila besonders und gehören zu den besten Deep House Tracks des Jahres.

Preview

Sevensol & Bender – Scuba (Fauxpas)

Sevensol und Bender habe ich seit ihren EPs auf dem eigenen Label Kann in mein Herz geschlossen, aber auch außerhalb sind sie mittlerweile umtriebig: Scuba ist etwas schwermütiger als die vorherigen Tracks des Duos, ohne dadurch diesen dubbigen Groove zu verlieren, der sie ausziechnet. Das wahre Highlight versteckt sich aber in Form des 15-minütigen Diving Dub auf der B2, in dem Aera den Titeltrack über zwei, drei Ecken auf die szenische Route schickt.

Preview: Aeras Diving Dub

KiNK – Bitter Sweet (liebe*detail)

Der langsame Aufbau, das passgenaue Vocalsample, der himmlische Breakdown; alles, was die ganz großen Dancefloor-Momente ausmacht – KiNKs Bitter Sweet hat alles. Es war einer der ersten wirklich Hits, die ich in den vergangenen zwölf Monaten gehört habe, und einer der wenigen, die daraufhin nicht zu Tode gespielt wurden.

Preview: Bitter Sweet

Horror Inc. – Aurore (Haunted)

Dass Akufen ausgerechnet unter seinem Horror Inc. Alias sein “Comeback” feiert, hätte ich nicht gedacht, und ich habe auch eine Weile gebraucht, um das zu merken. Aber spätestens beim dritten Hördurchgang hört man diesen extrem detaillierten Ansatz, diese flirrenden Samples, die sich durch die Tracks schieben, und gerade beim Titeltrack auch an die früheren Akufen-Produktionen erinneren. Eine EP, die zeigt, dass Monsieur Leclair nichts verlernt hat. Ich hoffe auf mehr im nächsten Jahr!

Preview: Dans la Nuit

Falty DL – All in the Place (Rush Hour)

Dubstep-Querdenker Falty DL auf Rush Hour, das passte dieses Jahr einfach: Nicht nur weil der New Yorker hier die Oldschool-Synthies auspackt und mit dem Titeltrack ein wahres Monster an den Tag legt: Auch sonst verbinden sich die beiden unterschiedlichen Schulen hier ganz vorzüglich. Die wohl zugänglichste FaltyDL zählt damit auch zu seinen Besten.

Preview: All in the Place

Axel Boman – Holy Love (Pampa)

Die erst vierte Platte auf dem neuen Label von DJ Koze kommt zwar mit einem sehr poppigen Titeltrack daher, spielt aber mit Purple Drank und dessen gepitcht-obskuren Vocals auf der B1 ganz klar auch den persönlichen Vorlieben Kozes in die Karten. Mein persönlicher Favorit heißt aber dennoch Not So Much und hat ein so wunderbar warmes Piano-Loop, das mir selbst bei -15 Grad diesen Winter immer wieder warm wurde.

Preview: Not so Much

Benjamin Brunn – My Heart (IRR)

Benjamin Brunn nur auf seine Kollaborationen mit Move D zu reduzieren wäre geradezu fatal: Schon immer war Brunn auch jemand, der auch solo ganz vorzügliche Grooves an den Tag legen konnte. My Heart ist der beste Beweis: Ein heiterer Mid-Tempo-Track, der vor allem im Remix von Ada so richtig glänzen kann.

Preview: My Heart (Ada Remix)

Arto Mwambe – Duster FC (Robert Johnson)

Der schönste Piano-House-Track des Jahres? Ganz Klar, Duster FC von Arto Mwambe. So wunderbar heimelig plockernd und groovend war kaum jemand. Wenn bei genau 3:34 Minuten dann das Break kommt und der Track sich nochmals aufrollt muss man neidisch werden, nicht an jenem Abend im Robert Johnson gewesen zu sein, als Arto Mwambe ihr Set für die Live at Robert Johnson Reihe aufnahmen, auf der natürlich auch dieser Track zu finden ist.

Preview: Duster FC

Andreas Tilliander – She Don’t Cry (Adrian)

Der ehemalige Clicks & Cutter Andreas Tilliander hat seine Landsleute von Minilogue für diesen Track zu einem nahezu genialen Remix gebracht: Auf der A-Seite gibt es eine fast 12-minütige Reise in die tiefsten Sphären des Dubtechno, mit markanten Handclaps und so fantastischen Modulationen, dass ich möchte fast sagen möchte: der beste Minilogie Track aller Zeiten. Aber nein, es bleibt ein Remix. Aber was für einer!

Preview

Auf den weiteren Plätzen…

Roman IV – La Paloma (Running Back)
Elgato – Blue (Hessle Audio)
Feindrehstar – Knochenbrecher’s Ball (Musik Krause)
Wax – 30003 (Wax)
Thomas Schumacher – You Got Me (Get Physical)
Smallpeople & Rau – Meadows (Smallville)
DJ Koze – Rue Burnout (Pampa)
Stimming – Change (Diynamic)
Ribn – Light Black (Mild Pitch)
Jimpster – Alsace & Lorraine (Freerange)
Portable – This Life of Illusion (Perlon)
Kyle Hall – Kaychunk (Hyperdub)
John Daly – Big Piano (Drumpoet)
Isolée – The Fantastic Researches… (Dial)
Gunnar Wendel – 578 (FXHE)
NDF – Since We Last Met (DFA)
Steffi – Kill Me (Ostgut Ton)

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Compilations/Mixes

Was mir bei der Zusammenstellung aufgefallen ist, ist dass ich dieses Jahr sehr wenige Mix-CDs und Compilations gehört habe. Insgesamt finden sich nicht mal ein Dutzend unter den zur Auswahl stehenden – das macht es zwar leichter für mich, auf der anderen Seite ist mir dadurch sicherlich die ein oder andere durch die Lappen gegangen.

Michael Mayer – Immer 3 (Kompakt)

Den Status von Michael Mayers Immer-Mix muss man wohl nicht mehr erklären, wurde er doch gerade erst kürzlich von den RA-Lesern zum besten Mix der letzten Dekade gekürt. War die zweite Ausgabe doch deutlich schwächer, hat sich Mayer für den dritten Streich auf seine alten Stärken konzentriert: Man braucht nicht immer die aktuellsten Hits in einen Mix zu packen, eine überlegte Selection und gutes Mixing sind weitaus wichtiger. Immer 3 hat alles davon – einen exzellenten Flow, eine überraschend wie solide Trackauswahl und zum Schluss mit Culoe de Songs immer noch fantastischem Bright Forest dann doch noch seinen Hit. Was will man mehr?

Thomas Hamman & Gerd Janson – Live at Robert Johnson Vol.4 (Robert Johnson)

Dass Running Back Labelchef Gerd Janson ein Plattensammler der ersten Garde ist, beweisen nicht nur die Releases auf seinem eigenen Running Back Label. Auch seine DJ Sets sprühen immer wieder vor obskurer Tracks aus allen Ecken der Welt und allen Enden des House-Spektrums. Für die Live at Robert Johnson Reihe hat er sich mit Thomas Hamman zusammengeschlossen und diese Stärke einmal mehr präsentiert. Es sind vielleicht “nur” dreizehn Tracks, und viele davon Klassiker, aber mehr braucht es nicht. Und wer mit dem Superpitcher Remix von DNTEL, einem meiner All-Time-Favoriten, endet, hat sowieso alles richtig gemacht.

VA – Mobeer 009 (Mobeer)

Zugegeben, eine sehr obskure Conpilation, die sich David Newlyn, The Archivist und Insecto hier auf Mobeer teilen, aber auch eine, die das Prädikat “Home Listening” tatsächlich verdient. David Newlyn ist dabei derjenige, der sich vielleicht auf den eher etwas traditionelleren Begriff von Ambient konzentriert, während The Archivist seine leicht Piano-getünchten Kompositionen mit dezenter Elektronik versieht. Insectos Part dagegen erinnert schon sehr an die Clicks & Cuts früherer Mille Plateaux Tage, wenn auch weniger nervös. Überhaupt: Sehr unaufgeregt, diese Compilation. Muss ja auch mal sein.

Shackleton – Fabric 55 (Fabric)

In unserem Rückblick 2007 kürten wir Sam Shackleton zum Produzenten des Jahres. Schaut man auf die letzten drei Jahre zurück, hat Shackleton u.a. ein Album auf Perlon veröffentlicht und sich als DJ und Livemusiker einen Namen gemacht – und das, ohne seinen Stil seitdem verändert zu haben. Auf seinem Fabric Mix, der ausschließlich aus eigenem Material besteht, wird die Besonderheit dieses Sounds einmal mehr deutlich: Diese perfide, ständige bewegende Percussion, die unheimlichen Samples und die tiefen Sub-Bässe: Man kann sich nur schwer vorstellen, wie das im Club funktioniert, aber zuhause mit Kopfhörern, im Dunklen, ist es immer wieder ein Erlebnis.

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Label

Dieses Jahr stelle ich an dieser Stelle nur ein Label vor, da ich einfach zuwenig 12″s gehört habe, um mir ein genaues Bild machen zu können. Diese eine Wahl fiel mir dagegen umso leichter: R&S hat in diesem Jahr eigentlich alles richtig gemacht. Egal ob sie mit den beiden Platten von James Blake die Grenzregionen von Dubstep ausgelotet haben, mit Vondelpark die Gitarre in Elektronika zurückbrachten oder Space Dimension Controller auf die Reise ins Weltall schickten: das belgische Traditionslabel mit den Kontakten nach London hat sich einiges getraut in diesem Jahr und verdient damit völlig zu Recht die Erwähnung an dieser (und sicherlich auch anderer) Stelle.

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Worst of the Year

Underworld – Barking

Underworld hatten einen nicht kleinen Anteil daran, dass ich ca. Mitte der 90er Jahre überhaupt zur elektronischen Musik gekommen bin. Ein halbes Dutzend mal habe ich das Trio inzwischen live gesehen; einmal bin ich sogar von Sheffield aus mit dem Auto nach Frankfurt gefahren, um ihrem Gig im Cocoon beizuwohnen. Und eines ist sicher: Die Liveshows sind noch immer klasse. Nur der musikalische Output der letzten Jahre, der war leider durchwachsen. Auf Barking haben Underworld mit diversen anderen Produzenten zusammengearbeitet, und schon die Bekanntgabe der Tracklist ließ Schlimmes erahnen: Paul van Dyk, Dubfire und High Contrast hatten ihre Finger im Spiel! Das Endergebnis klingt dann leider auch dementsprechend: überladen, kitschig und zeitweilen einfach uninspiriert. Viele der älteren Fans fanden trotzdem Gefallen daran. Ich nenne es Kirmestechno.

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Guilty Pleasure

Wir sind Helden – Alles

Weil die Helden immer wieder Songs machen, die verdammt catchy sind und ich sie trotzdem nie auf Albumlänge hören kann. Aber das macht nichts.

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Das war es, liebe Leser und Leserinnen, das Jahr 2010 in Musik. Nächstes Jahr zur gleichen Zeit am gleichen Ort? Ich hoffe es doch, man spricht schließlich u.a. von neuen Aphex Twin, Burial und Radiohead-Sachen im kommenden Jahr. Ohja, und die Avalanches sollen auch ihr zweites Album im Kasten haben. Also eigentlich same procedure as…naja ihr wisst ja wie das mit den Gerüchten ist. Lassen wir uns überraschen! :)

CC-Bild oben: "Amoeba Records" von Fatmandy

Letztes Jahr war es Warp, dieses Jahr ist es ein weiteres der ganz großen britischen Labels, das sein 20-jähriges Jubiläum feiern darf. Der Name Ninja Tune steht seit 1990 für angejazztes Downtempo, gediegene Chill-Out-Tracks und hochwertige Broken Beats. Von der ersten Solid Steel Radioshow im Jahre 1988, über die die ersten Cut-Up-Produktionen von Coldcut und DJ Food bis hin zu den Jazz-Experimenten von Funki Porcini, Amon Tobin und dem Leftfield-Hip Hop von cLOUDDEAD – elektronische Musik in England ohne Ninja Tune ist heute kaum vorstellbar.

Auch wenn man in den Jahren das Soundspektrum des Londoner Labels schätzengelernt hat, war Ninja Tune nie ein Label, dass sich auf seinen Lorbeeren ausgeruht hat. Die beiden Gründer, Jon More und Matt Black, besser bekannt als Coldcut, haben stets die Tiefen der Plattenkisten und Demotapes durchwühlt und dabei so manches Juwel ausgegraben. Sie haben nicht nur Ninja Tune konstant weiterentwickelt, sondern 1997 auch mit Big Dada ein renommiertes Sublabel für Hip Hop lastigere Produktionen ins Leben gerufen, auf dem unter anderem mit Roots Manua und Spank Rock auch sehr erfolgreiche Vertreter des Genres ihren Platz gefunden haben.

Nun sind es also zwanzig Jahre, und Ninja Tune feiert mit zahlreichen Freebies und einer kommenden Compilation das Jubiläum. In den letzten Tagen hat bereits ein Mix der Ninja Tune Urväter Coldcut vs. DJ Food für das amerikanische Magazin XLR8R die Runden gemacht, der als Werkschau des Labels wärmstens zu empfehlen ist. Ich möchte an dieser Stelle noch etwas weiter gehen, und passend zum Geburtstag zehn Klassiker aus dem Katalog von Ninja Tune vorstellen, die auch das musikalische Spektrum des Labels ganz gut repräsentieren. In chronologischer Reihenfolge geht es los mit…

DJ Food – Jazz Brakes Vol. 1-5 (1990-1994)

DJ Foods Jazz Brakes waren die ersten Longplayer auf Ninja Tune überhaupt, und nicht zufällig hat sich mit ihnen auch der Sound des Labels etabliert: Hier finden sich größtenteils recht kurze, instrumentale Stücke wieder, die in der Tradition des klassischen Samplings stehen. Der Jazz in all seinen Facetten ist vorherrschend, aber auch 70er Jahre Funk, afrikanische Rhythmen, Hip Hop Beats und Einflüsse des damals in England noch recht unbekannten House finden sich wieder. Man kann nicht sagen dass auf allen fünf Teilen der Reihe die qualität gleichbleibend hoch ist, dafür ist es einfach zu viel Material, doch wenn DJ Food einen guten Beat machen, dann ist er wirklich gut. Und so genießen die Jazz Brakes auch heute noch einen hohen Stellenwert im Ninja Tune Katalog.

Funki Porcini – Hed Phone Sex (1995)

Auch James Bradell, alias Funki Porcini gehörte zu der ersten Garde talentierter Produzenten, die sich auf Ninja Tune eingefunden hatten. Heute etwas in Vergessenheit geraten, hat Bradell Mitte der 90er Jahre gleich drei Alben mit feinstem Acid Jazz veröffentlicht. Hed Phone Sex aus dem Jahr 1995 war das Debüt von Funki Porcini, und gerade die ruhig fließenden, leicht bekifften Downtempo Tracks des Debüts können auch heute noch so manchen müßigen Sonntag verschönern.

Amon Tobin – Permutation/Supermodified (1998/2000)

Amon Tobins Doppelschlag kam im Jahr 1998 und 2000 respektive mit Permutation und Supermodified. Zwar hatte der Brasilianer bereits mit Bricolage ein Jahr zuvor das Feld abgesteckt, aber erst auf den beiden Nachfolgern konnte er sein ganzes Potential entfalten. Amon Tobins Musik ist ein polyrhytmischer Dschungel, ein nervöser und unglaublich dichter Soundkosmos, in dem es an allen Ecken zuckt und vibriert, rauscht und pulsiert. Disparate Elemente prallen aufeinander und stoßen sich ab, krachende Breakbeats wechseln sich mit Jazzelementen ab und verschmelzen zu etwas gänzlich Neuem. Kaum ein anderer Produzent schafft es, so viele Elemente so geschickt zusammenzufügen, und trotz des scheinbar vorherrschenden Chaos doch einem roten Faden zu folgen. Zwei Alben für die Ewigkeit.

Mr Scruff – Keep it Unreal (1999)

Ninja Tune hatte immer Humor. Das zeigt sich nicht nur in vielen offiziellen Videos, im Artwork und den Namen der zahlreichen Compilations. Gerade in den 90er Jahren gab es einige Alben, die mit subtiler Ironie kokettierten. Auch Mr Scruffs Keep it Unreal kann mit einer gewissen “Quirkiness” punkten. Man braucht sich nur das folgende Get a Move On anhören, in dem Moondogs Bird’s Lament in einem 4/4 House-Beat verwurstet wird, um das zu erkennen. Doch trotz zahlreichen humorvollen Samples und der aufgelockerten Atmosphäre, führt Mr Scruff die musikalische Tradition fort, die das Label in den 90er Jahren verfolgt hat.

The Cinematic Orchestra – Motion (1999)

Das Cinematic Orchestra muss man wohl kaum mehr vorstellen. Spätestens mit den letzten Veröffentlichungen hat sich das Outfit um Bandleader Jason Swinscoe sowohl als vorzügliche Liveband einen Namen gemacht, als auch mit ihrer Mischung aus klassischem Jazz und subtiler Elektronika für einige der besten Alben des Genres gesorgt. Motion war im Jahr 1999 das Debüt der Band, und auch wenn die Nachfolger in Sachen Qualität dem in nichts nachstehen, enthält es doch einige der bekanntesten und auch besten Songs: Das 14-minütige, mäandernde Night of the Iguana gehört ebenso dazu wie das schwermütige Channel 1 Suite, dessen Bläser sich wie Neonlichter durch den nächtlichen Nebel schneiden.

Wagon Christ – Musipal (2001)

Luke Vibert kennt man vor allem als verkopften Drill’n'Bass Produzenten, der als Plug und Amen Andrews im Umfeld von Rephlex und Warp immer wieder für Furore gesorgt hat. Doch gerade als Wagon Christ hat Vibert bewiesen, das er nicht nur wahnwitzige Breakbeats zusammenbauen kann, sondern auch weitaus entspanntere und zugängliche Musik im Repertoire hat. Zwar schwingt auch bei Wagon Christ stets eine gewisse Kantigkeit mit, doch die Tracks sind nicht nur vom Tempo her deutlich reduzierter, sondern passen dank der Jazz-Einflüsse ziemlich perfekt zu Ninja Tune. Nicht nur dank des animierten Video-Klassikers zu Receiver ist Musipal ein Eckpfeiler in der Geschichte des Labels.

King Geedorah – Take Me to Your Leader (2003)

MF Doom hat in den letzten Jahren mit einigen erfolgreichen Projekten und Alben seine Position im Underground Hip Hop zementiert. Als King Geedorah war er bis jetzt aber erst einmal unterwegs, doch das Konzeptalbum um das dreiköpfige Ungeheuers King Geedorah aka Monster Zero, das aus dem All auf die Erde kommt, um Angst und Schrecken zu verbreiten, ist eines der interessantesten in Dooms Oeuvre: Verstaubte Jazz-Samples im Dauerloop, breit ausgelegte Streicher und ein ganzes Arsenal an obskuren Filmsamples: Take me to Your Leader ist wahnwitzig, teilweise überdreht und dann doch immer wieder herrlich entspannend. Kurzum, ein tolles Album vom Mann mit der Maske.

Blockhead – Music by Cavelight (2004)

Blockhead kennen viele vermutlich als Produzenten der ersten Alben des New Yorker Rappers Aesop Rock. Seine Soloproduktionen sind dagegen nicht ganz so düster und verschroben. Im Gegenteil, mit einer gewissen Schwermütigkeit und Melancholie in seinen Tracks, einer Nase für passende Samples und der Fähigkeit, auch mit Instrumentals eine Art Geschichte zu erzählen, hat sich Blockhead mittlerweile auch als Solokünstler einen Namen gemacht. Kopfhörermusik zum Mitnicken und Abschweifen.

Jaga Jazzist – What We Must (2005)

Jaga Jazzist, das zehnköpfige Ensemble aus Norwegen um Lars Horntveth, ist der vielleicht beste Beweis für die Erweiterung von Ninja Tunes Soundkosmos im neuen Jahrtausend. Zwar sind auch Jaga Jazzist, wie der Name schon sagt, ursprünglich im Jazz verwurzelt, doch gerade auf What We Must, dem dritten Album der Band, orientierten sie sich eher am Post-Rock: Die Soundwände bauen sich immer wieder langsam auf, nur um schließlich energisch ins kontrollierte Chaos zu versinken. Das fulminante Oslo Skyline ist daher vielleicht auch der “lauteste” Track, den es in der gesamten Labelhistorie von Ninja Tune gibt. Und auch wenn nicht, bleibt es definitiv einer der Besten.

Bonobo – Days to Come (2006)

Auch bei Bonobo könnte man an dieser Stelle wohl jedes seiner Alben herauspicken. Wieso ich mich für Days to Come entschieden habe, liegt daran, dass Bonobo hier erstmals aus der reinen DJ- und Produzentenrolle zum Bandleader übergegangen ist. Waren die ersten beiden Alben noch größtenteils instrumental, hat sich Multinstrumentalist Simon Green für Days to Come zum einen Sängerin Bajka ins Studio geholt, und zum anderen sein Repertoire mit klassischeren Songstrukturen und größerer Soundpalette versehen. Mit dieser Mischung hat Green nicht nur diverse Preise im Jahr 2006 abgeräumt, sondern nebenbei auch dafür gesorgt, dass Bonobo inzwischen eine absolut fantastische Live-Band sind.

Nun sind zehn Alben in einem Katalog von der Größe Ninja Tunes nicht mal ansatzweise genug, um einen Überblick zu geben. Egal ob sie Coldcut, Clifford Gilberto, Roots Manuva, The Herbaliser oder 9 Lazy 9 heißen: viele vorzügliche Künstler sind hier zu Unrecht nicht aufgeführt. Vielleicht ist das aber auch ein Ansporn für die Leser, etwas tiefer in den Ninja Tune Katalog einzutauchen. In diesem Sinne: auf weitere 20 Jahre!

2009. Wo ist dieses Jahr eigentlich so schnell hingegangen? Ein Jahr, das nicht immer das war, was ich mir persönlich erhofft hätte, und auch musikalisch war es, wie ich schon an anderer Stelle geschrieben habe, etwas schwierig. Zum einen habe ich in der Summe deutlich weniger Musik gehört als noch in den Jahren zuvor, zum anderen hatte ich oft das Gefühl, immer etwas hintendran zu sein was die “Trends” angeht. Aber auch gerade wenn man von Musik spricht ist es nicht schlecht, wenn man sich auch die Zeitlosigkeit jener regelmäßig ins Gedächtnis ruft, und eben nicht jeder Platte sofort nach der Veröffentlichung nachrennt. Entschleunigung ist hier das Stichwort, und gerade in Zeiten des sich immer schneller drehenden Internets auch ein Vorsatz für das kommende Jahr.

Schwierig ist es allerdings auch, die musikalischen Trends des vergangenen Jahres zusammenzufassen. Denn in dieser Hinsicht war 2009 ein seltsam stagnierendes Jahr, das kaum wirkliche Innovationen bereithielt. Noch letztes Jahr habe ich vom Deephouse-Revival gesprochen, das sich auch in diesem Jahr fortgesetzt hat, auch wenn sich mir immer öfters die Frage gestellt hat, was denn eigentlich wirklich deep ist, wenn angeblich alles ach-so-deep ist. In der Tat wurde mit dem Begriff des deepen etwas fahrlässig umgegangen, was möglicherweise aber auch daran liegt, dass sich viele Produktionen zunehmend der klassischen House-Techno Dichotomie entziehen. Überhaupt fällt die Kategorisierung immer schwerer: kann man die Musik von Darkstar oder Guido beispielsweise noch als Dubstep bezeichnen, oder wird es Zeit für eine neue Begrifflichkeit? Popstep vielleicht? Gerade in diesem Crossover-Appeal hat sich einiges getan in diesem Jahr, da sich Genre-Klassifizierungen zusehend aufspalten. Also doch so etwas wie ein kleiner Trend.

Vielleicht nur eine persönliche Sache, aber gerade (Dark) Ambient und Modern Classical liefen bei mir in diesem Jahr häufiger durch die Kopfhörer als noch in den Jahren zuvor. Egal ob luftig-befreiend wie bei Bvdub, düster-beklemmend wie bei Svarte Greiner oder klassisch angehaucht wie bei William Basinski – schon lange gab es nicht mehr so viele interessanten Platten abseits von Kickdrums und HiHats.

Gerade im Techno- Und Housebereich haben sich einmal mehr die vielen kleinen Labels ausgezeichnet und den Platzhirschen (gerade Kompakt hatte ein extrem schwaches Jahr wie ich finde) die Stirn gezeigt. Wo im letzten Jahr noch Quintessentials und Workshop sich einen Namen gemacht haben, waren es in diesem Jahr vor allem Imprints wie Frozen Border, Running Back Sandwell District und Underground Quality, die für die ein oder andere Überraschung sorgten, und auch gezeigt haben, dass nicht jede Platte unbedingt ein Gesicht braucht, wenn die Musik für sich sprechen kann.

In Sachen Internet und Musik hat es natürlich auch wieder einige Entwicklungen gegeben. Gerade “legale” Hoster wie Soundcloud oder Fairtilizer sind zunehmend die erste Wahl für Musiker und auch Labels, um Mixe und Promos an die Hörerschaft zu bringen, während Dienste wie Spotify (immer noch nicht in Deutschland verfügbar) und Lala sich eher um die Verwaltung der eigenen und dem Entdecken neuer Musik kümmern. Apropos Internet, es erklärt sich ja von selbst, dass 2009 auch das Jahr von Twitter war, auch wenn ich es als Medium für Künstler und Bands doch eher unbrauchbar finde – jedenfalls kenne ich kaum Twitter-Profile, die ich in dieser Hinsicht wirklich interessant finde. Denn auch wenn Richie Hawtin jetzt seine Playlist aus dem Club heraus twittert, ist das zwar ein lustiges Gimmick, aber auch nicht viel mehr. Hier kann man sicherlich noch nachlegen.

Und noch etwas, das mir 2009 vemehrt aufgefallen ist: die schiere Anzahl an Podcasts. Inzwischen scheint es kaum noch ein Blog oder eine Seite zu geben, die keinen Podcast mehr anbietet (wir sind mit unserem Beatcast natürlich nur minor players in dieser Hinsicht). Das ist zwar zum einen löblich, allerdings kam jedenfalls ich teilweise überhaupt nicht mehr nach mit dem Hören von Livesets und Podcasts, die ja gerade auch am Stück gehört werden wollen. Wie dem auch sei, Resident Advisor bleibt hier immer noch der Platzhirsch, auch wenn dieses Jahr auffällig viele schwache Podcasts dabei waren. Fast immer lohnend war dagegen der Podcast von FACT, und wer keine großen Namen braucht, der findet bei kleineren Blogs wie Keep it Deep oder Mnml Ssgs noch das ein oder andere Schmuckstück.

Lange Rede, kurzer Sinn: 2009 war ein seltsames Jahr, aber es gab trotzdem noch zahlreiche wirklich ausgezeichnete Platten. Hier ist er nun also, unser Jahresrückblick. Wie immer in no particular order.

Alben

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DJ Sprinkles – Midtown 120 Blues (Mule)

Unter anderem auch bei RA in der Jahrespoll auf Platz #1 gewählt worden, und das völlig zu Recht – Terre Thaemlitz aka DJ Sprinkles Midtown 120 Blues ist ein Album, das klingt wie ein entferntes Echo früherer Zeiten, das aus den verstaubten Clubs der West Village hinter mittlerweile verschlossenen Türen und verbarrikadierten Häuserfronten hervordringt. Es klingt nostalgisch, aber nicht altmodisch, es ist aufreibend und zeitweilen sentimental, aber auf eine wärmende, sehr intime und vor allem packende Weise. Es ist ein Album, das zum Nachdenken und Reflektieren anregt, aber gleichzeitig auch einen durchgängig wunderschönen Groove besitzt. Letztendlich: es ist House, wie es sein sollte. Nicht nur eines der besten Alben des Jahres, sondern eines der besten des Jahrzehnts, hands down. [Review]

Brock van Wey – White Clouds Drift On and On (Echospace Detroit)

Brock van Wey alias Bvdub hat in den letzten drei Jahren einen beachtliche Anzahl von EPs unter das Volk gebracht, und ganz nebenbei damit auch seine Nische im fast schon totgeglaubten Ambientbereich untermauert. Egal ob als Bvdub mit Kickdrum oder gänzlich beatlos wie hier bei seinem epochalen Debütalbum, Brock van Weys Musik hat stets eine außergewöhnliche emotionale Tiefe, in die der Hörer über breite, schwebende Flächen und den Einsatz entfernter Stimmen und Gesänge hineingesogen wird, und die einen einfach nicht mehr loslässt. Ein Album voller Schönheit, Emotionen und Melchancholie, das mit einer zusätzlichen CD mit Dub-Edits von Intrusion abgerundet wird. [Review]

Bibio – Ambivalence Avenue (Warp)

Warp musste die letzten Jahre öfters Schelte einstecken angesichts der Entwicklung des Labels, aber ich frage mich zunehmend, wieso eigentlich. Denn das inzwischen auch Artists wie Bibio hier eine größere Plattform finden, sollte vielmehr belohnt werden. Ambivalence Value ist eines dieser Alben, die man eigentlich nicht richtig einordnen kann: Abstrakte, elektroakustische Klangexperimente, seltsam nostalgische Folk-Songs, und zwischendurch auch mal schwer gefilterte Instrumentals, die ein wenig an Flying Lotus erinnern, prallen hier aufeinander, und paradoxerweise passt das alles erstaunlich gut zusammen. Handclaps, Basslines, Lagerfeuerstimmung – wieso nicht alles auf einmal? Für alle die es nicht besser wissen: genau wegen solchen Alben ist Warp eben Warp!

Stimming – Reflections (Diynamic)

Martin Stimming hat es schon im letzten Jahr mit seiner Kleinen Nachtmusik in unsere Single-Charts geschafft, dieses Jahr folgte das Album auf Diynamic. Ich mag Stimmings sehr eigene Produktionsweise, die, wie er uns im Interview erzählt hat, auch von den vielen Sounds kommt, die er live aufnimmt und dann weiter verwertet. Dadurch kommen Stimming Tracks auch immer etwas wacklig daher – im positiven Sinne. Reflections ist dabei nicht nur die musikalische Aufarbeitung einer persönlicher Krise, die in Tracks wie The Loneliness ihren Höhepunkt findet, sondern auch eine Standortbestimmung des jungen Wahl-Hamburgers. Und mit dem zurückhaltenden Song for Isabelle enthält das Album zudem einen meiner Lieblingstracks des Jahres.

Leyland Kirby – Sadly the Future is No Longer What it Was (History Always Favors the Winners)

Leyland Kirby hat sich vor allem als V/Vm Ende der 90er Jahre einen Namen gemacht, als er neben Aphex Twin Mash-Ups und trashigen Popsongs so ziemlich alles durch den Hardcore-Fleischwolf gedreht hat. Nebenbei hat er aber auch als The Caretaker alte Vinylaufnahmen der 20er Jahre recycled, und anhand dieser Loops ziemlich großartige, verstaubte Klangwelten erkundet. Diese herrschen auch auf dem ersten Album unter seinem richtigen Namen vor, das den leicht unheimlichen Unterton der Caretaker-Platten aufgreift, mit etwas Modern Classical abschmeckt und teilweise so leise ist, dass man wirklich ganz genau hinhören muss, was sich aber fast immer lohnt. Mit fast vier Stunden Laufzeit über 3 CDs verteilt ist diese Sammlung zwar ziemlich überwältigend, aber gleichzeitig auch ziemlich großartig.

Camera Obscura – My Maudlin Career (4AD)

Vielleicht das Album, das ich in diesem Jahr am häufigsten gehört habe. Die Schotten von Camera Obscura schaffen es tatsächlich, mit jedem Album noch dichter zusammenzurücken und noch gezielter an dieser Idee von Pop zu arbeiten, die genau den Nerv zwischen Melancholie und augenzwinkernder Ironie trifft. Sowohl musikalisch als auch textlich gesehen ist es das vielleicht komplexeste Album der Band, die mit French Navy, My Maudlin Career und Honey in the Sun gleich drei der wunderbarsten Indiepop-Stücke des Jahres produziert hat. Ein Album, dass mich gerade im Frühjahr durch unterschiedlichste Gefühlslagen begleitet hat. [Review]

Martyn – Great Lenghts (3024)

Nach dem ersten Hören dachte ich noch, hier kommt der womöglich beste Dubstep-Longplayer seit Burials Untrue (mal abgesehen davon, ob man die Alben nun vergleichen oder überhaupt als “Dubstep” bezeichnen kann) vor zwei Jahren. Inzwischen ist die anfängliche Euphorie wieder etwas abgeschwächt, was aber nichts von der Größe dieses Albums schmälern sollte. Martyn betritt wie auch schon 2562 im letzten Jahr das Grenzgebiet zwischen vertrackten Half-Step Cuts, dubbigen Synthie-Stabs und geradlinigeren Technostrukturen, und das ebenfalls unglaublich gut. Mit der Ausnahme zwei, drei schwächerer Tracks ist Great Lenghts dadurch auch der unerreichte Gradmesser für dieses Hybridgenre im Jahr 2009 schlechthin.

Manic Street Preachers – Journal For Plague Lovers (Sony)

Das Cover kommt von Jenny Saville, die Texte aus dem Nachlass des verstorbenen Ex-Sängers, der erste Tracks beginnt mit einem Filmsample – der Versuch, an The Holy Bible aus dem Jahr 1994 anzuknüpfen könnte kaum offensichtlicher sein. Und es hätte sicherlich auch ziemlich in die Hose gehen könnne. Tat es aber nicht, denn Journal for Plague Lovers ist das beste Album der Manics seit langer langer Zeit. Vielleicht liegt es wirklich auch zum Teil an Richeys Texten, aber die Manics sind endlich wieder laut und wütend, wie man gleich beim sensationellen Opener Peeled Apples merken wird. Doch auch wenn der Wind wieder etwas rauer weht, hat man sich nicht gänzlich von der Eingänglichkeit der letzten Alben verabschiedet, und bei Tracks wie dem von Streichern untermalten The Joke Sport Severed zeigt man eine hervorragend abgeschmeckte Mischung von “alten” und neuen Manic Street Preachers. Für mich eine der Überraschungen des Jahres.

Jacek Sienkiewicz – Modern Dance (Cocoon)

Ich halte das klassische Techno-Album noch immer für eine schwierige Angelegenheit, weswegen es auch nur wenige schaffen, mich als Gesamtkunstwerk auf Dauer zu überzeugen. Sienkiewicz hat sich dazu entschieden, die Tracks ineinander zu mixen, was zum einen den Vorteil hat, dass man sich nicht unbedingt die Standout-Tracks herauspicken kann oder muss, gleichzeitig aber auch einen koherenten Querschnitt durch das Repertoire des Produzenten bietet. Modern Dance ist dabei zu Beginn ein relativ schnelles und straightes Technoalbum, dass sich aber mit allerlei interessanten Wendungen immer wieder aus der drohenden Minimal-Wüste zu entziehen weiß, und zum Schluss dann doch noch etwas einfühlsam wird. Es ist genau diese Mischung, die das Album auf Dauer interessant macht, und das Talent von Sienkiewicz unterstreicht.

Metric – Fantasies (02 Records)

Bitte was? Metric? Auch eine dieser Platten, von denen ich gar nicht genau weiß, warum ich sie eigentlich so oft gehört habe in diesem Jahr. Vielleicht weil die Band um Emily Haines einfach so verdammt eingängliche Indierock-Songs schreibt, bei deren Mitsingen ich mich gerade beim Autofahren häufiger ertappt habe. Oder weil ich einfach ein Sucker für blonde Sängerinnen/Songwriter bin, und aus Schweden in diesem Jahr nichts kam was mich wirklich bewegt hat. Wie dem auch sei: Metric. Fantasies. Wieso denn auch nicht.

Raekwon – Only Built 4 Cuban Linx Pt.II (Ice H2o)

The Chef hat es abermals der Konkurrenz gezeigt. Raekwon ist zusammen mit Ghostface das wohl konstanteste Wu-Tang Mitglied, und wenn beide wie hier auf mehreren Tracks zusammentreffen, weiß man genau, woran man ist: Messerscharfe Punchlines und exzellent produzierte Beats (u.a. von RZA und Dilla), natürlich etwas weniger “raw” als noch auf dem epochalen ersten Teil, der vor 14 Jahren (!) erschienen ist, aber deswegen nicht minder markant. Der Titel alleine verspricht einiges und setzt hohe Erwartungen, die nicht enttäuscht werden. Das beste Album aus dem Umfeld des Clans seit langer langer Zeit, und ein Standortbestimmung für “Gangster Rap” im Jahre 2009. [Review]

Reagenz – Playtime (Workshop)

Pech für alle, die ihr Best Of schon vor Dezember geschrieben haben, denn denen ist die zweite Zusammenarbeit von Move D und Jonah Sharp durch die Lappen gegangen. Vor 15 Jahren kam das erste Album der beiden unter dem Alias Reagenz raus, dann hat man sich aus den Augen verloren, und erst kürzlich wieder neu zusammengefunden. Geschadet hat die lange Pause offensichtlich nicht, denn Playtime ist wieder eine großartige Konvergenz von House und Ambient, die teilweise auch an Moufangs Kollaboration mit Benjamin Brunn aus dem letzten Jahr erinnert, aber gleichzeitig mit Tracks wie dem wunderbar wippenden Dinner With Q oder dem 23-minütigen Ambienttrack Du Bist Hier! auch genug Eigencharakter hat, um eines der interessantesten Alben des Jahres darzustellen.

Wisp – The Shimmering Hour (Rephlex)

Der Titel für das einzige “klassische” IDM Album geht diesmal an Wisp und das altehrwürdige Rephlex Label. Ein bisschen Drill’n'Bass, analoge Sounds, einige etwas mehr um die Ecke steppende Tracks und über allem immer wieder eines: tolle Melodien. Das ist zwar alles nicht besonders innovativ, muss es aber auch gar nicht. The Shimmering Hour bleibt ein herrlicher Ausflug in die Glanzzeiten des Labels, ohne dadurch angestaubt zu klingen. Im Gegenteil, inzwischen wünsche ich mir fast wieder mehr davon!

Felt – Felt #3 (A Tribute to Rosie Perez) (Rhymesayers)

Felt sind zurück, und Slug und Murs haben sich für ihren dritten Streich diesmal Aesop Rock als Produzent ins Boot geholt. Von einigen albernen Skits abgesehen, sind alle drei hier in Höchstform: die beiden Protagonisten werfen sich scheinbar spielend die Bälle zu, und hauen mal eben einige der hervorstechendsten Lines des Jahres raus, während Aesops Beats für einen etwas dunkleren, aber nicht minder abwechslungsreichen Anstrich sorgen. Bemerkenswert in jedem Fall, wenn man bedenkt, dass es sich hier eigentlich “nur” um ein Nebenprojekt handelt, das aber inzwischen auf ziemlich selbstbewussten Beinen steht, und Felt sich spätestens jetzt eine der stärksten Kollaborationen im Underground HipHop nennen darf.

Jasper TX – Singing Stones (Fang Bomb)

Letztjähriges Black Sleep von Jasper TX war noch eine ziemlich dronig-düstere Angelegenheit, aber Singing Stones wirkt nicht nur vom Artwork her freundlicher, sondern auch in Sachen Sound: Etwas mehr Fokus liegt hier auf den spärlichen, aber bewusst akzentuierten Gitarrenklängen, die in einen Mantel aus Fieldrecordings und vereinzelten Pianopassagen verwoben sind, und sich zwischendurch auch immer mal wieder in weiten Ambient-Flächen verlieren. Ein wunderbar dichtes Album, das vielleicht das Zugänglichste des Schweden bis dato ist.

Demdike Stare – Demdike Stare (Modern Love)

Vielleicht der Kritikerliebling des Jahres. Viel positives hat man über die Kollaboration zwischen MLZ und Sean Canty gesagt, ohne dadurch eine breite Masse anzusprechen. Das wundert aber nicht, denn abgesehen vom durchdringenden Sub-Bass und einiger etwas geradliniger Dubtracks ist Demdike Stare doch irgendwie zu abstrakt, zu kantig, zu düster und verkopft, um ein wirklicher Hit zu werden. Futuristische Synthesizer treffen hier auf cineastische Ambient-Passagen, verwirrende Stimmen, entferne Instrumente und Industrial-Splitter, die dem ganzen Album eine durchgängige Endzeitstimmung verleihen, die man zwar auch nach mehrmaligen Hören nicht so richtig einzufangen weiß, aber trotzdem nicht loslassen kann.

Snd – Atavism (Raster-Noton)

Hat glaube ich keinem gefallen, dem ich es vorgespielt habe. “Zu rappelig”, hat der eine gemeint, “zu mechanisch” der andere. Dabei enthält Atavism doch die vielleicht tanzbarsten Stücke des Duos aus Sheffield überhaupt, auch wenn man das natürlich relativieren muss. Auf jeden Fall haben SND ihren Zen-Minimalismus inzwischen wirklich endgültig perfektioniert, und ziehen das auf Albumlänge in solch feingeschliffener Konsequenz durch, dass man einfach seinen Hut zücken muss, denn dieser Sound ist absolut einmalig. Ob man es denn mag oder nicht muss wie immer jeder selbst entscheiden. Ich war jedenfalls schon immer Fan. [Review]

Redshape – The Dance Paradox (Delsin)

Ich gebe ja zu, dass ich diese Maskenträgerei inzwischen sehr albern finde, entschuldige Redshape aber dadurch, dass er es in der Tat geschafft hat, in den letzten Jahren auch musikalisch seinen eigenen Stil zu finden. Sein Debütalbum besticht allerdings dadurch, dass es, vom Opener und Dead Space Mix einmal abgesehen, eigentlich keinen wirklichen Technotrack enthält, und trotzdem Redshapes Produktionsweise klar erkennbar bleibt: Perfide Percussion, diesmal live eingespielt, futuristische Sci-Fi Synths und unerwartete Tempowechsel sorgen für eine Reise tief in Redshapes mysteriösen Klangkosmos, der gerade dann am faszinierendsten ist, wenn es ruhiger und langsamer zur Sache geht.

Mr. Lif – I Heard it Today (Bloodbot)

Schade, dass Lifs drittes Album erst in diesem Jahr erschienen ist, wo sich eine Tracks doch noch explizit gegen die Bush-Regierung wenden. Nichtsdestotrotz ist I Heard It Today eine ziemlich beeindruckende Abrechnung mit der amerikanischen Politik und Wirtschaft, die gerade im Jahr der Finanzkrise(n) fast schon prophetischen Charakter besitzt. Stücke wie der Titelsong und What About Us? sind so aufwühlend und packend, dass man den Eindruck hat, dass Lif sich im Stile eines Howard Beale an die Hörer wendet: “I want you to get mad!” Das beste daran: es funktioniert, denn lange hat kein Rap-Album bei mir soviel Wut ausgelöst.

Sven Weisemann – Xine (Wondering)

Sven Weisemann hatte sicherlich ein tolles Jahr, das neben einem wunderbaren Mix und zweier ausgezeichneter Singles (siehe unten) auch noch das erste Album bereithielt, das vor allem seine klassische Musikausbildung unter Beweis stellt. Doch auch wenn hier Piano und Streicher dominieren, streut Weisemann auf Xine auch immer wieder dezent elektronische Elemente und kaum erkennbare Sprachschnipsel ein, und schafft so ein ungemein dichtes, emotionales und auch sehr geerdetes Album, das Weisemann auch als Produzent von der breiten Masse im House-Bereich abgrenzt.

Dinosaur Jr – Farm (Jagjaguwar)

Dinosaur Jr. packen auf dem zweiten Album nach ihrer Reunion nochmal eine Schippe drauf, hauen mal so eben einige der markantesten Gitarren-Riffs und Soli des Jahres raus, spielen so zuversichtlich wie seit den 80ern nicht mehr, und lassen dabei so ziemlich jede andere Rockband des Jahres hinter ihren Marshall Verstärkern älter aussehen als die drei Mitt-Vierziger selbst. Genau wegen solchen Alben weiß man immer wieder, warum Luftgitarre im Wohnzimmer spielen ab und zu einfach sein muss. [Review]

The xx – The xx (Young Turks)

Ich muss an dieser Stelle gestehen, dass ich mich das ganze Jahr um The xx gedrückt habe, da ich die Band, aus mir unerklärlichen Gründen, stets in die Indie-Riot-Röhrenjeans-Schublade einsortiert habe, was natürlich nicht falscher hätte sein können. Denn The xx machen wunderbar leisetretende Popsongs, die ich in dieser Art und Weise tatsächlich lange nicht mehr gehört habe, weswegen ich mich fast ein bisschen ärgere, die Band aufgrund von jahrelang gehegten Vorurteilen gegenüber sogenannten “The”-Band nicht schon viel früher entdeckt zu haben.

Gefallen haben auch:

Cyne – Water for Mars
Gabriel le Mar – Dubwize
Lusine – A Certain Distance
The Whitest Boy Alive – Rules
Mathias Kaden – Studio 10
Kettel – Myam James Pt.2
Manuel Tur – 0201
Motohiro Nakashima – We Hum on the Way Home
William Basinski – 92982
Pendle Coven – Self Assessment
2562 – Unbalance
Estroe – Elemental Assets
King Midas Sound – Waiting for You
Svarte Greiner – Kappe
Leaf – Rooted From Within
John Daly – Sea & Sky
Kings of Convenience – Declaration of Dependence
Lynx + Kemo – The Raw Truth

Mixes / Compilations

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VA – Selected Label Works No.1 (Permanent Vacation)

Absolut essentielle 2xCD Compilation vom Münchner Permanent Vacation Label, das sich ja vor allem durch die Mischung aus Disco, Pop und House einen Namen gemacht hat. So überrascht es auch nicht, dass hier beispielsweise die schwedische Sängerin Sally Shapiro von Tensnake oder den Junior Boys geremixt wird (und das absolut großartig), oder die britischen Panthers, die auch auf DFA unterwegs sind, ein Rework von Holy Ghost! erfahren. Daneben sind es aber gerade auch die unbekannteren Namen wie Lullabies in the Dark, die mit Tracks wie dem fantastischen Iridium auf sich aufmerksam machen, und diese Compilation zu einer einzigen Party machen. Disco im Jahr 2009 klang selten besser.

Omar S – Fabric #45 (Fabric)

Omar S hat seinen Mix für Fabric, wie vor ihm auch schon Ricardo Villalobos, kurzerhand aus eigenen Tracks zusammengestellt, was in diesem Fall auch hervorragend funktioniert, denn Omar S hat nicht nur genug Material um einen Mix zu füllen, sondern vor allem auch genug Asse im Ärmel, um diesen auf 70 Minuten interessant und spannend zu halten: 8-Bit Sounds, Dubtechno, Vocalhouse – der Amerikaner geht einmal quer durch seinen Backcatalogue und gräbt neben “Hits” wie Psychotic Photosynthesis noch das ein oder andere unbekannte Highlight aus. Wer den Sound von Omar S mag, wird diesen Mix lieben. [Review]

Ada – Adaptations Mixtape (Kompakt)

Ja, ok, ich gebe es zu: ich bin hier etwas parteiisch. Wer diese Seite länger verfolgt, kennt sicherlich meine Wertschätzung für Adas Produktionen, weswegen dieses “Mixtape”, das einige der unbekannteren Tracks und Remixe versammelt, natürlich auch genau meinen Geschmack trifft. Sicherlich hätte auch ich mir noch den ein oder anderen neuen Track gewünscht, der die Sammlung auch für eingfleischte Fans noch etwas attraktiver macht, aber auch wegen Remixe wie der von Tracey Thorns Grand Canyon und Andi Teichmanns Tape lohnt diese Compilation, abgesehen vom ganz hinreißenden Schlusstrack, in dem Ada zusammen mit Cosmic DJ einmal mehr Everything But The Girls Each and Every One zum Besten gibt.

VA – Ornaments Symphonie (Ornaments)

Die erste Mix-CD von Ornaments besteht aussschließlich aus dem Material der ersten zehn Singles des Labels, exzellent gemixt von youANDme. Dementsprechend hält sich auch die Anzahl der Künstler in der Tracklist in Grenzen, aber umso erstaunlicher, wie abwechslungsreich das Ergebnis doch ist. Zwar bewegt sich der Mix klar im dubbigen Bereich von Techno, was auch durch gleich fünf Remixe von Marko Fürstenberg unterstrichen wird, aber trotzdem schillern zwischenzeitlich auch immer wieder housigere Passagen durch, was den Mix in eine wahre Reise verwandelt, von der manch andere Label noch etwas lernen können.

Pépé Bradock – Confiote De Bits (A Remix Collection) (BBE)

Pepe Bradock ist bekannt dafür, einen eher gemäßigten Output zu haben, daher kommt diese Remix Collection auch wie gerufen, um etwas tiefer in den Kosmos des Franzosen zu tauchen. 18 Tracks zählt die Compilation, und auch wenn ich mich nicht mit wirklich jedem Remix anfreunden kann, verdeutlicht Confiote de Bits einmal mehr das Talent von Bradock, mit Jazz und House gleichermaßen zu spielen. Wie auch DJ Koze, denkt auch Bradock in seinem Remixen immer etwas um die Ecke, auch wenn das möglicherweise an der Tanzbarkeit zehrt. Trotzdem, eines ist sicher: wenn er gut ist, dann ist er wirklich exzellent, und dafür gibt es hier gleich mehrere Beweise.

Gefallen haben auch:

VA – Drumpoems Verse 2 (Drumpoet Community)
VA – 5 Years of Hyperdub (Hyperdub)
Sven Weisemann – Groove CD#119
VA – Delsin 2.0 (Delsin)
VA – Warp20 (Warp)
DJ /Rupture & Matt Shadetek – Solar Life Raft (Agriculture)
VA – Snuggle & Slap (Circus Company)
DJ Koze – Reincarnations (Get Physical)
VA – Strike 100 (Shitkatapult)

Singles

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Floating Points – Vacuum (Eglo)

Ganz klar meine Lieblingsplatte des Jahres vom Shootingstar Floating Points. Ein wunderbarer Funk/Disco/House Bastard, der so viele Ideen und Stimmungen zusammenwirft, und dabei gleich mehrere der unwiderstehlichsten Hände-in-die-Luft-Momente des Jahres auf einer Platte versammelt.

Tensnake – In The End (I Want You To Cry) (Running Back)

Muss man mal erlebt haben, wenn plötzlich ein kompletter Club zu solch einem Track mitsingt. Tensnakes Disco-Epos ist ein wahrer Floorfiller, eine Hymne, die nur vor Ideen, Sounds und Details strotzt und für einen der schönsten Überschäummomente des ganzen Jahres gesorgt hat. Und mit Holding Back My Love gibt es das Gegenstück zum Runterkommen gleich dazu. Ein Traum.

Dixon – Temporary Secretary Edits (Innervision)

Zugegeben, zwei Drittel dieser EP gegen sicherlich an die Original-Künstler und Remixer, aber Dixons Edits, und gerade der von Junior Boys Hazel, sind noch etwas straffer und druckvoller in den tieferen Frequenzen und steuern somit das letzte Puzzlestück für wirklich großartige Tracks bei, von denen es hier gleich drei an der Zahl gibt. [Review]

Burial / Four Tet – Moth + Wolf Club (Text)

Burial und Four Tet – sowas nennt man in England auch schnell mal ‘match in heaven’. Und in der Tat klingen die Beiden auch zusammen exzellent. Während Moth noch etwas straighter im 4/4 Takt vor sich hin groovt, verschmelzen bei Wolf Club die fast schon archtypischen Glocken-Sounds von Four Tet mit Burials Half-Step-Rhythmen. Wunderbar auf beiden Seiten!

Culoe de Song – The Bright Forest (Innnervisions)

Was für ein Debüt des Südafrikaners! Es gab nur wenige Tracks in diesem Jahr, die sich wie der Titeltrack mit solch einer Energie und Intensität in die Höhe schrauben. Die entfernten Urschreie, das Piano-Plinkern, die nervösen HiHats – und wenn nach vier Minuten die Streicher einsetzen – Gänsehautfeeling!

Dplay – Browse (Drumpoet Community)

Nochmal Drumpoet Community. Browse ist einer dieser Deephouse Produktionen, die auch auf dem großen Floor zur Peaktime funktionieren können, und wer es mit etwas mehr Dub mag, wird im Remix von Ribn seinen Segen finden.

Frozen Border – #3 (Frozen Border)

“Faceless Techno” war dieses Jahr auch wieder irgendwie im Kommen, und mit Frozen Border gab es gleich vier solche Platten, die mit kompromisslosen, straighten Techno der alten Schule aufwarteten, und sich trotzdem jedem Klischee zu entziehen wussten.

Darkstar – Aidy’s Girl Is A Computer (Hyperdub)

Vielleicht ist es die kindlich-modulierte Stimme, oder die melancholische Synthesizer-Melodie, die den Track in der zweiten Hälfte trägt, aber kaum ein anderer Elektronik-Track hatte in diesem Jahr solch einen Ohrwurmcharakter wie Aidy’s Girl Is A Computer.

Heiko Laux – Bitscream (Baalsaal)

Heiko Laux, sonst eher für härtere Technotracks bekannt, dreht sich hier plötzlich um die eigene Achse, und wirft mal so mir nichts dir nichts drei Tracks in den Raum, die genau den Zwischenraum von Techno und House treffen, und dabei eine ungewohnte Tiefe ausstrahlen. Respekt!

Kassem Mosse – Workshop #8 (Workshop)

Auch eine Platte, die ich lange unter “ganz ok” einsortiert hatte, und die mich dann eines Nachts total überrollt hat. Vor allem die zwei langsameren der drei Tracks sind es, die einen auf eine Reise in die tieferen Sphären elektronischer Musik begleiten und nicht mehr loslassen.

Oliver Koletzki – Zuckerwatte (Stil vor Talent)

Oliver Koletzki mal anders als gewohnt hier mit crossover-kompatiblen Technopop der besseren Sorte; eine Liebeserklärung, die ebenso süß ist wie die besungene Zuckerwatte und auch mein Lieblingstrack des Albums ist. Etwas cheesy, klar, aber das darf es ruhig auch mal ab und zu sein.

Prosumer / Murat Tepeli – You & I (Ostgut Ton)

Nach dem Album im letzten Jahr haben sich die beiden House-Crooner etwas Zeit mit neuem Material gelassen, dann aber im Spätherbst mit You & I noch eine EP veröffentlicht, die genau mit dieser unwiderstehlichen Mischung aus Kaminfeuer-Wärme und Dancefloor-Tauglichkeit weitermacht wie gewohnt.

Ribn – Plain City (Ovum)

Schwere Entscheidung, welche der vielen EPs von Ribn ich in diese Liste packen soll. Ich habe mich für die auf Ovum entschieden, ganz einfach weil es mit KMD einen dieser weit auslaufenden, atmosphärischen Tracks gibt, und Cottbus dagegen mit ordentlich Echo und Delay die deepere Seite des Duos betont. Aber egal welche Platte man nimmt, mit Ribn konnte man dieses Jahr nicht falsch liegen.

Lusine – Two Dots (Ghostly)

Lusine hat auf seinem letzten Album den leicht verkopften Stil früherer Produktionen hinter sich gelassen, und einen etwas zugänglicheren, fast schon poppigen Pfad eingeschlagen, der sich vor allem auf den Songs mit der Sängerin Vilja Luksus zeigt. Two Dots ist einer von ihnen, ein kleines, unscheinbares Schmuckstück.

Joy Orbison – Hyph Mngo (Hotflush)

Laut der RA Poll ist Hyph Mngo der Track des Jahres. Ich würde nicht ganz soweit gehen, aber Joy Orbison hat es tatsächlich geschafft, noch einmal frischen Wind ins Garage-Genre zu bringen. Die steppenden Drums, das abgehackte Vocal Sample, die Acid-mäßigen Synths – Hyph Mngo ist ein an sich recht einfacher Track, der mit erstaunlich wenig Elementen verdammt viel rausholt. Und das ist eine Kunst für sich.

Bvdub – To Live (Smallfish)

Bvdub hier mal ohne Kickdrum, dafür aber mit einem Stück, das sozusagen das oben bereits erwähnte Album in komprimierter Form auf den Punkt bringt. Falls jemand noch nicht mit der Musik von Bvdub vertraut ist, dem sei dieses kleine, 20-minütige Meisterwerk wärmstens ans Herz gelegt.

DJ T. – Shine On (Get Physical)

Ich mochte DJ T. Produktionen schon immer ganz gerne, und mit Shine On hält sein letztes Album auch einen richtigen Hit parat, der gerade im Warehouse Dub vom Motor City Drum Ensemble noch einmal richtig durchgeschüttelt wird, und verschmitzt in Richtung Detroit lugt.

Agnès – Love Tempo (Sthlmaudio)

Dass ich Fan des Schweizers bin, dürfte inzwischen klar sein. Hier wieder zwei lupenreine Housetracks, die einen mit ordentlich Druck auf den Tanzboden schieben, und auf der B-Seite mit Snowhere eines der einfachsten und markantesten Piano-Stabs des Jahres vorzuweisen haben.

Delta Funktionen – Electromagnetic Radiation Pt.II (Ann Aimee)

Fast schon unverschämt gute EP vom Niederländer Nils Luinenburg, der hier auf vier Tracks sowohl einem deepen Dubtechno-Sound frönt, gleichermaßen aber auch immer wieder Melodien durchschimmern lässt, die einen langsam aber stetig in die Knie zwingen können. Bin gespannt, was hier noch kommt!

Soultourist – Fo-Eva (Drumpoet Community)

Drumpoet Community hatte abermals ein ausgezeichnetes Jahr, und Soultourists Fo-Eva verkörpert eigentlich perfekt den aktuellen Sound des Labels: Elegant-freundliche Housegrooves, die immer locker aus der Hüfte wippen, und immer auch ein bisschen auf die Retro-Seite schielen.

STL – Silent State (Smallville)

Der meandernde, fast 12 Minuten dauernde Titeltrack dürfte die Messlatte für aquatisches Dubtechno im Jahr 2009 recht hoch angesetzt haben, während die B-Seite etwas rauer und ungeschliffener ist, ohne dadurch den nebligen Groove zu vernachlässigen, der STLs Produktionen immer durchzieht.

Sven Weisemann – Exposure + Leontica (Essays)

Sven Weisemanns Doppelpack auf Essays hat uns in diesem Jahr gleich vier Deephouse-Tracks beschert, die zwischen Ambience und sehnsüchtiger Melancholie mitten ins Herz treffen, und einen perfekten Übergang zu seinem Album ermöglichten.

Millie & Andrea – Temper Tantrum + Spectral Source (Daphne)

Zwei EPs von Millie & Andrea gab es in diesem Jahr, von denen jeweils ein Track ein absoluter Killer ist: Temper Tantrum auf der einen ist ein verschroben-aggressiver Half-Stepper, Ever Since You Came Down dagegen erinnert mit seinen gepitchten Vocals eher an frühe UK Drum & Bass erinnert, ohne dabei seine Dubbigkeit einzubüßen.

VA – Delsin 2.0 Remix EP1 (Delsin)

Newworldaquariums Trespassers kam ursprünglich schon 2000 heraus, hat hier im Remix von Redshape aber einen zweiten Frühling erfahren, der kaum blühender sein könnte. Denn was dieser aus dem ohnehin schon sehr guten Original macht ist ein Kracher – ein Technotrack, der sich langsam und bedrohlich nach oben schraubt, um einen dann wirklich völlig umzuhauen.

Wax – 20002 (Wax)

Um Shed war es in diesem Jahr etwas ruhiger, aber auch Dank seines Wax-Projekts ist er alles andere als in Vergessenheit geraten. Auf der A-Seite noch etwas minimal, blüht die B-Seite richtig auf: ein Track, der mit seinem Piano-Loop und verwaschenen Strings zum einen die Melodie-Seeligkeit von Deephouse aufgreift, aber gleichermaßen auch treibend genug ist, um in Technosets zu passen. Fantastisch!

Carl Craig & Moritz von Oswald – ReComposed Remixes (Deutsche Grammophon)

Mit dem Album konnte ich nicht viel anfangen, und auch der C2 Remix auf dieser EP lässt mich größtenteils kalt. Nicht so aber der von Villalobos, der hier auf 12 Minuten Länge mal wieder sein ganzes Können unter Beweis stellt, und dabei einen seiner vielleicht besten Remixe überhaupt abliefert.

Nina Kraviz – Pain in the Ass (Rekids)

Zwei eher unscheinbare Tracks, die durch Kraviz’ Gesang und Spoken Word sich trotzdem irgendwie nachhaltig einbrennen. Gerade I’m Gonna Get You ist mit seiner langsam vor sich hin fließenden Bassline und den sehnsüchtigen Vocals ein Track für die ganz ganz späten Stunden, und eignet sich übrigens hervorragend zum nächtlichen Fahren auf der Autobahn.

Marek Hemman – Gemini (Freude am Tanzen)

Marek Hemmans Gemini hat als Vorab-Single zu seinem Debütalbum schon mal ganz gut das Feld abgesteckt: vergnügt nach vorne treibendes, jazzig-angehauchtes Techno, das auf Gemini nebenbei noch das hinreißendste Saxophon-Sample des Jahres bereithält. [Review]

Gefallen haben auch:

Delorean – Ayrton Senna
Anton Zap – Outside
Donnacha Costello – Tragedy of the Commons
Ben Klock – One (Remixes)
Ital Tek – Mako
Robag Wruhme – Abusus Adde
Gruber & Nürnberg – Traffic
John Daly – Lonely Beat
Lawrence – Jill
Marko Fürstenberg – Eibenstock
Moderat – Rusty Nails
The Black Ghosts – Full Moon
Mount Kimbie – Maybes

Label

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Running Back

Ein bisschen Lokalpatriotismus muss natürlich auch sein, aber Gerd Jansons kleines Label Running Back hatte in diesem Jahr tatsächlich nur Hits vorzuweisen: die etwas weiter oben erwähnte Platte von Tensnake, Dplays Huub Sand und natürlich auch The Voice From Planet Love von Precious System, deren Vocals in diesem Jahr überall präsent waren und auch so einigen Mixen heraus ertönten, sind sicherlich die bekanntesten. In den letzten beiden Jahren hat sich Running Back zur festen Größe entwickelt, und es ist gerade die Unberechenbarkeit, die jede Platte von der nächsten abgrenzt, die uns gefallen hat.

Mule Musiq / Mule Electronic

Höchste Zeit, das japanische Vorzeigelabel Mule einmal zu loben. Ich bin mir zwar nie sicher, nach welchen Kriterien Platten auf dem Mutterlabel oder dem Sublabel Mule Electronic herauskommen, aber bei beiden Imprints ist die Qualität konstant hoch. Dieses Jahr gab es mit Jill vielleicht die beste Lawrence Single seit Jahren, ganz abgesehen von seinem Album, dazu natürlich noch DJ Sprinkles (in Japan eigentlich schon 2008 erschienen), die zweite EP des Südafrikaners Culoe de Song, neues von Isolée, Ribn, sowie eine weitere Single von John Daly, dessen Album Sea & Sky die oben erwähnte Liste nur knapp verpasst hat. Globalisierung auf japanische Art.

Hotflush

Als wir vor fast zwei Jahren mit Scuba gesprochen hatten, ist sein Label Hotflush gerade in einer Übergangsphase gewesen. Mit dem Umzug von Scuba nach Berlin hat sich auch der Sound geändert, auch wenn Hotflush nie das “typische” Dubstep-Label war. Schon immer hat man auf Hotflush etwas um die Ecke gedacht, hat Einflüsse von IDM und Techno einfließen lassen, und damit auch immer die Evolution von Dubstep mit vorangetrieben. Seit dem letztjährigen Album von Scuba hat man mit Mount Kimbie, Sigha und natürlich Joy Orbison drei Produzenten ins Haus geholt, deren Stil absolut frisch ist. Soviel Vorwärtsdenken muss belohnt werden.

Warp Records

Alleine das 20-jährige Bestehen, das in diesem Jahr mit einem epochalen Boxset und einer weltweiten Reihe von Partys gefeiert wurde, dürfte in diesen Zeiten Grund genug sein, ein Lob auszusprechen. Aber Warp hat nach all den Jahren nichts an seiner Vormachtsstellung eingebüßt – im Gegenteil. Schon im letzten Jahr hat man mit Flying Lotus und Harmonic 313 neues Terrain betreten, und dieses Jahr mit den Crossover-Produktionen von Bibio, dem Wonky Hip-Hop von Hudson Mohawke und den Indierock-Elegien von Grizzly Bear abermals Akzente gesetzt. In diesem Sinne: Glückwunsch und auf weitere 20 Jahre!

Produzenten

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Bvdub

Brock van Wey hat schon in den letzten Jahren mit zahlreichen EPs auf seinem eigenen Label Quietus seine Vision von Ambient verfeinert, und mit dem Debütalbum auf Echospace und den Remixen von Intrusion hat er es nun auch vor ein breiteres Publikum geschafft, das ihn wohlwollend aufnimmt. Man kann auch gar nicht anders, denn Bvdubs Musik ist nicht nur zeitlos, sondern enthält auch eine wahnsinnig emotionale Tiefe in jedem einzelnen Track, die man selten vorfindet. Aber nicht nur die Musik, auch die Geschichte der Person dahinter ist bemerkenswert, und daher ist Bvdub gleich in zweierlei Sicht einer der interessantesten Produzenten des Jahres gewesen.

Sven Weisemann

Sven Weisemann hat dieses Jahr tatsächlich auf fast allen Hochzeiten gespielt – ob als exzellenter DJ für die Groove oder Bodytonic, Deephouse-Produzent auf Mojuba und liebe*detail oder leisetretender Klassik-Connaisseur – Weisemann kann gleichzeitig die Leute zum Tanzen bringen und nebenbei noch mehr Instrumente spielen als so manche Band in der Summe. Und gerade als ich dachte, dass seine Remixe wie der für Sven Tasnadi etwas berechenbar werden, hat er mix Xine noch eines der besten Alben des Jahres herausgebracht und damit seine Stellung zementiert.

Manuel Tur / Langenberg / Dplay

Am Essener Dreigestirn um Manuel Tur, Dplay und Langenberg (zusammen mit Tur als Ribn unterwegs) gab es in diesem Jahr kaum einen Weg herum, wenn man auf House steht: ein gutes Dutzend Platten dürfte auf die drei Produzenten und ihre gemeinsamen Projekte und gegenseitigen Remixe zurückgehen, darunter großartige Singles wie Dplays Browse oder Ribns This Feeling, ebenso wie Manuel Turs Debütalbum 0201. Damit hat das Trio nicht nur die sonst eher unscheinbare Stadt Essen auf der House-Landkarte platziert, sondern auch einige der nachhaltigsten Tracks des Jahres hinterlassen.

Miles Whittaker / MLZ

Dürfte vielleicht einige überraschen, aber Miles Whittaker hat nicht nur als MLZ in den letzten Jahren ziemlich großartige Dubtechno-Tracks auf Modern Love herausgebracht, sondern als eine Hälfte von sowohl Pendle Coven als auch die oben genannten Demdike Stare gleich zwei tolle Alben 2009 veröffentlicht. Und als wäre das nicht schon genug hat er ebenfalls als eine Hälfte von Millie & Andrea für zwei der wuchtigsten und verschrobensten Dubstep-Banger des Jahres gesorgt. Kurz gesagt: MLZ hat in diesem Jahr seine Produktionen für sich sprechen lassen wie kaum ein anderer, und deswegen verdient der kamerascheue Brite diesen Platz allemal.

Worst Album

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Moritz von Oswald Trio – Vertical Ascent

Mag jetzt oppositär klingen, wenn man sich anschaut, auf wievielen Listen dieses Album auftaucht, aber ich bleibe bei meiner Meinung: wenn hier nicht die Namen dieser drei, zugegeben an sich sehr talentierten Musiker, draufstehen würden, hätte dieses Album keine Sau interessiert. Affektierte, schnarchige Musik für Menschen, die wirklich in jedem Rumgenudel und akademischen Klanggewichse noch einen innovativen Ansatz erkennen wollen.

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In diesem Sinne: auf ein neues Jahr! :)

Ältere Jahresrückblicke: 2008 / 2007 / 2005

[Header picture by Luke Pineda]

Im März 1945, zwei Monate vor der bedingungslosen Kapitulation Deutschlands, marschierten die amerikanischen Streitkräfte in Hessen ein. Es war der Auftakt einer Ära, die fast 60 Jahre Bestand haben sollte, und in der Hessen, Bayern und weite Teile Baden-Württembergs zur amerikanischen Besatzungszone wurden. Gerade das Rhein-Main-Gebiet mit Städten wie Frankfurt, Hanau und Wiesbaden wurde im Verlauf der Nachkriegszeit zum europäischen Stützpunkt der Amerikaner, deren Einflüsse aber auch die kulturelle und musikalische Sphäre von ganz Westdeutschland nachhaltig prägten.

Klaus Walter, Autor und DJ aus Frankfurt, war aktiv dabei. Zunächst als Jugendlicher vor dem Radio sitzend, in dem über Sender wie dem American Forces Network (AFN), zum ersten Mal der „american way of life“, der das Stadtbild Frankfurts zunehmends prägte, auch musikalische Realität wurde. Später, zu Beginn der 80er Jahre erlebte er als Taxifahrer aus erster Hand, wie sich das Nachtleben veränderte, und wie der Funk der 70er Jahre langsam von frühen House und Hip Hop-Produktionen abgelöst wurde, die nun begannen den Sound der Clubs zu dominieren. 1984 wechselte Klaus Walter schließlich auf die Seite der Macher, und setzte mit seiner Radiosendung Der Ball ist rund für den Hessischen Rundfunk bis zur Einstellung im Jahr 2008 Maßstäbe in Sachen Radioformat. Inzwischen ist er Redakteur und Moderator beim Internetsender byteFM. Gemeinsam mit uns und passend zum zwanzigjährigen JUbiläum der Wiedervereinigung blickt er zurück auf eine Zeit, die viel bewegt hat, und deren Ende unweigerlich auch mit der Wende einherging. Wir gehen dabei dem Einfluss der Amerikaner auf die Musikszene in Frankfurt (und Westdeutschland) nach.

Klaus, deine Biographie ist fast untrennbar mit dem Radio verbunden. Aber wie wichtig war Radio als kulturelles Medium in deiner Jugend?

Das war eine Zeit vor Privat- und Musikfernsehen, in der Radio noch eine viel größere Definitionsmacht über Pop hatte und über das, was die Leute hören. Es war vor allem für die Menschen auf dem Land, die keinen Zugang zu Diskotheken und Plattenläden hatten, die wohl wichtigste Informationsquelle in Sachen Musik. Ich habe das später auch bei meiner eigenen Sendung erlebt, dass gerade die Hörer vom Land, also von dort, wo es wirklich gar nichts gab, oft die größten Fans waren. Viele Biographien aus dieser Zeit fangen dementsprechend auch an mit „Hätte ich damals nicht diese oder jene Sendung gehört…“. Bei mir war das genauso.

Wie groß war der Einfluss der sogenannten Besatzungssender auf die Musikszene in Westdeutschland?

Diese Hegemonie der anglo-amerikanischen Sender war natürlich im Radio zu spüren. Ich bin groß geworden zu einer Zeit, in der es noch keine wirklichen deutschen Popwellen gab. AFN dagegen hatte damals schon ein Top 40-Format; das hieß nichts anderes, als dass es eine Rotation von ca. 40 Liedern gab, die den ganzen Tag gespielt wurden. Dementsprechend haben sich diese Songs auch in das Gedächtnis eingebrannt. Man muß natürlich sagen, dass die kommerziell erfolgreiche Popmusik in den USA Ende der 60er und Anfang der 70er Jahre auch extrem spannend war. Es gab diese Dichotomie: auf der einen Seite Soul, vor allem Motown und Stax, was für uns weiße pubertierende Gymnasiasten die Verkörperung des Spießertums war, und auf der anderen Seite das, was damals als ‘progressiv‘ galt, also Steppenwolf, The Doors, Chicago und ähnliches. Das war „unser“ Sound, das hat uns angesprochen. Erst Jahre später, mit einer gewissen Geschlechtsreife, habe ich kapiert, wie toll Motown und Stax sind, und wie weniger toll Steppenwolf…

In der DDR wurde ja gern die Geschichte erzählt, dass Radio der einzige Kontakt zum Westen war. Wie sah es denn auf der anderen Seite des eisernen Vorhangs aus?

In der DDR war die Sache natürlich noch politisch aufgeladen: Da hat man ja im Radio den Sender des ‚Feindes’ gehört. Im Westen war das nicht ganz so schlimm, aber man war trotzdem in der Position, dass man Amerika für seinen Pop geliebt hat, obwohl man es politisch ablehnen musste – es war immerhin die Zeit des Vietnam-Kriegs. Aber es kam nun mal die beste Musik von dort. In den 70ern wurden dann auch die ersten deutschen Popwellen gegründet, die auf amerikanischem Vorbild basierten und dann auch die anglo-amerikanische Musik spielten, weil man es einfach nicht mehr ignorieren konnte.

Du hattest mal die These aufgestellt, dass es in (West)Deutschland eine Art “Poplandkarte“ gibt, die aus den jeweiligen Besatzungszonen heraus entstanden ist…

Die Theorie liegt jedem, der sich näher mit der Geschichte von Radio beschäftigt, nahe. Die Grenzen lassen sich grob nach dem Sendegebiet der Besatzungssender ziehen. Punk z.B. kam in Frankfurt und Hessen eigentlich nie an. Das war dagegen im Bereich von BFBS, gerade in Gegenden wie Ostwestfalen und natürlich Hamburg viel ausgeprägter. Auch die britische Mod-Kultur gab es in Frankfurt als Phänomen nur am Rande, was vielleicht auch damit zusammenhängt, dass die entsprechende Musik, die damit einherging, nicht im Radio lief. Im Gebiet von AFN waren neben dem erwähnten Rock vor allem Soul und später Funk und auch Hip Hop deutlich ausgeprägter.

Trotzdem gilt Frankfurt als eine der Geburtstätten von Dance-Musik und auch Techno in Deutschland. Lässt sich das denn vereinbaren?

Ich denke schon, dass es da gewisse Verbindungen gibt. Zunächst kam die hedonistische Soulmusik, dann Funk und daraus haben sich dann langsam Hip Hop und auch House entwickelt. In den 80er Jahren, vor der großen Entmischung, gab es diese Trennung nicht, man hatte noch nicht so klare Begriffe von Hip Hop oder House. Funk hatte damals auch schon vermehrt mit Elektro-Elementen gespielt. Und Afrika Bambaataa hat Düsseldorfer Elektronik in die Bronx transportiert und mit Hip Hop vermischt. In den Clubs war das ähnlich, da lief “The Message“ von Grandmaster Flash neben Moskwa TVs “Generator 7“. Diese Entmischung der unterschiedlichen Stile kam erst später, aber ich denke, dass gerade dieser sehr hedonistische Feierstil durchaus auch mit den amerikanischen Einflüssen zusammenhängt.

Gerade in Frankfurt und Hanau gab es eine Vielzahl an amerikanischen Clubs. Welche Musik lief dort?

Die typischen G.I.-Clubs waren auf ihre Weise sehr interessant. Das waren primär Orte, wo weiße Frauen und schwarze Männer sich näher kamen. Aber die Musik war extrem spannend. Ich bin von 1979-86 Taxi gefahren und habe dabei so einiges mitbekommen, gerade wenn am Wochenende die Soldaten aus den ganzen Kasernen im Umkreis kamen. Ich habe zwar immer nur davor gestanden, aber in den Clubs liefen u.a. Sachen wie “Atomic Dog“ von George Clinton in einer irrsinnigen Laustärke. Das hatte eine Energie, die faszinierend war, und die vieles schon vorweggenommen hat, was dann später in den Technoclubs wie dem Omen lief.

Das klingt allerdings so, als hätte es keine Vermischung zwischen den G.I.s und den einheimischen Clubgängern gegeben?

Nicht wirklich, nein, man kam ja als deutscher Mann gar nicht rein. Auf der anderen Seite hatten aber gerade auch schwarze G.I.s kaum Chancen, in die einheimischen Diskotheken reinzukommen. Ich kann mich nicht daran erinnern, dass etwa das Cooky´s jemals eine Gruppe von zehn Soldaten reingelassen hat, da war die Angst vor Trouble – was passiert, wenn sich die G.I.s mit den Freunden der Frauen dort in die Haare bekommen? Oder mit den weißen Zuhältern? Später gab es einen Laden in Frankfurt, das “Funkadelic“, in dem das Publikum etwas gemischter war, allerdings war auch hier die Atmosphäre immer etwas angespannt. Die Musik war aber natürlich klasse, hier liefen die Funk-Sachen genau wie später dann Hip Hop, die man in anderen Läden nicht zu hören bekam. Was allerdings häufiger vorkam, ist dass die Deutschen zum Einkaufen in die amerikanische PX gefahren sind, wo man mit einem bestimmten Ausweis amerikanische Waren kaufen konnte, darunter natürlich auch gute Platten…

Platten, die man in Deutschland sonst nicht bekommen hätte?

Viele DJs haben damals auch dort eingekauft, weil es natürlich die ganzen Import-Platten zu relativ günstigen Preisen gab. Dort gab es aber nicht nur aktuelles, sondern vor allem auch viele obskure Sachen. In Frankfurt war die Plattenladensituation am Anfang der 80er Jahre ohnehin alles andere als gut, da war die PX natürlich eine gute Anlaufstelle und Alternative. Auch die Maxi-Single als Format wurde in den USA viel früher populär, und hat sich hier erst nach und nach etabliert, vielleicht auch dank des amerikanischen Einflusses.

Gab es denn musikalische Produktionen, in denen die Einflüsse beider Seiten aufgegriffen wurden?

Es gab mal diesen merkwürdigen Bastard namens Hip House, der inzwischen fast vergessen ist. Deskees “Let There Be House“ war glaube ich eine dieser ersten deutschen Produktionen, die diesen 4/4 Housebeat mit Rap verbunden hat, noch bevor Snap! dann ein paar Jahre später dieses Konzept verfeinert haben und auch radiotauglich machten. Das war vielleicht eine der ersten wirklichen Verbindungen von den amerikanischen Einflüssen in Form von Hip Hop und den frühen deutschen Dance-Produktionen.

Wie hat sich die Präsenz der Besatzungsmacht denn generell in der Stadt deutlich gemacht?

Die physische Präsenz der Amerikaner war natürlich enorm wichtig für das Stadtbild. Man muss sich ja vorstellen, dass viele Tausend Männer im besten Mannesalter in der Stadt gelebt haben, die in den meisten Fällen keine festen Bindungen hatten, am Wochenende gabs Geld und wenn der Dollar gut stand, dann sind sie damit durch die Stadt zogen. Das Bild des schwarzen G.I.s mit dem Ghettoblaster auf der Schulter ist kein Klischee, sondern war damals ebenso „real“ wie die Tatsache, dass aus den Jeeps heraus Grandmaster Flash tönte. Nach der Wende ist dieses Bild dann nach und nach verschwunden.

Wie hat man dieses Vakuum dann gefüllt?

Ich denke, dass ab den frühen und Mitt-90er Jahren gerade die Nachkommen der Arbeits- Immigranten in diese Bresche gesprungen sind, die die Amerikaner hinterlassen haben. Es ist vielleicht kein Zufall, dass gerade diese soziale Gruppe auch vielleicht die einzige ist, die man wirklich klar mit Hip Hop verbinden kann. Auch das Bild des jungen, sexuell freizügigen Mannes, der laut Musik auf der Straße hört, und das man heute häufig mit der zweiten und dritten Generation der Immigranten verbindet, ist ja sehr amerikanisch geprägt.

Wenn du von Hip Hop sprichst, dann denke ich automatisch an Advanced Chemistry, die als einer der ersten deutschen Hip Hop Acts gelten und aus Heidelberg, d.h. einer ebenfalls stark amerikanisierten Stadt, kamen.

Stimmt, Advanced Chemistry haben sich natürlich stark am amerikanischen Vorbild orientiert, aber interessanterweise haben sie alle drei nichtdeutsche Vorfahren, haben Erfahrungen mit rassistischer Ausgrenzung und haben das mit den Mitteln des Hip Hop thematisiert. Ähnliche Entwicklungen gab es auch unter Migrantenkindern in Frankfurt. Das setzt sich bis heute fort.

Hip Hop hatte trotzdem oder genau deswegen lange einen schweren Stand…

Absolut. Ich habe selbst erlebt, wie das Aufkommen von Hip Hop zu einer Spaltung der Hörerschaft geführt hat, die ich natürlich auch ein wenig forciert habe. Bei meinen Hörern gab es das, was man heute vielleicht als Indie-Spießer bezeichnet, also die Leute, die ihren jammernden weißen Songwriter als authentisch bezeichnen und Jay-Z als kommerziellen Scheiß abstempeln. In den 80er Jahren hieß es natürlich nicht Radiohead gegen Jay-Z sondern eben The Smiths gegen De La Soul. Ich hab oft Leserbriefe bekommen, in denen die Leser sich beschwert haben, daß ich doch bitte aufhören soll, diese fürchterliche Musik zu spielen.

Wie hat sich die Wende letztendlich auf die Musikkultur im Westen ausgewirkt? Wurde dadurch die Hegemonie der Amerikaner schwächer?

Eine der gravierendsten Folgen der Wende ist das allseits gewachsene deutsche Selbstbewußtsein; das vom ehemaligen Bundespräsidenten Herzog proklamierte „unverkrampfte“ Umgehen mit deutscher Identität und Geschichte. Das hat zu einem ungeahnten Boom deutscher Popmusik geführt, zum Triumph der Rammsteins und Onkelz, der Silbermonds und Julis. Das ist schon ein lustiges Paradox: so ziemlich das Einzige, was sich aus der DDR in die neue BRD gerettet hat, ist die Freude am deutschen Liedgut. Da fällt die Mauer und die ansonsten untergebutterten und des Englischen meist nicht mächtigen Ostdeutschen bringen den überheblichen Wessis bei, dass man doch stolz sein kann auf seine deutschen Lieder. Da wäre ein bisschen Verkrampftheit kein Fehler. Insofern muss ich mich bei den Amerikanern bedanken: ohne AFN hätte ich keinen Soul verstanden und wäre heute ein alter Rocktrottel, der Grönemeyer für den deutschen Dylan hält und Naidoo für den deutschen Michael Jackson. Dieser Weg ist mir erspart geblieben.

Klaus Walters Sendung Was Ist Musik läuft immer Sonntags von 20-23 Uhr auf www.byte.fm.

Dieser Artikel ist in der De:Bug #137 zum Thema "Einheitstechno" erschienen.

Es sind Fragen, die sich wohl jeder House- und Techno-Produzent im Vorfeld eines Albums stellen muss: beuge ich mich dem Diktat des Dancefloors und produziere ein Album mit potentiellen Singles, oder nutze ich die Freiheit jenseits von 33 und 45 rpm, um der Kreativität freien Lauf zu lassen und in unbeschrittenes Terrain zu treten? Mathias Kaden, Produzent aus Jena, der seit einigen Jahren sowohl solo als auch zusammen mit Marek Hemmann die Tanzflächen beschallt, hat sich für sein Debütalbum auf Vakant für den vermeintlich schwierigeren Weg entschieden. Die Überraschung ist gelungen, denn wo sich Kaden auf seinen Singles eher an der perkussiveren Seite von Techno bewegt hat, sind die Tracks auf Studio 10 – eine Danksagung an sein Studio in Gera, in dem das Album entstanden ist – um einiges entspannter, zurückhaltender und doch irgendwie facettenreicher. Neben den Einflüssen, die das Reisen mit sich bringt sind es somit vor allem auch Gäste wie Ian Simmonds, Florian Schirmacher und die japanische Popsängerin Tomomi Ukumori, die das Album zusätzlich abrunden, und den musikalischen Horizont des Produzenten noch einmal erweitern; Jazz-Elemente durchziehen die Songs, das Tempo ist reduziert, der gesteigerte Einfluss von House klar erkennbar. Melodien werden in den Vordergrund gerückt, ohne dadurch die Liebe zum Groove zu vernachlässigen.

Mathias Kaden beweist mit seinem Erstlingswerk, dass man gerade als Techno-Produzent seine Komfortzone häufiger verlassen sollte, um nicht im musikalischen Einheitsbrei zu landen. Im Gespräch verrät er uns, was ihn inspiriert hat, und wie u.a. auch die Zusammenarbeit mit dem Symphonieorchester in Gera seinen musikalischen Horizont erweitert hat.

Mathias, du bist ja jetzt schon mehrere Jahre tätig und hast sowohl solo als auch zusammen mit Marek Hemman zahlreiche Singles veröffentlicht. Wann kam der Entschluss, jetzt das Album zu machen?

Ich bin jetzt seit ca. 13 Jahren als DJ tätig, und in den letzten zwei Jahren kam die Idee auf, nach den ganzen Single-Releases endlich auch mal ein Album angehen, auch mal dieses Format zu probieren. Ich habe dann angefangen zunächst Ideen zu sammeln, wie es denn klingen soll und auch die Musiker kontaktiert, mit denen ich gerne zusammenarbeiten wollte. Effektiv daran gearbeitet habe ich dann das letzte Jahr über.

Da du gerade die Gäste ansprichst…wie kamen die Kontakte zustande? Waren das alles Wunschgäste?

Ian Simmonds und Gjaezon, die beide auch Vokalisten sind, kenne ich schon sehr lange. Ich weiß natürlich, was sie selbst für Musik produzieren und ich bin Fan von ihren Sachen, daher waren das meine zwei Wunschkandidaten für das Album. Florian Schirmacher kenne ich natürlich u.a. von seiner Mitarbeit bei Wareika, und seine Stimme hat mir schon immer gut gefallen. Alle haben auch gleich zugesagt, was mich sehr gefreut hat. Tomomi Ukumori habe ich vorher nicht gekannt, die habe ich über eine gute Freundin in Japan kennengelernt. Tomomi ist eine japanische Pop-Sängerin, die aber auch auf Englisch singt. Die Stimme hat mir total gut gefallen, und da ich irgendwie auch etwas Japanisches auf dem Album haben wollte, hat das super gepasst.

Bist du Japan-Fan?

Ja, schon. Das hat sich jetzt in den letzten Jahren so entwickelt. Japan war schon immer interessant, aber nie so wirklich ein Reiseziel von mir. Aber jetzt als DJ habe ich schon 3x eine längere Japan-Tour gemacht und das Land und die Menschen haben es mir total angetan. Daher auch der Entschluss, einen Titel auf dem Album zu haben der meine Verbundenheit mit Japan wiederspiegelt.

Wobei das ja nicht der einzige Einfluss auf dem Album ist. Inwiefern hat dich das Reisen als DJ beeinflusst?

Klar, das Album ist ja auch ein Rückblick auf die letzten 10 Jahre, in denen ich als DJ um die Welt gereist bin. Ich wollte eigentlich alles verarbeiten, was mich in all den Jahren beeinflusst hat und was mich jetzt als Musiker ausmacht. Auch die Jazz-Einflüsse, die ja gerade auch bei Musik Krause und Freude am Tanzen häufig erkennbar sind, sollten noch mit einfließen. Meine Singles dagegen waren ja immer etwas Lateinamerikanisch oder Südländisch angehaucht, allein durch die Percussion oder auch die afrikanischen Vocals, die ich mal hatte. Das habe ich auf dem Album aber eher etwas zurückgestellt; die Percussion ist natürlich auch noch da, aber ich habe sie in den Hintergrund geschoben, das war mir auch selbst wichtig, mal einen anderen Weg einzuschlagen, den Song-Charakter hervorzuheben.

Stichwort Jazz. Gerade im Verlauf des letzten Jahres scheinen Jazz-Elemente verstärkt im Techno- und House Bereich Einzug erhalten zu haben. Siehst du das ähnlich?

Ich denke aber, das ist schon seit zwei, drei Jahren zu beaobachten. Jazz ist natürlich sehr gefühlvolle Musik, was vielen Technotracks einfach fehlt. Wenn sich Jazz und House verbinden, gibt das meiner Meinung nach eine sehr gute Balance.

Hörst du denn privat viel Jazz?

Auch, aber nicht im unbedingt klassischen Sinn. Das letzte Album was ich z.B. gehört habe, wenn man es denn als Jazz bezeichnen kann, war das von Ian Simmonds. Ich würde es vielleicht so etwas wie „Neuzeit-Jazz“ nennen, denn es ist nicht nach den klassischen und typischen Regeln entstanden, und genau deswegen finde ich es auch so gut. Gerade hierin besteht ja das Spannende, wie man die Jazz-Strukturen mit unserer Musik verbinden und auch aufbrechen kann. Da ist noch viel Luft nach oben, und da wird es auch noch interessante Entwicklungen geben glaube ich.

Nicht direkt Jazz, aber du selbst hast letztes Jahr mit der Philharmonie in Gera gespielt. Wie kam es denn dazu?

Der Theaterleiter aus Gera hatte mich gefragt, ob ich nicht in der Pause eines Konzertes elektronische Musik spielen möchte, da es auch im Konzert im weitesten Sinne um elektronische Musik ging. Das war mir aber nicht so recht, da in der Pause natürlich die Leute auf Toilette gehen oder sich was zu trinken holen. Und dann bleiben vielleicht nur noch die sitzen, die nicht aufstehen können oder wollen und die nerve ich dann womöglich noch. Dann habe ich angeboten, doch mit dem Orchester zu spielen und einen Tag später kam der Anruf, dass es klargeht. Dann habe ich mit dem Leiter vier Stücke von mir ausgesucht und die in Noten gepackt – etwas, was ich ja sonst nicht mache. Das Orchester hat dann die Hauptparts – Trompeten, Strings und auch Schlagelemente – nachgespielt. Das war auf jeden Fall spannend.

Hat dich dieses Erlebnis auch nachhaltig beeinflusst?

Auf jeden Fall! Das war sicherlich ein Highlight der letzten Jahre. Es hat mir einen ganz neuen Blick auf meine Produktionen gegeben; anschließend habe ich angefangen, mir die Melodien vorher genauer zu überlegen, in welcher Tonhöhe ich sie ansetze und so weiter. Vorher habe ich ja immer nur nach Gehör und Gefühl produziert, aber jetzt habe ich auch aus ‚technischer‘ Sicht einiges dazugewonnen.

Hört man diese neue Technik auch auf dem Album?

Es war eigentlich geplant, einen kompletten Titel auf dem Album mit dem Orchester aufzunehmen, aber das ist aus zeitlichen und finanziellen Gründen leider gescheitert. Die Kosten für ein Orchester, auch wenn sie mir sehr entgegenkommend waren, steht natürlich gar nicht in Relation mit dem Budget in unserem Musikbereich. Daher habe ich mich entschieden, wenigstens mit der ersten Geige des Orchesters, Claudia Ander-Donath, zusammenzuarbeiten. Die habe ich dann eingeladen zu mir ins Studio, wo ich schon das Grundgerüst des Tracks hatte. Ich habe ihr dann die Melodie vorgesummt, und darauf basierend hat sie dann Noten für die Violine entnommen. Also kann man schon sagen, dass die Arbeit mit dem Orchester doch auch auf dem Album Einzug erhalten hat, wenn auch nicht ganz in dem Sinne, wie ich mir es ursprünglich erhofft hatte.

Inwiefern hatten deine musikalischen Gäste Mitspracherecht bei den Songs?

Ich habe ihnen natürlich zu Beginn meine Ideen erklärt, aber prinzipiell habe ich ihnen freie Hand gelassen und sie auch nach ihren Vorstellungen gefragt, so dass wir uns dann langsam an den gleichen Nenner angenähert haben. Ich konnte mich mit allen einigen, und ich habe auch kein Problem damit, die Ideen von den Musikern anzunehmen und mich auch von ihnen inspirieren zu lassen.

Gab es ein prägendes Erlebnis während der Arbeit an Studio 10?

(lacht) Ja, das gab es. Mit Ian Simmonds. Wir haben unsere gesamte Session aufgenommen, Ian hat gesungen, Orgel gespielt und wir haben so ca. fünf oder sechs Stunden daran gearbeitet, bis dann die Software abgeschmiert ist! Das war zum ersten Mal in meinem Leben, dass es auch keine Wiederherstellung mehr möglich war, sprich: es war alles wirklich weg! Ohne Backup, keine Chance! Das ist natürlich der dümmste Anfängerfehler, den man machen kann. Ich war dementsprechend auch am Boden zerstört, gerade auch vor Ian, der sich so viel Mühe gegeben hat. Nach 20 Minuten haben wir uns dann entschlossen, alles nochmal neu zu machen. Wir haben dann bis tief in die Nacht noch gerarbeitet und im Endeffekt war es wirklich besser! Am Anfang war es der schlimmste Moment, aber dann auch wieder der Schönste, weil wir wirklich ein Team waren. Daher ist der Track auch einer meiner Favoriten auf Studio 10.

Der Titel bezieht sich auf den Namen deines Studios?

Genau, wir haben einen alten Bahnhof in Gera angemietet, der die Hausnummer 10 hat. Ein Kumpel von mir, der auch die meisten meiner Plattencover sowie das Album-Artwork designt hat, hat mir mal ein Logo mit „Studio 10“ gemacht, und da es vielleicht das letzte Album ist, was in diesem Studio in Gera entstanden ist, hab ich mich dazu entschieden, es so zu nennen. Auch als Dankeschön an die alte Zeit und meine Jungs, die dort noch arbeiten und die mich auch während der Produktion immer wieder unterstützt haben. Das Album ist ja auch eine Essenz der letzten Jahre, die ich dort verbracht habe.

Das heißt du ziehst um?

Ich habe mit Marek, der schon seit einigen Jahren in Jena wohnt, vor Ort ein hübsches Objekt gefunden. Ich konnte mich die letzten Jahre nie so richtig von Gera trennen, weil ich ja ohnmehin schon so oft auf Tour bin, und es einfach mein zuhause ist. Aber jetzt habe ich mich entschieden, wenigstens mit dem Studio nach Jena umzuziehen, weil es auch die Zusammenarbeit mit Marek erleichtert.

Marek bringt ja fast zeitgleich mit dir sein erstes Album heraus. Darf man sich dann in Zukunft auch auf ein gemeinsames Album von euch freuen?

Eigentlich war das ja vor unseren eigenen Alben geplant. Aber das wird es auf jeden Fall geben, gerade wenn wir dann zusammen ein Studio haben, da wird sicherlich einiges entstehen in Zukunft. Wir haben auch schon wieder einige Remix-Anfragen, mit denen wir uns jetzt bald beschäftigen werden.

Kommen wir nochmal auf dein Album zurück. Im Pressetext steht geschrieben „Kreativität soll nicht dem Diktat des Dancefloors unterliegen“. Für einen DJ, der natürlich jedes Wochenende den Dancefloor beschallt scheint das eine gewagte Aussage zu sein…

Meine Singles sind alle für den Dancefloor, alles was ich in den letzten Jahren gemacht habe, ist immer für den Club ausgelegt. Mit dem Album wollte ich aber auch meine andere Seite zeigen, dass ich eben nicht nur der Typ bin, der immer munter vor sich hin trommelt und irgendwann als klassische Minimal-Artist abgestempelt wird. Es war mir einfach wichtig, auch etwas zeitloses zu kreieren, was bei Singles heutzutage nicht oft der Fall ist, dafür ist es einfach zu schnelllebig – da kommen jede Woche 20 Singles raus, und mit dem nächsten Monat sind sie wieder vergessen. Das Album sollte für sich stehen, und ich glaube, in fünf Jahren hätte ich das Album wieder so gemacht. Mein Ziel war eben auch, die Leute zu überraschen, und ich glaube, das ist mir gelungen.

Glaubst du, dass es auch gerade für einen Techno DJ wichtig ist, auch aus diesen Schubladen auszubrechen und sich eine eigene, künstlerische Identität aufzubauen?

Künstlerisch, ja. Aber man geht schon ein gewisses Risiko ein, denn natürlich ist ein Album, das für den Dancefloor ausgelegt ist, verkaufsfördernder. Experimente werden eben nicht immer belohnt, aber ich musste dieses Album einfach auch für mich persönlich machen. Ich habe auch bewusst versucht, auf große Hits zu verzichten. Mir geht es eher um den Wiederkennungswert der Platte an sich. Aber ich bin eh nicht der Mann für große Hits…

Auch für Vakant als Label ist es ja ein potentielles Risiko, gerade weil es sich ja auch vom Labelsound wegbewegt…

Ich denke aber auch, dass es für ein Label wichtig ist, eben nicht immer die sture Linie zu fahren. Es sollte sich generell alles wieder etwas auflockern, man sollte viel mehr neue Wege gehen, und gerade bei Alben sollte man bereit sein, sich zu öffnen, da jedes Album auch für sich stehen sollte. Es stimmt natürlich, das Album hätte vielleicht vom Sound her auch eher auf Freude am Tanzen gepasst, aber ich wollte schon länger ein Album für Vakant machen, und ich halte in der Regel mein Wort… (lacht)

Du siehst ein Album also auch als Gesamtkunstwerk?

Bei manchen Alben frage ich mich, warum müssen die Leute immer wieder auf die Tube drücken? Wenn alles immer auf den Dancefloor ausgerichtet ist, dann ist das doch irgendwie nichts anderes als eine Sammlung von mehreren Singles. Das ist natürlich meine Ansicht, aber dieser Track-Charakter kann bei einem Album ruhig auch mal verschwinden.

Wenn du nun auf Tour gehst, spielst du auch die Sachen von deinem Album live oder wird sich an deinem Livesound nichts ändern?

Wenn ich als DJ gebucht werde, spiele ich vielleicht eins, zwei Sachen am Abend. Als Liveact sieht das schon anders aus, da spiele ich dann das komplette Album, wobei dann aber auch die ruhigeren Tracks etwas angepasst sind, denn das Album im eigentlichen Sinne passt einfach nicht in diesen Club-Kontext. Außer vielleicht in Japan, denn dort werde ich dann vermutlich auch das Album so spielen, wie es jetzt ist. Ich habe immer das Gefühl, die Leute dort verstehen das eher, wenn es auch mal nachts etwas ruhiger zugeht. Bei uns gibt es diesen Konzertcharakter bei einer Technoveranstaltung einfach nicht.

Was hast du noch geplant für die Zeit nach der Tour?

Die Tour wird sicherlich eine Weile dauern, ich glaube der letzte Stop ist für Japan im März geplant. Im Oktober nächsten Jahres ist dann auch eine neue Kooperation mit dem Orchester geplant. Das letzte Mal waren es ja nur drei Konzerte, aber diesmal ist wohl auch eine größere Tour geplant, aber ist alles noch nicht sicher; auch hier wird es wieder eine Kostenfrage sein. Achja, und eine Mix-CD für Freude am Tanzen wird auch noch herauskommen, damit ich mich dort auch mal wieder blicken lasse! (lacht)

# Preview + Buy Studio 10 @ Zero”

Geschichte wiederholt sich vielleicht nicht, aber sie baut aufeinander auf, reflektiert sich selbst und schreibt sich immer wieder neu. Und wo lässt sich das besser dokumentieren als in der Geschichte von House, das ja ohnehin schon immer mehr Gefühl als bloße Aussage war, und gerade in den letzten Jahren wieder aktueller denn je ist. So hat der Diskurs House in letzter Zeit nicht nur eine Rückbesinnung auf seinen Ursprung erfahren, sondern im gleichen Moment auch wieder eine Generation neuer Produzenten auf den Plan gerufen, die sich den Einflüssen nicht nur annehmen, sondern sie auch transformieren. Zu sehen ist diese Entwicklung auch im Mikrokosmos von Philpot, dem Label um Michel Baumann, besser bekannt als Soulphiction und Jackmate, und Tobias Ettle, das seit seiner Gründung im Jahr 2000 schon immer an einem ganz besonderen Sound zwischen House, Jazz und Funk gearbeitet hat. Nach Releases von vermeintlich alten Hasen wie u.a. Move D, Manmadescience und DJ Koze, setzt man auf Philpot allerdings seit dem letzten Jahr vermehrt auf die Jugend, und reichert den Diskurs House damit wieder mit neuen Inhalten an. Eine ganz logische Entwicklung, findet auch Labelchef Soulphiction: „Neue Talente sind heute wichtiger als je zuvor, alleine um mal etwas frischen Wind in die Clubs zu bringen! Außerdem scheint die neue Konkurrenz die “Alten” ordentlich zu motivieren, sich mal wieder richtig Mühe zu geben, das merke ich ja schon bei mir selbst.”

Der frische Wind von dem er spricht kommt bei Philpot in personifizierter Form zweier Produzenten daher: Sebastian Lohse aka Break SL und Tim Toh. Obwohl beide aus unterschiedlichen Ecken der Republik kommen, Break SL aus Dresden und Tim Toh aus der Nähe von Stuttgart, scheinen sich die Eckdaten doch zu überschneiden: Beide sind Anfang 20, beide haben auf Philpot ihre ersten Platten veröffentlicht und beide haben eine ganz eigene Auffassung von House, deren Ursprung es auf den Grund zu gehen gilt. Denn Fakt ist, daß sich der Generationenwechsel inzwischen endgültig vollzogen hat, und es nun auch den jungen Produzenten liegt, das so oft zitierte „Feeling“ von House fortzuführen. Auf Philpot ist dieser Sprung offensichtlich gelungen. „Es ist ein ganz schöner Anspruch an junge Artists, mittlerweile einen eigenständigen Sound zu finden,“ erzählt Soulphiction, und lobt seine Sprösslinge im gleichen Atemzug: „Tim und Sebastian sind sehr seriös im Umgang mit Musik und haben dabei einen individuellen und persönlichen Sound. Das ist bei uns immer noch ein entscheidendes Kriterium, und damit haben die beiden schon mal einen großen Vorsprung innerhalb ihrer Generation.” Doch wie stehen die beiden Protagonisten selbst dazu? Wir haben nachgefragt.

Zum Anfang: sagt uns doch kurz woher ihr kommt, und wie ihr mit elektronischer Musik in Kontakt gekommen seid.

BSL: Aufgewachsen bin ich in Westsachsen. Als Kind fand ich immer Sachen ohne oder mit wenig Gesang sehr spannend. Elektronische Musik spielt daher schon lang eine wichtige Rolle für mich. Ende der Neunziger wollte meine Mutter unbedingt mal auf die Loveparade. Das war meine erste richtige Berührung mit Techno. Für mich damals ein ziemlich geniales Erlebnis, weil es so pur und energetisch war. Da es in meiner Region kaum hochwertiges Programm in dieser Richtung zu erleben gab, war ich so oft es mein schmales Budget zuließ in Berlin, Leipzig und Dresden unterwegs und hab mich in Clubs reingemogelt und mein Geld in Plattenläden gelassen. Später kamen dann zwei Plattenspieler hinzu und gemeinsam mit einem Kumpel versuchten wir dann auch ab und an, durch Parties, diese Musik bei uns zu etablieren. Mit eher bescheidenem Erfolg… Aufgrund meines Studiums zog ich dann 2004 nach Dresden, wo ich schnell mehr und mehr Gleichgesinnte fand.

TT: Meine Familie hat einen engen Bezug zu Kunst und Kultur. Alle sammeln leidenschaftlich Musik und sind in irgendeiner Form musikalisch tätig. Ich habe schon in jungen Jahren die alten Disco-, Electro- und Breakbeat-Kasette und Schallplatten meiner Eltern gehört. Meine Mutter studierte Ethnologie und hatte schon immer einen Hang zu Ethnomusik oder psychedelischen Sachen. Mein Vater brachte damals von einer Reise Synthesizer-Musik, Jungle-Beat-Tapes und andere Dance Musik mit.

Seit wann seid ihr als Produzenten tätig?

TT: Noch nicht so lange. Bin ja noch ziemlich jung… (lacht)

BSL: Meine ersten Produktionsversuche hab ich vor fünf Jahren mittels Reason gemacht. Wirklich ernsthaft mach ich seit knapp drei Jahren Musik. Im laufe der Zeit hat sich meine Produktionsweise durch das Dazukommen von einer Menge Hardware stark geändert. Mittlerweile haben wir ein kleines, hübsches Studio im Herzen Dresdens eingerichtet, welches ich mit meinen beiden Freunden René und Clarence betreibe.

Sebastian, du kommst aus Dresden. Wie siehst du die Techno- und Houseszene dort?

BSL: Dresden ist von Hause aus eine sehr entspannte Stadt, man fühlt sich nicht unbedingt wie in einer Großstadt, was ich persönlich aber als sehr angenehm empfinde. Wir haben folglich also keine weltberühmten Clubs vorzuweisen. Dennoch gibt es zahlreiche kleine Läden, die ein weites musikalisches Spektrum bieten. Hervorzuheben ist dabei die Galerie Disko, die seit vielen Jahren die Speerspitz der Dresdner Elektronikszene bildet. Hier haben schon etliche hochkarätige Künstler aus der ganzen Welt gespielt, was mich persönlich auch sehr geprägt hat. In Dresden gibt es darüber hinaus mit Fat Fender, Backstock Records und Sugarhill Records drei richtig gute Plattenläden, die nicht nur die heißesten aktuellen Scheiben anbieten, sondern auch durch Ihr Wissen uns Jüngeren noch ne Menge beibringen.

Wie kam es zu dem Kontakt mit Philpot?

BSL: Der Kontakt entstand recht unspektakulär via Internet. Ich hab Michel Stücke geschickt und kurz darauf schrieb er mir, dass er „Trombone“ sehr schön findet und ob ich noch mehr davon hätte, und vielleicht Lust hätte, auf Philpot zu veröffentlichen. Kurz darauf besuchte ich ihn in der Distillery in Leipzig und gab ihm noch eine CD, mit neuen Stücken, die ich angespornt durch dieses Angebot in den Tagen darauf gemacht hatte. Hierbei gefiel ihm Flow besonders gut und die EP war fertig. Für mich war und ist dies nach wie vor eine große Ehre, denn Philpot ist für mich eines der besten Labels für anspruchsvolle Musik weltweit.

TT: Das war bei mir ähnlich. Ich hab ein paar Sachen gemacht und die zu Philpot geschickt. Ich war von deren Reaktion total überrascht und habe lange gebraucht, es zu glauben. Der Jackmate bringt ne Platte von mir raus! Ich musste lange Zeit realisieren, dass ich wirklich die Chance bekommen habe in absehbarer Zeit meine Musik auf einem Tonträger in den Händen zu halten. Und dann sogar noch auf Philpot! Das war und ist für mich wie ein Traum, mit dem ich nie gerechnet hätte…

Eines der Merkmale von Philpot ist sicherlich der Bezug zur alten Detroit- und Chicago-Schule. Seht ihr hierin auch eure persönlichen Einflüsse?

TT: Ganz klar, das ist richtig. Der Name Philpot verweist aber auch auf Larry Levan und New York Disco. Ich denke, dass ist auch ein wichtiger Bezugspunkt, sowohl für das Label als auch für mich. Die Intention liegt im Wesentlichen darin, neue Dinge zu kreieren und einen Mix aus all den Sachen zusammen zu bringen, die einen beeinflusst haben und die man liebt. Das Genre, die Stadt, oder das Land spielt dabei eine untergeordnete Rolle. Selbstverständlich gibt es aus diesem Bereich starke Impulse, die sich auch in meinen Sachen wiederfinden. Vielleicht die Rhythmik, oder eine Stimmung? Ich möchte mich aber nicht darauf festlegen, da ich mir viele Inspirationen auch aus anderen Bereichen nehme…

BSL: Die Einflüsse von Philpot reichen meiner Meinung nach aber ach weiter als nur bis in den mittleren Westen der USA. Afrobeat, Funk, Hip Hop, Jazz, Soul und viele andere schöne Spielarten spielen mindestens eine genauso wichtige Rolle wie Techno und House. Ich finde bei dem Label treffen sich sehr viele Einflüsse und jeder Künstler bringt da seine eigene Note mit ein. Man lernt ständig von einander. Tim brachte mich damals beispielsweise auf die Musik von Fela Kuti, Michel brachte mir Harry Partch näher und durch Tobi lernte ich die Musik von Gil Scott Heron kennen. In dieser Vielfalt und in einer Klangästhetik, die sich aus all diesen Einflüssen speist, sehe ich den größten Nenner aller Leute bei Philpot.

Also hat der Kontakt mit Philpot und Michel auch euch als Produzenten beeinflusst?

BSL: Als ich das erste Mal Tobi traf hat er mich darin bestärkt, an mich und meine Musik zu glauben und daran weiterzuarbeiten. Das war ein sehr wichtiger Moment für mich, weil ich zu dieser Zeit, bedingt durch mein Architektur-Studium, vor einer Entscheidung stand: entweder das Eine oder das Andere. Beides mit gleicher Ernsthaftigkeit zu verfolgen war für mich unmöglich. Also entschied ich mich. Demnächst möchte ich deshalb auch ein Toningenieursstudium anfangen um noch tiefer in die Musik einzutauchen und vielleicht auch bald selbst die von mir so geliebten Soundmaschinen zu bauen. Michel als gestandener Musiker gibt mir ständig nützliche Tips rund ums Produzieren. Der persönliche Austausch spielt also eine sehr wichtige Rolle, hin und wieder treffen wir uns auch zu gemeinsamen Sessions, so ist ja auch das Intro fürs Album entstanden, welches von Michel und mir kommt. Auch Tim und ich jammen ab und an herum.

TT: Als ich angefangen habe Platten zu sammlen, ist mir damals ein Soulphiction Stück („Bust me“ auf Perlon) in die Hände gekommen, mit dessen Gefühl ich mich sehr stark identifizieren konnte. Die größte Inspiration von Michels und Tobi s Seite war aber deren Zuspruch. Es war und ist für mich das schönste, wenn ich es schaffe sie mit etwas neuem zu überraschen. Fast alle bisherigen veröffentlcihten Stücke sind allerdings vor unserer Bekanntschaft entstanden.

Ihr seid ja in der Tat beide noch recht jung. Man hört öfters von älteren Produzenten, dass die junge Generation einen ganz anderen Begriff von House hat. Wie stehst ihr dazu, und was bedeutet für euch der Begriff “House” eigentlich?

BSL: Das Hauptproblem der jungen und alten Generation liegt meiner Meinung nach darin, dass die “alten Hasen” mit verschiedensten Musikrichtungen sozialisiert worden sind. Viele jüngere Produzenten schauen meiner Meinung nach zu wenig über den elektronischen Tellerrand hinaus, deshalb klingt halt auch vieles so beliebig und ähnlich, weil sich alles immer wieder selber recycelt. Oft erlebe ich im Plattenladen, dass Leute gute Tips einfach in den Wind schlagen, von wegen “kann man nicht spielen; kenn ich nicht; ist mir zu alt etc”, dann denk ich mir “wenn ihr wüsstet!” Diese Denkweise ist meiner Ansicht nach viel zu kurzsichtig und rächt sich irgendwann. Persönlich glaube ich nicht wirklich an neue große Würfe in Sachen neuer Genres, ich lasse mich aber gegebenenfalls gern eines Besseren belehren. In der Verschmelzung verschiedenster Richtungen sehe ich das größte Potenzial, auch gerade für House und elektronische Musik im Allgemeinen, gerade mit den vielen, erschwinglich gewordenen, Mitteln von heute. Es liegt also an uns, ob unsere Musik auch in vielen Jahren noch gemacht wird und Bestand hat, oder ob wir nur eine mittelfristige Erscheinung in der Musikgeschichte waren. Der Begriff “House” bedeutet für mich dabei persönlich eine sehr pure, teilweise naive, emotionale Musik, die für neues offen ist und war und immer sein sollte.

TT: Ganz bestimmt habe ich eine andere Wahrnehmung, als jemand, der die Anfänge dieses Genres mitbekommen hat. Ich kenne und liebe ein paar von den alten Sachen. Eine Tatsache ist halt, dass ein Stück aus 2002 mehr Erinnerungen in mir weckt, als eines aus dem Jahre 1984 – da war ich ja erst in Planung! Veröffentlichungen aus dieser Zeit waren nun mal für mich relevanter, da ich durch diese erst die Verbindung zu dieser Musik gefunden habe. Es gibt ja auch viele junge Menschen die sich einfach nicht die Zeit nehmen, um sich mit der Geschichte auseinanderzusetzen und lassen sich dann was von den Medien vorkauen und nehmen es an, ohne es zu hinterfragen. Das Grundprinzip von House basiert auf Hedonismus in seiner, für mich, reinsten Form. Es hat sich da auch nicht viel verändert. Natürlich gibt es hin und wieder Leute, die es in einen anderen Kontext bringen, doch wahre House-Musik soll mich einfach nur Glücklich machen und zum Tanzen bringen. Ich glaube, das Alter ist bei Musik trotzdem nicht so wichtig, eher die Umsetzung des ganzen. Wenn ich mich hinsetze und mich dafür entscheide einen House Track zu machen, dann tue ich es, weil es mir ein gutes Gefühl gibt. In den Anfängen von House hatten Leute wie z.B. Larry Heard ganz andere musikalische Vorbilder und Lehrer als wir. Und zu dieser Zeit gab es ein anderes Lebensgefühl als wir es heute haben und dies wurde von denen in eine musikalische Form gebracht. Nun kann ich versuchen das Gefühl dieser Zeit neu zu rekonstruieren, oder es kann mir absolut egal sein und ich versuche einfach meine eigenen Emotionen in ein Stück zu bringen und erreiche dadurch etwas, dass vom gewohnten Schema total abweicht.

Gerade in den letzten Jahren hat House und vor allem Deephouse wieder einen regelrechten Aufschwung erfahren. Das liegt auch daran, dass viele junge Producer diesen Sound wieder aufgreifen und neue Impulse setzen. Seht ihr euch als Teil einer neuen „House-Bewegung“?

BSL: Für mich war House nie wirklich weg. Aber gerade der neuerliche “Aufschwung” zeigt ja, dass noch lange nicht alles gesagt wurde. Nun bleibt es abzuwarten, ob wir alle kreativ und wachsam genug bleiben, um House frisch zu halten, so dass House nicht wieder ein kleines Ruhepäuschen einlegt. Neue “House-Bewegung” hin oder her, es kommen immer wieder neue Leute hinzu und andere gehen, aber die Idee bleibt die gleiche und diese Idee ist eine gute, dabei spielt es keine Rolle ob nun jemand 20 oder 50 ist oder ob man aus Michigan oder sonst woher kommt, so lang die Musik gut ist. Wie heißt es doch so schön „House is a feeling…“, so lang man dieses Gefühl hat, ist alles super. Dies ist ja auch eine weitere positive Eigenschaft dieser Musik, dass sie so intuitiv ist und keines speziellen Studiums bedarf, vieles erschließt sich im Laufe der Zeit einfach selbst.

TT: Ich habe schon immer eine starke Affinität zu House besessen und ich denke, bei so vielen Subgenres die es heutzutage gibt, fällt es einem schwer zu sagen, ob man in diesem Fall von einer ganzheitlichen Bewegung sprechen kann? Ich glaube House wird einfach von vielen zu unterschiedlich definiert, doch ich bin überaus gespannt, was unsere Generation in den nächsten Jahren erreichen wird! Im Prinzip ist es eigentlich immer das Gleiche, die alten legen vor und die jungen ziehen nach und machen was Neues daraus.

Wo seht ihr die Überschneidung von deiner Musik und der Philosophie von Philpot als Label? Glaubt ihr, dass ihr auf Philpot Musik veröffentlichen kannst, die auf anderen Labels vielleicht in dieser Form nicht möglich wäre?

TT: Zuallererst muss ich erwähnen, dass ich Philpot als ein Musiklabel aus Deutschland verstehe, dass einfach „Eier“ hat und einen anderen Weg geht als andere. Es klingt ein bisschen Außenseitermäßig, aber das ist doch auch ein Grund, warum man sich eine bestimmte Musik anhört. Oder nicht? Und sehr wahrscheinlich hätte ich zu dem Zeitpunkt wirklich kein Label gefunden, dass sich getraut hätte, die Sachen rauszubringen und die haben es einfach gemacht. Die positive Resonanz die ich erfahren und die Freunde die ich dadurch gewonnen habe, dafür bin ich Ihnen besonders dankbar.

BSL: Ich denke alle bei Philpot haben ähnliche Ansätze und befruchten sich gegenseitig, durch verschiedenste Einflüsse, musikalisch. Da bei Philpot das Funktionelle stets dem Musikalischen untergeordnet ist, glaube ich schon das ich mich hier musikalisch mehr entfalten kann, als bei Labels, denen es primär ums Verkaufen und den damit verbundenen Funktionalitätskompromissen, geht. Allerdings habe ich bisher auch noch nicht mit anderen Labels ernsthaft zusammengearbeitet, möchte hiermit also niemanden diskreditieren. Schön finde ich, dass Tobi und Michel musikalisch immer hinter einem stehen und man solche Sätze wie “kannste das vielleicht mal anders machen oder die Passage länger oder kürzer” etc. nicht zu hören bekommt.

Was auffällt, ist dass es bei Philpot immer wieder Platten gibt, die gar nicht primär auf den Dancefloor ausgerichtet sind, sondern auch sehr stark die Listening-Seite betonen. Wie wichtig findet ihr es, dass es eben nicht immer nur 4/4 und tanzbar sein muss?

TT: Ich glaube, ob etwas tanzbar ist oder nicht, hängt vom Hörer ab. Ich habe Leute auf ziemlich schräger Musik tanzen sehen, die mich keineswegs dazu animiert hätte mitzumachen! (lacht) Wichtig ist, dass sich Musikstile weiterentwickeln und Kreativität braucht seinen Freiraum, daher beschränke ich mich nicht auf ein Schema. Ich möchte aber beides machen, sei es jetzt Heavy Listening oder four to the floor Kram. Ich bin glücklich, dass Philpot mir die Möglichkeit gegeben hat, auch diese Seite offenbaren zu können.

BSL: Musik ist ja primär eine Sache für die Seele und nicht immer ist man in der Stimmung für Dancefloor Musik. Auch das macht ein gutes Label aus, dass es vielseitig ist und sowohl Musik macht die im Clubkontext passt aber auch zu Hause mit Freunden oder bei einem Glas Wein genossen werden kann. Musik für Genießer.

Sebastian, dein erstes Album erscheint gerade, obwohl du erst zwei EPs zuvor herausgebracht hast, was, im Vergleich doch relativ ungewöhnlich ist. Wie siehst du die Sache? Hattest du schon länger ein Album-Konzept in Planung und hast dich daher entschlossen, doch so frühzeitig eine LP zu machen?

BSL: Im Laufe der Zeit sind bei mir eine Menge Stücke zusammengekommen, deren Bandbreite recht groß ist, welche aber auf einer einzelnen EP vielleicht nicht wirklich gepasst hätten. Deshalb fragte mich Michel recht früh, ob ich mir nicht auch ein Album vorstellen könnte. Daher kann man nicht wirklich von einem Konzept-Album sprechen, sondern eher von einer Retrospektive der letzten beiden Jahre.

Dein Album heißt “City Wasteland”…nicht unbedingt der fröhlichste Titel. Steckt da ein bestimmtes Konzept dahinter? Deine Musik ist ja nicht wirklich als düster zu beschreiben, oder?

BSL: Friedrichstadt, so heißt der Stadtteil indem ich wohne und wo sich auch unser Studio befindet, ist nicht wirklich der schönste Fleck Dresdens. Es gab mal eine Kunstaktion die sich all der verfallenen und leerstehenden Häuser und Brachen, die teilweise seit dem Krieg so geblieben sind widmete. Eines der Brachen trägt den Schriftzug “Citywasteland”, dieser Schriftzug begleitet mich bei jedem Weg hin zum Studio und hat mich schon immer sehr beeindruckt. Gerade in einer Stadt wie Dresden, die seit der Wende alles dafür tut, in der Innenstadt zu wirken wie Disney-Land und sich damit seiner jüngeren Vergangenheit komplett entledigt. Keine zwei Kilometer von der Frauenkirche entfernt, einen solchen, scheinbar vergessenes Wasteland zu finden, dies finde ich sehr spannend. Viele Eindrücke aus dem Stadtleben haben das Album beeinflusst und somit sind fröhliche und lockere Stücke wie “My love is for u” genauso dabei wie nachdenkliche Stücke wie “Searching”, düstere Momente spielen für mich, wenn sie auch nicht auf Anhieb zu hören sind immer eine wichtige, oft auch inspirierende Rolle.

Du machst einen ziemlichen Rundumschlag auf dem Album – gibt es einen roten Faden, der sich durch das Album zieht?

BSL: Wie schon gesagt, ist dies kein klassisches Konzept-Album. Die Musik entstand aus vielen Momenten heraus. Als gemeinsamen Nenner sehe ich meine Arbeitsweise, ins Studio zu gehen und nicht zu Wissen wohin es diesmal geht. Dabei bin ich nicht wirklich auf eine bestimmte Richtung fixiert, es entsteht viel aus der Situation heraus. Ich bin kein Typ dafür immer wieder in die gleiche Kerbe zu hauen, so dass ein Stücke klingt wie das andere. Das langweilt mich schnell; dies ging mir aber am Anfang teilweise so, als ich rein computerbasiert Musik gemacht haben. Nun interagier ich viel mit Maschinen und die machen genauso wie ich, ab und an, Fehler, die einen manchmal zu ganz neuen Ideen bringen. Diese Momente gilt es festzuhalten.

Du singst auch auf einem Track selbst, was ja auch nicht oft vorkommt…

BSL: Ab und zu gibt mir Pierre, der Jazz-Saxophonist vom Studio gegenüber, ein wenig Nachhilfe in musiktheoretischen Sachen, im Gegenzug zeige ich ihm paar Tricks an Synthies, was er sehr spannend und lustig findet. Nach solch einer Stunde bin ich beim “üben” auf dem Akkord, welcher das Grundgerüst zu “My Love is for U” bildet, hängengeblieben. Das schrie einfach nach einer Stimme, also hab ich versucht was drüber zu singen. Zufällig besuchte mich an diesem Tag meine Freundin im Studio und wir haben gemeinsam zum Mikro gegriffen. Dabei kam eben dieser Track zustande. Sehr wahrhaftig, emotional und naiv, House eben.

Tim, mein Kollege Bleed hat deine erste Platte im Review als „gewagt“ bezeichnet. Versucht du auch bewusst, aus diesen bekannten Formeln auszubrechen, oder ergibt sich das einfach so?

TT: In einem Praktikumszeugnis stand mal: Tim besitzt die positive Eigenschaft Dinge Unbefangen anzupacken. Mal mehr, mal weniger. Natürlich probier ich immer was Neues aus. Sonst wirds ja langweilig. Meine Herangehensweise ist wahrscheinlich auch noch etwas spielerischer und richtet sich nicht unbedingt nach einer Vorgabe. Das kann ich immer noch machen. Es wird dann aber schnell uninteressant. Ich würde sagen: reines Spaßprinzip!

Welche Elemente siehst du als integralen Bestandteil in deiner Musik? Was macht eine typische Tim Toh Platte aus? Wie gehst du an einen Track heran?

TT: Der Groove ist ein wichtiges Element, dem ich sehr viel Aufmerksamkeit schenke. Themenwechsel in einem Stück, die überraschend und dennoch in sich stimmig klingen und das Erfinden einer besonderen Stimmung sehe ich als weitere Charakteristik. Ich lasse mich auch gerne von anderen Musikrichtungen inspirieren. Sei es jetzt Vietnamesischer Synthie-Funk, oder Folklore-Electro aus dem Iran, da gibt es keine Grenzen.

Join the Resistance heißt die Trilogie. Spielst du damit auf einen bestimmten Widerstand an? Gerade House hatte früher ja auch eine durchaus politische und kritische Seite, die heute oft vergessen wird…

TT: Hm, mir fällt gerade nur UR ein und die machen ja eher Techno. Bei „Join the Resistance“ geht es in erster Linie um Zugehörigkeit und Zusammenhalt und die Musik hat es für mich auf einen Nenner gebracht. Diese Thematik hat mich auch zu dem Zeitpunkt sehr Beschäftigt. Ich würde sagen, dass es sehr persönliche Stücke sind, die man wahrscheinlich nicht unbedingt nochmal in dieser Form von mir hören wird. Es war halt das Lebensgefühl zu dieser Zeit…

Zum Abschluss: wie schauen eure weiteren Pläne aus für dieses Jahr?

BSL: Wie oben teilweise schon angesprochen arbeite ich gerade viel mit Leuten wie Tim Toh, Tiny, Credit00, Bronco Teddy, Max Rademann, Jacob Korn und zahlreichen anderen zusammen. Da wird demnächst noch einiges kommen. Momentan arbeite ich auch an Remixen, einer davon erscheint Im Juni auf Wildtrackin (Original von: Paskal-Flashdance). Im September erscheint dann ja der zweite Teil des Albums bei Philpot auf Vinyl, hierbei wird es wieder einen Vinyl-exclusive Track geben. Eine weitere Platte auf Philpot ist gerade in Planung. Momentan stellt Tiny gerade eine Dresden-Compilation für K-Souls Label Kinda Soul Recordings zusammen, auf der auch Stücke unserer gemeinsamen Arbeit sein werden.

TT: Es gibt in der Tat einen Austausch zwischen Sebastian und mir. Dann bin ich gerade an der Vollendung eines Remixes für Manuel Tur und Dplays Label Mild Pitch dran und Millions of Moments hat ein neues Stück besonders gefallen. 2010 kann man evtl. schon mit einem Album auf Philpot rechnen.

# Preview: BreakSL – City Wasteland
# Preview: Tim Toh – Join the Resistance (Pt. III)
# Philpot

Info: Teile dieses Interviews sind in der De:Bug eschienen.

Burak Sar, besser bekannt als SiS, kann sich nicht beklagen. Als ich ihn im Frühjahr diesen Jahres, nach zwei verschobenen Terminen endlich in Frankfurt erwische, nachdem er mir schon in Stuttgart krankheitsbedingt durch die Lappen gegangen ist, schwärmt er noch vom vorherigen Sommer. Kein Wunder, in nur einem Jahr ist er vom Shootingstar zu einem der gefragtesten Produzenten und Remixer der neuen Technowelle avanciert – Tracks wie Nesrib und das etwas eigenwillige Trompeta auf Ricardo Villalobos’ Label Sei es Drum haben ihn in diverse Charts zum Jahresende gehoben. Und dann wäre da natürlich noch die Verbindung mit einem der vielleicht erfolgreichsten deutschen Technolabel der letzten Jahre: Cécille aus Mannheim, mit denen SiS eine sehr innige Freundschaft pflegt. Doch das ist nur der Anfang. Gerade vor kurzem ist SiS nach kurzem Aufenthalt in Offenbach nach Berlin gezogen, um seiner Arbeit als Produzent endlich mit voller Aufmerksamkeit nachgehen zu können. Dazu hat er noch sein eigenes Label gestartet und einen DJ-Schedule am Laufen, bei dem es selbst älteren Hasen schwindlig werden könnte. Zwischen Wohnzimmerproduktion und Jetset – wir befragten den umtriebigen Mann im Auftrag von Resident Advisor, und stellen fest: trotz des Erfolgs ist man erstaulich bodenständig geblieben. Wir schauen mit SiS auf den nächsten Sommer.

2008 war ein gutes Jahr für dich, oder?

Ohja, definitiv. Es lief zwar auch vorher schon gut, aber man kann doch sagen, dass 2008 auf jeden Fall das bis dato beste Jahr war. Der Sommer war einfach fantastisch!

Wann hast du angefangen zu produzieren und wie bist du mit den Leuten von Cécille in Kontakt gekommen?

Ich habe so gegen Ende 2003 angefangen zu produzieren. Die erste Platte kam dann 2005 auf Amused Records raus, einem der Label von Nick Curly, der jetzt auch Cécille und 8Bit betreibt. Das kam alles ganz zufällig, da ich ein Mädel kannte, die mit Nick Curly zusammen war. Sie hat dann gemeint, dass ihr Freund ein Label betreibt, und mich gefragt, ob ich ihm nicht mal ein paar Tracks geben will. Das war dann eigentlich der Anfang von allem.

Du hattest dann auch gleich das zweite Release auf Cécille. Fühlst du dich dieser weit diskutierten Frankfurt-Mannheim-Achse zugehörig?

Ich muss ehrlich sagen, dieses ganze Brücken- und Ecken-Gerede interessiert mich einen Scheiß! Das wurde im letzten Jahr so breit getreten, das kann doch keiner mehr hören. Es ist mir egal, wo man meine Musik hinzufügt, hauptsache sie kommt an. Natürlich sehe ich mich als Teil von Cécille, es ist auch mein Hauptlabel, und wenn es da keine Freundschaft gäbe, wäre die Zusammenarbeit auch nicht möglich. Alles darüber hinaus ist aber doch nichts anderes als Politik, und damit will ich nichts zu tun haben. Das sollen Leute machen, die nichts mit der Musik am Hut haben…Journalisten zum Beispiel, aber nicht persönlich nehmen! es wird nur immer viel zu viel geredet…

Hattest du dich am Anfang noch nach anderen Labels umgeschaut?

Außer den Jungs von Cécille habe ich sonst nur noch Luciano ein paar Demos in die Hand gedrückt wenn er da war. Ich habe auch von mir aus einfach nicht viele Label gefunden, auf denen ich meinen Sound hätte sehen können. Und die Labels vermutlich auch nicht meinen.

Wieso das?

Ach, meine ersten Tracks waren noch viel verspielter, da ist noch um einiges mehr passiert, und das war den meisten einfach ein wenig too much. Ich denke, inzwischen habe ich mehr meine Linie gefunden.

Trotzdem waren zwei deiner Tracks aus dem letzten Jahr – Nesrib und Trompeta – ein Riesenerfolg…

Ich muss heute immer noch Trompeta bringen wenn ich live spiele. Die Leute wollen es hören, und ich glaube auch, dass manche nur kommen um diesen Tracks zu hören. Ich hätte nie erwartet, dass dieser Track so eine Resonanz bei den Leuten hervorrufen würde, und dass er einmal der stärkste Moment in meinem Liveset sein wird.

Hat man dann noch Lust, den jede Nacht zu spielen?

Ich muss zugeben, dass er mich inzwischen selbst teilweise langweilt. Aber er bringt mich gleichzeitig auch immer wieder zurück nach Ibiza letzten Sommer. Das ist Fluch und Segen eines Hits, so geht es aber anderen Produzenten oder Bands auch. Irgendwann lässt das Bedürfnis nach und man entwickelt sich weiter.

Wie bist du zu diesem doch sehr eigenwilligen Trompetensample gekommen?

Auch das war mehr oder weniger Zufall. Ein Freund hat mich in Offenbach besucht und hatte einige Tracks auf seinem mp3 Stick mit unterschiedlichsten Genres. Aus Interesse habe ich mir dann diesen Remix von „Balkan Beatbox“ runtergezogen, der die Trompete enthält. Am gleichen Abend, noch bevor ich ins Robert Johnson bin, habe ich dann den Track zwischen Tür und Angel zusammengeschraubt.Überhaupt suche ich gar nicht aktiv nach Samples. Wenn ich mal ein interessantes Vocal oder Acapella Sample höre, dann sticht das meistens heraus und sagt mir auch, was ich damit machen kann. Ich bekomme viele Sachen von Freunden, die ich dann gelegentlich durchhöre und dabei auch das ein oder andere finde.

Trompeta kam dann auf Villalobos’ Sei Es Drum Label heraus. Wie kam es dazu?

Es wusste keiner genau, was mit dem Track passiert. Als Ricardo und ich zusammen im Cocoon waren, habe ich ihm gesagt, dass der Track noch nicht veröffentlicht sei, und da meinte er von sich aus, machen wir es eben auf seinem Label. Sei es drum halt. (lacht)

Du bist also auch mit Ricardo so auf einer Wellenlänge?

Ich würde mich niemals mit Ricardo auf eine Stufe stellen, der Mann ist in jeder Hinsicht, musikalisch, als DJ und als Produzent, eine eigene Liga. Ich glaube auch nicht, dass unser Sound ähnlich ist. Aber natürlich muss da schon eine musikalische Seelenverwandschaft vorhanden sein, sonst würde er nicht die Tracks von mir spielen oder meine Sachen herausbringen. Aber auch zu sagen, dass wir jetzt beste Kumpels sind, wäre übertrieben, dafür haben wir beide auch viel zu wenig Zeit momentan. Man sieht und trifft sich eben gelegentlich beruflich, aber das sollte man alles nicht überbewerten.

Du bist gerade erst von Offenbach nach Berlin gezogen – eine reine jobtechnische Entscheidung?

Auch das hat sich recht spontan ergeben, ich wollte da nicht dem Schema des typischen DJs folgen, der nach Berlin zieht. Ich muss aber auch sagen, dass ich auch in Offenbach nur knapp ein Jahr gewohnt habe. Wir hatten in unserer Wohnung einen Rohrbruch, gleichzeitig haben wir von der Wohnung in Berlin erfahren, und sind dann kurzerhand umgezogen. Es steht auch noch gar nicht fest, ob ich überhaupt in Berlin bleibe. Die Situation mit den Flügen und Reisen kotzt mich jetzt schon, da ist Frankfurt um einiges praktischer. Das Gute ist ja momentan, dass ich mir aussuchen kann, wo ich wohne, solange es in der Nähe eines Flughafens ist. Mal schauen, wo mich meine Reise noch hinführt.

Wenn du erst so spät in die Stadt gezogen bist, wie bist du überhaupt zur elektronischen Musik gekommen und wann hast du dich dazu entschieden, selbst zu produzieren?

Wir waren natürlich schon in den Clubs unterwegs. Ich komme ursprüglich aus Michelstadt im Odenwald, und meine ersten Erfahrungen habe ich natürlich im U60 in Frankfurt gemacht, danach kam dann gleich das Robert Johnson. Das wurde dann immer mehr zu meinem Wohnzimmer (lacht). Ich habe dann immer mehr elektronische Musik gehört und mir irgendwann gedacht, wenn Leute, die keine Instrumente spielen, auflegen können, dann kann ich das als Musiker auch.

…Musiker?

Ich habe früher ein paar Instrumente gespielt, wir hatten auch mal eine kleine 2-Mann Band, mit der wir etwas gejammt haben, aber alles eher im Bereich von Rockmusik, nicht weltbewegendes

Was mir aufgefallen ist, ist dass es über dich relativ wenig Infos im Netz gibt. Ist das bewusst von dir so gewählt?

Ich möchte keinen auf Business-Techno machen. Mir geht es momentan schon wie ein König, gerade im Vergleich zu dem, wie es früher war, das kann auch jeder der mich kennt bestätigen. Da gibt es Leute, die da eine unterschiedliche Meinung haben, aber warum sollte ich das alles noch mehr pushen, meine eigene Homepage machen und mit Infos um mich werfen? Ich bin bei MySpace, das ist das größte Netzwerk überhaupt, was will ich denn mehr, warum sollte ich meinen Fans den Weg noch erschweren?

Du meinst durch zu viele Informationen?

Ja klar, für was braucht man denn heutzutage drei Seiten für die gleichen Infos? Durch diese Informationsflut wird doch alles irgendwie verschwommen, daher versuche ich alles auf einem Minimum zu halten und die Musik für sich sprechen zu lassen.

Und wie stehst du zu Digital Releases, die ja immer mehr an Bedeutung gewinnen?

Ich bin eigentlich ein klassischer Vinyl-DJ. Aber seitdem ich auch Livesets spiele, ist die Möglichkeit, auch mit Traktor Scratch aufzulegen um einiges komfortabler geworden. Ich bin daher auch der letzte, der dieses „mp3 kills vinyl“ Klischee bedient. Sind wir ehrlich, den Soundunterschied bekommt eh keiner mit – nicht der DJ, nicht die Leute auf dem Dancefloor. Da ist auch viel Klugscheißerei und Fachsimpelei am laufen. Solange da oben nicht einer steht und ohne Controller nur die Tracks mit Traktor synchronisiert, soll man doch machen was man will.

Der Performance-Aspekt ist dir also auch sehr wichtig?

Naja, irgendwie schon. Ich meine, sonst könnte auch meine Oma da oben stehen. Irgendwas will man den Leuten ja auch bieten, die sollen auch sehen, dass man etwas macht.

Was hast du noch für diesen Sommer geplant?

Zum einen habe ich vor kurzem mein eigenes Label Cocolino Records gestartet. Dann kommt wohl noch ein Mix für die Body Language Serie auf Get Physical, und mit Johnny D habe ich auch noch eine Überraschung geplant..

Damit wären wir ja wieder bei Cécille…

Wie gesagt, wir sind gute Freunde, aber alles darüber hinaus ist Interpretation…aber ich bin froh, so eine Homebase zu haben!

Info: This interview was first published on Resident Advisor.

# SiS MySpace
# Cocolino Records